Gay Globe Média

J’en reviens pas, j’en reviens juste pas que le Maire Coderre ait décidé de faire la couverture du Gay Globe, il est partout!
Pat V. (Montréal)

Denis Coderre est un homme capable en effet de tout faire avec une énergie qu’on ne voyait plus à Montréal depuis Jean Drapeau. Il se déplace, il inaugure, il parle, il donne des entrevues, il bouche des trous, il combat des incendies, il vole au secours des veuves et quand il a deux minutes de repos, il va nourrir les sans-abris, nettoie les parcs et repeint les façades.

Denis Coderre est en train de révolutionner la vie montréalaise et la couverture de Gay Globe a aussi été une révolution car dès la revue sortie en kiosques et en version PDF, près de 20,000 téléchargements ont été faits, au point de susciter un questionnement de la part de notre serveur qui a eu peur que son réseau n’explose! C’est pas fini car après Céline, Poutine et Coderre, de nombreux autres restent à venir et ça va chauffer je vous l’assure!
La rédaction

J’ai été choqué par la lecture de la chronique sur l’abandon des animaux. Ça me révolte de voir ça.
Marie L. (Terrebonne)

Nous en parlons le plus possible et ce, grâce à l’aide du commanditaire (l’Hôpital vétérinaire) et de la SPCA car il y a des alternatives faciles à l’abandon en pleine rue d’animaux qui ne sont pas fait pour vivre dans nos sociétés seuls. Ne laissez jamais un animal sur le bord du chemin, les structures existent pour les sauver, il faut simplement se déplacer un peu plus et les confier aux bonnes personnes pour régler la situation.       La Rédaction

Caroline Gréco

Mais ta vie aussi a changé :  Il y avait les journées joyeuses, et les autres où tu te posais des tas de questions. Tu continuais à sortir très souvent, et je me gardais bien de te faire des remarques.

Tu voulais vivre, profiter des copains et de la vie :  parfois, tu étais trop euphorique, et je n’aimais pas cette excitation et cette joie débordante. Tu étais entouré par un groupe de plus en plus nombreux d’amis, tu avais repris contact avec des garçons que tu avais perdu de vue depuis longtemps. En y repensant, je comprends qu’avec ce virus dans le sang, même si tu ne voulais pas admettre la gravité du danger, inconsciemment tu avais senti que tes jours étaient comptés, et cette envie de revoir tout le monde était une façon de prendre doucement congé de ceux que tu aimais bien. Après la gaieté venaient les moments de déprime. Tu me parlais de la fragilité de la vie, du temps qui passe trop vite et de la mort. Comment allait être ton futur ? Il ne fallait surtout pas que tes copains découvrent ta séropositivité : ceci était l’un de tes soucis majeurs, avec l’inquiétude de contaminer l’autre. Par moments, tu avais peur du lendemain, tu perdais tout espoir, tu n’avais plus envie de faire des projets, tu déprimais, tu me disais que tu n’avais plus le droit de tomber amoureux, puis tu te demandais à quoi cela te servait de vivre, d’avoir un compte en banque.

Toi, de toute façon, tu savais n’en avoir plus pour longtemps. Tu te renfermais alors dans un silence terriblement triste et lourd, tu ne voulais plus voir ni entendre personne, et je te retrouvais couché sur ton lit, le regard fixe, dans la pénombre de ta chambre. Je venais alors doucement m’asseoir à côté de toi. En silence, j’attendais le petit signe qui m’aurait permis de rétablir le contact, un geste tendre, un regard de connivence ou un mot de toi « jeté » par hasard ou peut-être par désespoir, un mot de trop, qui s’échappe comme d’un trop-plein, comme un appel au secours, un mot qui voudrait remplir ce silence, un mot qui n’a pas forcément une signification précise, mais qui est là, prononcé comme on tend un bras pour s’agripper à quelque chose. Un mot comme un signal. Cela me donnait du courage, on allait pouvoir parler, et c’est ainsi que j’arrivais à t’aider au mieux. Nos conversations pouvaient être interminables:  je te laissais dire ton angoisse et, petit à petit, je parvenais à te conduire vers un terrain plus gai, vers des projets à très court terme qui te réconfortaient, car tu étais sûr de pouvoir les réaliser. Et souvent, nous nous quittions en riant ou bien nous entreprenions quelque chose ensemble:  provisoirement, j’avais gagné la bataille!

Plus tard, beaucoup plus tard, vers ta fin, combien de fois m’as-tu rappelé ces bons moments où, avec mon aide, tu sortais de ton «gros nuage noir» », en répétant combien mon optimisme inébranlable t’avait aidé!  Optimisme pourtant tellement forcé que je me demandais parfois comment tu pouvais ne pas t’en apercevoir!  C’était le seul «médicament» à ma portée qui pouvait t’aider! Passages à vide, moments de déprime. Je rêve que je suis un arbre, un chêne, avec de belles racines qui tiennent solidement dans la terre. Nombreux sont les oiseaux qui viennent nicher dans mes branches. Toute la journée, je les entends pépier, et mes feuilles tremblent doucement à leur passage. J’aime bien cette musique qui m’entoure et cette agitation. Je m’élance vers le ciel, vers le soleil qui me donne des forces. Je ne crains pas l’orage, je suis seulement inquiet pour mes oiseaux lorsque le vent et la pluie deviennent violents. Dans ces moments-là, je n’arrive plus à contrôler le mouvement de mes branches, et je sais que le pire peut survenir. Cette fois-ci, l’inimaginable est arrivé. Après des jours de mauvais temps où le ciel a ouvert ses cataractes et des trombes d’eau sont tombées sur la nature, la terre, brusquement, s’est mise à trembler:  la peur? Le ras le bol? La crainte de la noyade avec toute cette eau? Je ne sais. Il y a eu un grondement sinistre, et puis tout a bougé:  un immense pan de montagne s’est détaché:  la boue, la terre, les cailloux sont descendus vers la plaine, et malgré la lenteur de cet éboulement, leur force était telle que rien ne pouvait résister. Je ne me trouvais pas vraiment sur le passage de cette éboulement mais le vent violent a réussi à casser une bonne partie de mes branches: je souffrais et je pensais à mes oiseaux, aux petits qui étaient dans les nids et n’avaient encore appris à voler. La tristesse, le désespoir et la peur m’ont envahi. Je ne pouvais que subir, je ne pouvais rien faire d’autre.

De longues heures ont passé. Lorsque tout s’est arrêté, le silence, terrible, immense, oppressant, a tout enveloppé Plus tard, le vent s’est levé de nouveau, mais, cette fois-ci, c’était différent. Le souffle était léger et amical, et l’air qu’il fredonnait ramenait l’espoir. La nature autour de moi s’est secouée doucement, et malgré moi, malgré ma douleur, j’ai senti bouger le peu de feuilles qui me restaient. Un oiseau a lancé un petit cri, première note d’une longue mélodie  qui me chantait la solidarité et nous encourageait à continuer à vivre malgré tout.

Je me rend compte que ce rêve que je viens de faire correspond à ce que je suis en train de vivre:  nous étions une famille heureuse, un mari, un fils, beaucoup d’amour, une maison toujours ouverte aux copains, beaucoup de joie, de rires et de musique. Certes la vie nous réservait, par moments des soucis et des peines, et nous avions les mêmes problèmes, parfois difficiles à résoudre, comme dans toutes les familles. Rien n’était parfait, et on le savait, mais dans l’ensemble, tout allait bien. Mon souci majeur était la crainte d’un accident grave, d’une sale maladie.

Le hurlement de terreur est arrivé avec ton test HIV, Julien. À partir de là, le cauchemar a commencé, et mes « racines d’arbre », quoique solides, ont tremblé et se sont demandées combien de temps elles tiendraient le coup. La bourrasque est violente, la peine et la peur aussi. Mais la nature a des ressources insoupçonnables. Lorsque tout va mal, elle ne nous abandonne pas et, parfois, elle peut distiller des réserves de courage au fur et à mesure des besoins, comme si elle voulait, par ce geste, s’excuser de tout le mal qu’elle nous apporte. J’attends avec impatience le chant de l’oiseau qui m’amènera un peu d’espoir:  pourra-t-il chanter encore?

Dix-huit mois avant ta mort, tu as eu ta première alerte sérieuse. Depuis un certain temps, d’étranges taches avaient couvert tes bras. Par moment, elles s’atténuaient, puis revenaient. Tu étais de plus en plus fatigué pour aller travailler. Je dormais mal la nuit. Je pense que ton souci égalait le mien. Tu refusais le médecin, et je pleurais en cachette. C’est à partir de là que j’ai pris conscience du point de non-retour. Depuis cinq ans, le spectre du sida était présent, mais tu continuais à vivre normalement, et je pense que nous nous sommes laissé bercer par le doux ronronnement de ce faux bien-être, sans vouloir regarder un peu plus loin. Tu ne voulais pas savoir, l’avenir était trop angoissant et trop terrifiant. Qu’aurait on pu changer? L’échéance était inéluctable!

Chaque jour qui passait était une victoire sur la mort. Naïvement, par moments, je pensais qu’on nous annoncerait enfin la découverte d’un médicament miracle, tu allais être sauvé, quelle fête on aurait organisée!

Et puis, il y a eu cette nuit terrible, le docteur appelé en urgence:  tu avais de la fièvre et des douleurs insupportables à l’estomac. L’ambulance, l’hôpital et l’angoisse … Le diagnostic était sévère:  une péricardite, un poumon bloqué, et l’autre qu’il fallait sauver à tout prix et vite!

Les heures tournaient lentement, je me sentais inutile à ton chevet:  tu souffrais, tu respirais avec peine, je ne pouvais que prier et attendre.
As-tu compris la gravité de ton état? Jamais, pas une fois, tu n’as prononcé le mot sida. Je suis sûre qu’à ce moment là, tu as tout compris… Et le message de ton silence était clair:  «Ne me parlez pas de ça!»

Tu es rentré à la maison un mois plus tard. Tout s’écroulait autour de nous. La maladie était déclarée, la bête immonde avait trouvé son chemin et elle allait te dévorer petit à petit. Tout mon amour pour toi n’y pouvait rien, mais il fallait quand même essayer de combattre.

Suite dans notre
prochaine édition…

Pour lire l’oeuvre de
Caroline Gréco,
intégralement,
rendez-vous au
www.gayglobe.us/Julien

Roger-Luc Chayer

Le peroxyde d’hydrogène vous connaissez?

À première vue, il s’agit bien d’un produit d’accès facile et commercialement disponible dans toutes les pharmacies ou les épiceries du Québec, souvent à moins de 1$ la bouteille de 400 ml. Mais voilà, c’était sans compter sur la créativité d’un fraudeur montréalais qui a vu dans ce produit, le moyen de se payer une retraite dorée au Mexique.

Rencontré le 16 juin dernier dans le cadre d’une enquête portant sur la publicité faite autour d’un produit annoncé comme guérissant le SIDA, le cancer et la sclérose en plaques, Marcel (nom fictif pour éviter des poursuites bâillon) s’est ouvert comme une bible, en toute transparence et sans retenue aucune, ne pensant jamais qu’il parlait à un journaliste d’enquêtes qui a fait sa réputation, dans le bon vieux temps, avec des enquêtes criminoides sur des produits anti-SIDA comme le Cascabel ou le HMS-machin!

Marcel est donc le responsable et l’inventeur d’un produit que nous ne mentionnerons pas par son nom puisque l’objet de cet article est bien son ingrédient principal et non sa marque de commerce. Le produit en question est présenté comme un liquide ayant la propriété d’augmenter l’oxygénation et le nombre de globules rouges dans le sang, ce qui aurait, selon son inventeur et vendeur principal, la propriété de permettre au corps de guérir de nombreux maux. Selon sa théorie, comme la planète est de plus en plus polluée et que le taux d’oxygène serait plus bas que jamais, en suppléant à ce taux par un apport médicinal, on parviendrait à guérir des maladies qui existaient beaucoup moins alors que l’air était plus pur dans un passé lointain. Tout d’abord, rien dans toute la science ne permet de conclure que le taux d’oxygène de la planète serait inférieur à celui des 30,000 dernières années. En fait, selon les scientifiques,  ce taux serait exactement le même et les croyances contraires ne trouveraient aucun justificatif en science.
Ceci étant réglé, de quoi est composé exactement ce produit miracle?

Tout simplement de peroxyde d’hydrogène, le même qui sert à désinfecter les plaies ou à blanchir les dents. Or, quand on examine la bouteille vendue par Marcel, rien n’indique qu’il s’agit de peroxyde. Ça peut sembler simple et sans danger à première vue mais le peroxyde est un produit extrêmement irritant qui, si ingéré par la bouche, peut  causer de lourds dommages à l’estomac et à l’intestin alors que s’il est administré sous forme d’injections, comme recommandé par Marcel, peut mener à la formation de bulles dans le sang et causer la mort en quelques minutes. Et tout ça pour quelques dollars et le rêve d’une santé meilleure. Qu’on se le dise, le peroxyde ne guérit pas le SIDA, Marcel non plus!!!!!!!!!!

Découverte d’anticorps pouvant neutraliser le VIH
(bulletins-electroniques.com)
Le mécanisme de neutralisation du VIH par des anticorps particulièrement puissants vient d’être élucidé. La découverte apporte des éléments essentiels à l’élaboration d’un vaccin efficace contre le virus. Les anticorps ont été identifiés dans le sang d’une patiente du KwaZulu-Natal, qui a commencé à les produire quelques mois seulement après avoir été infectée par le VIH. Les analyses ont révélé qu’après seulement quelques mutations, les anticorps étaient déjà capables de neutraliser une proportion significative de souches du VIH en se fixant spécifiquement sur l’enveloppe du virus.

Guérir du sida? Un espoir grâce à des cellules souches conçues pour rendre le système immunitaire résistant au VIH
(HuffPost.fr)
Vous vous souvenez du prix Nobel de médecine de 2012? Deux chercheurs avaient été récompensés pour avoir découvert que des cellules adultes pouvaient être reprogrammées pour devenir des cellules souches. D’autres scientifiques ont voulu associer cette découverte avec une nouvelle technique d’ingénierie génétique. Ce faisant, ils pourraient avoir conçu un nouvel outil pour guérir d’une infection au virus du sida. Leurs recherches sont publiées dans la revue Proceedings of the National Academy of
Sciences. Elles ont été réalisées par Yuet Wai Kan, de l’université de Californie, ancien président de l’American Society of Haematology, et ses collègues. Ce qu’ils ont réussi à concevoir? Des globules blancs résistant au VIH. Mais l’étape suivante pour ces chercheurs est plus complexe. C’est à un globule blanc spécifique, celui qui joue un rôle dans le développement de la maladie, qu’ils veulent s’attaquer. Car le virus du sida s’intéresse bien précisément à un globule blanc, qu’il ravage et utilise comme une porte d’entrée pour envahir le système immunitaire. C’est celui-ci qui, chez les individus résistants au virus, est porteur de la mutation. L’espoir est là, et les scientifiques sont prudents, mais semblent
y croire.

Il poursuit l’hôpital qui a fait «rétrécir son pénis»
(7sur7)
Un homme vivant à Repentigny poursuit l’hôpital Le Gardeur pour avoir rétréci son pénis. Il réclame 155.000 dollars de dommages et intérêts. L’homme s’est fracturé le pénis lors de rapports sexuels avec son épouse en juillet 2011. Il s’est rapidement rendu à l’hôpital. Il raconte au Toronto Sun qu’une infirmière «a fait une brève inspection visuelle de son pénis sans le toucher». Il a ensuite vu un urologue qui a diagnostiqué un «traumatisme mineur». Le blessé a été renvoyé à la maison. Les allégations contenues dans sa plainte n’ont pas été prouvées devant la justice. Le procès est actuellement en cours.

Roger-Luc Chayer

La période des fiertés gaies, qu’elles soient de Montréal, de Québec ou de nombreuses autres villes en Amérique ou en Europe est souvent propice au passage à l’acte en matière de suicide chez les jeunes hommes gais. Est-ce inévitable?

Car ce sont en effet les images associées à ces célébrations, que certains médias sélectionnent délibérément pour susciter le ridicule, qui sont celles qui sont retenues par de jeunes garçons en début de vie gaie et, ne s’identifiant pas à ces excès et exagérations, en viennent à vouloir se suicider pour ne pas devenir comme ce qu’ils voient.
Si cette période faste et joyeuse chez les communauté gaies du vaste monde ne devait servir qu’à une chose, elle devrait servir de message aux jeunes homosexuels. Cette période devrait servir de vitrine médiatisée pour donner des images réelles et positives de ce que nous sommes collectivement. Nos réalisations dans le domaine intellectuel, dans les médias, dans la culture, dans les sports, dans la médecine, la science, partout là où nous excellons. Pour que ces jeunes qui ne voient que du noir dans ce qu’ils pensent être, découvrent qu’en fait, l’avenir est positif et leur est hyper ouvert. Le monde n’attend que ces jeunes gais pour avancer, leur suicide nous coûte trop cher, et quand ils sont morts, il est trop tard.

Alors je propose à mes collègues des autres médias cette année de laisser tomber les pantalons de cuir, les chaps de cuirette avec de vieilles fesses dégradantes, de laisser les exagérations et les extrêmes de côté quand vient le temps de parler de nous et de plutôt offrir comme images, des gens heureux, simples, des couples gais avec des enfants, des personnalités publiques à l’influence positive et peut-être, je dis bien peut-être qu’on arrivera à sauver des vies.

Le Devoir

Après 53 intoxications et 18 décès, la Direction de la santé publique maintient sa veille.

De nouvelles surdoses mortelles sont survenues à Montréal en juin. La drogue à la source de cette vague de décès et d’intoxications étant toujours inconnue, la Direction de santé publique (DSP) ne relâche pas sa vigilance et étendra ses moyens pour sensibiliser le public. Depuis la mi-mai, 53 intoxications et 18 décès ont été recensés en lien avec la circulation d’une drogue inhabituellement dangereuse. Avec cinq décès en juin, la vague semble en régression, mais le directeur de la Santé publique de la métropole, croit qu’il est trop tôt pour tirer des conclusions.

L’enquête se poursuit, et la DSP reste à l’affût. Entre 2000 et 2009, on a recensé 1,3 décès par surdose lié à une drogue injectable par période de quatre semaines. La vague actuelle est donc anormalement élevée.

Les trois quarts des décès par surdose enregistrés depuis mai sont dus à des drogues injectables comme l’héroïne, mais la consommation de cocaïne ou de comprimés contrefaits par voie nasale et par inhalation a aussi été en cause dans certains cas. La DSP soupçonne toujours que les produits ont été additionnés de Fentanyl, un analgésique très puissant. Impossible toutefois de confirmer cette piste tant que les analyses de laboratoire ne seront pas complétées, ce qui devrait survenir en août. Afin de prévenir d’autres surdoses, une vidéo a été diffusée sur les écrans du métro entre le 21 et le 27 juin. Des affiches sont également distribuées dans une cinquantaine de bars et de restaurants de Montréal. On y avertit les consommateurs: «Overdoses en ville : baisse ta dose, t’en mourras pas.» «Nous essayons de rejoindre les gens, surtout que certains consommateurs occasionnels sont difficiles à joindre, car ils ne fréquentent pas le réseau communautaire», dit le Dr Massé. « Au moindre doute, nous demandons aux gens de composer le 911.

Plus le naloxone (un antidote) est administré rapidement, plus il est efficace.

Roger-Luc Chayer

Ah ce qu’ils sont beaux quand ils se drapent amoureusement de nos couleurs gaies pour nous dire qu’ils nous aiment. Mais est-ce cet «amour» serait une façon détournée d’attirer les gais dans un piège économique ou politique?

Il y a quelques semaines, le chef du Parti Libéral fédéral Justin Trudeau, pour une seconde année consécutive, participait à la Fierté gaie de Toronto en s’appropriant et brandissant amoureusement le symbole universel des gais, leur drapeau arc-en-ciel et projetait l’image de quelqu’un qui non seulement reconnaissait l’apport de la communauté à la société mais qui était fier d’adhérer à cette même communauté gaie. Peu de temps avant, Justin Trudeau participait toutefois à une messe islamique dans une mosquée de Montréal avec des gens réputés pour leur intolérance et les appels à la violence ou  à la peine de mort contre les homosexuels.

Or, quand Gay Globe Média demandait l’an passé à M. Trudeau d’acheter de la publicité dans les médias gais montréalais, la réponse a été catégorique, non!

Autre exemple plus commercial. La chaîne d’hôtels Marriott annonçait récemment qu’elle souhaitait sérieusement développer ses campagnes vers la communauté gaie et lorsque le temps vient de mettre la main concrètement dans le porte-feuille pour annoncer aux gais, «pouf», ils se défilent et répondent qu’ils n’ont pas de budget. Tout ceci met en évidence le peu de sérieux avec lequel des politiciens ou des entreprises considèrent le pouvoir économique gai. Si le simple fait de se vautrer dans notre drapeau leur semble suffisant pour qu’on tombe collectivement dans le panneau et qu’on leur accorde toute notre confiance et notre argent, ILS SE TROMPENT. Nous avons des attentes comme gais, surtout quand on se prétend sympathisant de ce que nous représentons. Trudeau, Marriott et de nombreux autres ne passent pas le test du respect sincère de notre communauté. À nous de jouer maintenant!

Gay Globe Média

Il est conseiller municipal à Montréal et seul représentant de l’Équipe Mélanie Joly dans l’Arrondissement Ville-Marie. Une enquête exclusive à Gay Globe que vous ne voudrez pas manquer dans la prochaine édition #99.

Vanityfair

Président républicain conservateur (entre 1969 et 1974), dans une époque qui n’était pas marquée par le progressisme. Et pourtant, Richard Nixon n’avait pas une vision rétrograde de l’homosexualité.

Sur des cassettes de conversations jusqu’alors inédites et retrouvées par Vanity Fair, le président américain débat, avec ses plus proches conseillers (Henry Kissinger, Bob Haldeman et John Ehrlichman), d’homosexualité qu’il qualifie, tout de même, de « problème »:

« Qu’on ne se méprenne pas, l’entend-t-on souligner. Je suis la personne la plus tolérante ici. Ils ont un problème: ils sont nés ainsi. Mais si vous regardez l’histoire du monde, les personnes les plus intelligentes (Oscar Wilde, Artistote), etc. étaient toutes homosexuelles. »

Il continue : « Je ne veux pas créer de problème en faisant passer une loi qui les incite à sortir de chez eux et à être gays. Ils peuvent déjà le faire. Laissons-les tranquilles. C’est un style de vie auquel je ne veux pas toucher. »

La marque d’un certain progressisme inattendu chez Nixon. Mais, comme il continue sur ces bandes, il n’y a qu’une chose d’insupportable à ses yeux (outre les communistes !) : les filles qui jurent.

« Un homme peut jurer. Mais les gens ne tolèrent pas une fille qui dit des gros mots. Elle perd sa féminité.

Elles ne s’en rendent pas compte. Les gens acceptent qu’un homme soit ivre ou jure et le voient comme un signe de masculinité.

Nous le faisons tous. Mais si vous me montrez une fille qui jure, je n’y verrai pas quelqu’un d’attirant. D’ailleurs, aucune fille intelligente ne jure. »

Wikipédia et Roger-Luc Chayer

Peu de gens de la génération X, des babyboomers ou des amateurs de la série culte Ma Sorcière Bien-Aimée savent que la divine belle-mère Endora était ouvertement homosexuelle à son époque et qu’elle s’en portait très bien merci!

Agnes Moorehead, de son nom complet Agnes Robertson Moorehead, est une actrice américaine, née le 6 décembre 1900 à Clinton, Massachusetts, et décédée le 30 avril 1974 à Rochester, Minnesota. Actrice confirmée aussi bien à la scène qu’à l’écran, elle est pourtant surtout connue du grand public pour son interprétation d’Endora, la mère acariâtre de Samantha Stephens dans la série culte.

Elle était surnommée « The Lavender Lady » à cause de son goût pour la couleur violette. Elle eut aussi le surnom «a tough old bird» : de vieil oiseau dur par Jean-Pierre le compagnon de Samantha.

Fille d’un pasteur presbytérien d’origine irlandaise, Agnes Moorehead s’intéresse très tôt au théâtre. Après avoir obtenu un diplôme de littérature, elle fait ses premières apparitions à Broadway, tout en suivant des cours à l’American Academy of Dramatic Arts à New York. Elle débute également une carrière prolifique à la radio et participe à la création du Mercury Theater d’Orson Welles. Elle le suivra d’ailleurs au cinéma, puisqu’elle interprétera le rôle de la mère de Kane dans le fameux Citizen Kane et celui de Fanny Minafer dans La Splendeur des Amberson, ce dernier rôle lui valant la première de ses nominations aux Oscars. En 1964, après une dernière nomination aux Oscars pour son rôle dans Chut… Chut, chère Charlotte de Robert Aldrich, elle entame la première saison de la série télévisée Ma sorcière bien-aimée (Bewitched). Par la suite, elle tournera principalement pour la télévision.

Suite à ses débuts comme Endora, elle ne s’attendait absolument pas à faire un tel succès non seulement avec le rôle mais avec la série. Se sentant emprisonnée par ce succès, elle a quand même fait carrière en parallèle à Hollywood. Au sein de la communauté artistique, Agnes Moorehead était réputée homosexuelle depuis toujours, à tout le moins bisexuelle. L’acteur Paul Lynde (Oncle Arthur dans la série et aussi homosexuel) a déclaré en entrevue «que le monde entier savait qu’Agnes était lesbienne, avec une classe d’enfer mais une des butch les plus ouvertes». Selon le journaliste Boze Hadleigh, surprenant son époux en infidélité, elle lui cria «Si tu as le droit d’avoir une maîtresse, moi aussi!». En entrevue plus tard, Agnes Moorehead confirmait son orientation sexuelle tout en mentionnant de nombreuses autres actrices dans le même cas. Elle meurt en 1974 d’un cancer de l’utérus à la fin de la série.

Roger-Luc Chayer

Voilà un partenaire du magazine Gay Globe de très longue date qu’il fait plaisir de présenter d’autant qu’il est présent avec notre groupe média depuis près de 14 ans.

Pizza 2 pour 1, rue Ontario! Et son partenariat ne s’arrête pas à annoncer sur le couvert arrière du magazine, car en cette période de la fierté gaie 2014 à Montréal, Pizza 2 pour 1 commanditera une vaste distribution gratuite de pizza, pendant les soirées les plus torrides, à la place Émilie-Gamelin et aux alentours, au coeur du centre-ville de Montréal. C’est un peu notre façon de dire merci aux lecteurs et annonceurs qui voudront en profiter certainement pour découvrir ou redécouvrir la longue liste de pizzas aussi différentes dans leurs recettes que dans leurs saveurs. On y distribuera des hawaïennes, des mexicaines, des toutes garnies, des végétariennes et beaucoup d’autres. Pour savoir quand  exactement, suivez nous sur facebook à Facebook.com/gayglobe.media

Roger-Luc Chayer

Histoire vraie… Dimanche le 15 juin dernier, alors que je remplissais le présentoir du magazine dans un commerce situé sur le Plateau Mont-Royal, j’ai confronté un homophobe qui agissait ouvertement en toute impunité, et je lui ai cloué le bec!

Oui car même le dimanche, quand il faut travailler, faut travailler c’est la vie. Prenant mon temps en cette belle journée de la fête des pères pour remplir un présentoir de notre publication, situé dans un commerce sur la rue Mont-Royal Est, est alors arrivé un individu d’une cinquantaine d’années, tronqué de son panier d’achats et à l’air plutôt simplet, rien de spécial à déclarer jusqu’à ce qu’il ouvre la bouche. Voyant que je remplissais notre espace avec une revue du nom de Gay Globe, sans que je ne lui adresse la parole, il a dit d’une voix bien forte «une revue gaie icitte, c’est franchement n’importe quoi». Surpris de son commentaire,  je lui ai répondu tout bonnement «vous devriez en prendre une, c’est gratuit et ça vous ouvrirait peut-être de nouveaux horizons», en riant sans le regarder tout en lui tendant un exemplaire et continuant mon travail. Et lui, de me répondre aussi vite «non merci».

Ne voulant en rester là, après tout cet homme avait visiblement besoin d’aide intellectuelle et une revue aussi gentille que la notre ne pouvait que l’aider, je lui ai demandé sans le regarder «homophobe peut-être?», et lui de me répondre «oui un peu…»

Et là c’en était trop! Que l’on projette ses opinions publiquement c’est une chose que j’accepte volontiers car je m’en fichtre comme de l’an 40 mais qu’on affiche ses intolérances sur le simple fait de ce que je suis, sans considérer ce que je fais et mon apport comme gai à la société ça c’est du crachat!

Comme pour un nazi qui viendrait me dire que c’est normal de tuer des juifs, l’homophobie n’a pas sa place dans l’espace public, connard ou pas, illettré ou pas. Je lui ai donné ma façon de penser alors qu’une employée de ce commerce passait par hasard au moment où je lui servais une tarte aux choux de Bruxelles de première classe sur les ravages de l’homophobie en Russie, en Afrique, exécutés par les musulmans ou condamnés à mort au Brunei. J’ai bien pensé pendant un moment qu’il allait faire une crise cardiaque face au mur moral que je lui opposais. Mais il n’est pas mort!

Roger-Luc Chayer

Vous en avez assez des pannes de bornes payantes ou des services électroniques cellulaires de Stationnement de Montréal et des contraventions qui en résultent?

Il existe une façon très simple que les tribunaux reconnaissent et acceptent, l’obligation par Stationnement de Montréal de prouver que ses systèmes fonctionnaient bien. Tout d’abord il faut contester la contravention de manière à en suspendre les effets et vous donner le temps de procéder à la collecte de l’information requise. Ensuite il faut faxer une demande de registre informatique à SdM avec reçu, ce qui sera refusé. Joindre le refus au dossier. Ensuite, gratuitement, utiliser un formulaire d’accès à l’information des organismes publics et le faxer à SdM leur donnant 10 jours pour y répondre.

Cette demande sera aussi refusée! Voilà, vous montrez vos démarches au juge et ce dernier sera tenu d’appliquer le doute raisonnable et devra annuler la contravention, le Couronne ne pourra s’y opposer. Les pannes sont publiques, les cacher pour collecter ça, c’est illégal!

Denis-Martin Chabot

En juin 2011, j’ai été invité à Toronto, en tant que conférencier, au 3e symposium sur le VIH, la loi et les droits humains sous le thème «Entamer des procédures de changement». L’organisateur, le Réseau juridique canadien VIH/SIDA, m’a demandé de parler de mon expérience en tant que journaliste dans la couverture de cette terrible maladie qui est apparue, il y a 30 ans cette année, et aussi en tant qu’auteur.

En 1981, j’étudiais le journalisme à l’université Carleton à Ottawa alors que je découvrais tout juste que j’étais gai. Au même moment, quelques cas d’hommes gais atteints d’une rare affection du système immunitaire apparaissaient aux États-Unis. Une sorte de cancer gai faisait ainsi son entrée dans nos vies et allait modifier nos mœurs. On en ignorait la cause, mais les théories fusaient de toutes parts. Les poppers ? Le sperme ? Oui, le sperme, car certains experts affirmaient qu’après une relation, les liquides s’infiltrant dans le sang, réduisaient le système immunitaire. Nous avions peur. Les images de jeunes hommes transformés en vieillards avant leur temps, très malades et souffrants nous donnèrent des cauchemars. De leur côté, les groupes religieux de droite et autres détestant les Gais trouvèrent alors un nouvel argument de poids pour reprendre leur lutte contre nos droits récemment acquis depuis Stonewall.

Peu d’élus n’agirent pour combattre une maladie qui n’affectait qu’une infime partie de la population, par surcroît mal-aimée, les gais et les toxicomanes, des gens qui, aux yeux des bien-pensants du moment, attrapaient le virus en raison de leurs comportements dangereux. Les haïtiens étaient aussi grandement touchés, mais pour d’autres raisons. Mais peu importe la cause, des gens mourraient dans la douleur d’une mort atroce, souvent seuls parce qu’ostracisés en raison de leur condition.

Des travailleurs de la santé, de crainte d’être infectés par le simple contact avec des patients atteints, traitèrent ceux-ci avec dédain. Des employeurs les mettaient à la porte.

Le virus d’immuno-déficience humaine, le VIH, fut alors découvert, et malgré le fait qu’un virus ne fit aucune distinction entre les gais et les hétéros, ceux qui nous détestaient n’en eurent pas diminué pour autant leurs attaques contre nous. Cela, jusqu’à ce que des « victimes innocentes » apparaissent, dont des hémophiles, des enfants, des bons pères de famille ou des mamans, qui « n’avaient pas fait exprès pour attraper le virus ». Et aussi, jusqu’à ce qu’aussi des vedettes et des personnalités en eurent été atteintes.
Cette toile de fond, qui a heureusement beaucoup changé depuis, inspira plusieurs artistes gais. Des écrivains sortirent ainsi doublement de leur placard, celui de leur homosexualité et celui de leur séropositivité.

J’ai senti venir la mort dans le miroir, dans mon regard dans le miroir.

Voici une des plus belles citations du roman À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie. Le français, Hervé Guibert, qui eut appris en 1988 qu’il est atteint du sida, révéla sa condition en 1990 dans ce roman. Il raconte la maladie de son ami Muzil. On croit que ce dernier était Michel Foucault, un philosophe français et un des amants d’Hervé Guibert. D’un style direct, ce roman fit scandale lors de sa parution, mais valut aussi le Prix Colette à son auteur.

Le cinéaste et auteur, Cyril Collard, raconta aussi les affres du SIDA dans ses écrits et ses films. Les nuits fauves, basé sur son auto-biographie, relata l’histoire d’un homme âgé de 30 ans, séropositif bisexuel qui savait que ses jours étaient comptés, qu’il serait exclu du monde. Ce dernier rencontra une belle jeune femme et c’est la passion. En même temps, Jean avait d’autres relations. Ce livre fut produit au cinéma et Cyril Collard joua le rôle titre. L’auteur mourut à l’âge de 35 ans, quelques jours avant la remise des César. Les nuits fauves obtinrent celui du meilleur film de l’année de 1992.

Le SIDA devint omniprésent dans les médias, dans la littérature et au cinéma. Les victimes étaient au centre, leurs conditions, leur traitement et la discrimination étant au premier plan. La mort d’un ami très cher inspira mon deuxième roman, Histoires du village : Pénitence. Sylvain H. est décédé en 1996 quelques mois à peine avant la découverte de la tri-thérapie, un point tournant dans le traitement du SIDA. Grâce à ces médicaments, on ne mourrait plus immédiatement. Certains reprenaient même une vie normale. Les gens ne meurent plus de la maladie, du moins pas aussi rapidement. En même temps, on parle moins du virus dans les livres et les films, l’effet dramatique de la mort n’étant plus un facteur aussi imminent.

En 2006, après avoir lu le manuscrit de mon troisième tome des Histoires du Village : Innocence, qui relate, entre autres, l’histoire d’un individu passant le VIH sciemment à ses partenaires, un éditeur m’a dit que les lecteurs gais en avaient assez d’entendre parler du SIDA, que cela les déprimait. Il me demanda alors d’écrire un autre roman dans lequel, il y aurait de beaux hommes heureux et en santé. Innocence fut quand même publié en 2007 et connut malgré tout le succès escompté. Le SIDA est également présent du dernier titre de la même série, Accointances.

En 2014, le VIH est encore un fléau dans notre monde. Et la sérophobie, la discrimination basée sur l’infection au VIH, est encore omniprésente. Un ami me disait récemment qu’il ne pourrait jamais approcher une personne atteinte, lui donner un câlin, l’embrasser sur la joue, ou juste lui serrer la main, de peur d’être infecté. Cela m’a été dit en 2014, malgré tout ce que nous savons maintenant sur la transmission du virus! Malgré aussi les récentes découvertes sur la réduction des risques de transmission, même lors d’une relation non-protégée, quand la personne atteinte a une charge virale indétectable depuis plus de 6 mois et qu’elle n’a aucune autre ITS. Je ne fais pas la promotion des relations sexuelles à risque ici, mais je veux seulement souligner que la science a avancé sur la question. En plus de cela, les nouvelles thérapies, pré et post exposition, permettent aussi de contrôler la propagation du virus. Enfin, les personnes atteintes se sentent aussi vulnérables, car la possibilité d’une mort précoce demeure toujours une considération pour eux. Lors de l’épidémie de la grippe A, en 2009, beaucoup de séropositifs se sont rués vers la vaccination de masse, craignant attraper cette influenza et en mourir en raison de leur système immunitaire compromis. Et on n’a pas parlé beaucoup de la question de vieillir quand on est séropositif. Avec les tri-thérapies, les personnes atteintes vivent plus longtemps, mais on ne connaît pas encore tout à fait les effets à long terme des médicaments ou du VIH. Inclure le VIH dans nos manuscrits tout en racontant une histoire qui attire les lecteurs est devenu un défi créatif majeur, mais nécessaire. Et je ne reculerai jamais devant un thème s’il m’aide à écrire un bon roman… Ou à en lire un.

Denis-Martin Chabot est journaliste et nous offre gracieusement ce texte. La Rédaction de Gay Globe Magazine le remercie pour sa générosité.

Seronet.info

La prise de position est récente (2 mai 2014) et particulièrement importante par son ampleur et son sujet. Cette prise de position prise par plus de 70 experts scientifiques des quatre coins du Canada avance que «le droit criminel actuel va trop loin dans les poursuites pour non-divulgation du VIH».

«Le 2 mai, plus de 70 experts scientifiques des quatre coins du Canada ont rendu public un important énoncé de consensus faisant état de la possibilité de faible à nulle qu’une personne vivant avec le VIH transmette le virus dans diverses situations», explique d’entrée le communiqué de presse du Réseau juridique canadien VIH/sida. Ce texte est sorti «en réponse à une préoccupation selon laquelle une piètre appréciation de la compréhension scientifique du VIH et de sa transmission contribue au recours excessif à des accusations criminelles pour des allégations de non-divulgation de la séropositivité au VIH». «Nous accueillons favorablement les interventions de scientifiques dénonçant les nombreuses poursuites injustes à l’encontre de personnes séropositives au VIH qui ont cours, au Canada, et qui conduisent trop souvent à des peines draconiennes pour des actes qui ne comportaient pas de risque significatif de transmission du virus», indique le communiqué. «Aujourd’hui, des scientifiques exposent à leur tour leurs préoccupations devant la sur-utilisation continue de certains chefs d’accusation parmi les plus sérieux du Code criminel, dans des circonstances où des poursuites sont totalement injustifiées. Dans l’énoncé de consentement publié aujourd’hui, ils adressent un message clair aux procureurs de la Couronne et aux juges, les exhortant à la retenue», explique le Réseau. «Entre autres, la science appuie la position selon laquelle des personnes qui pratiquent le sécurisexe (par exemple en utilisant un condom) ou qui suivent une thérapie antirétrovirale efficace ne devraient pas être poursuivies ni déclarées coupables de non-divulgation du VIH. Des poursuites dans de telles circonstances vont à l’encontre des données scientifiques disponibles, qui démontrent que le risque de transmission est négligeable, voire nul. Un tel recours abusif au droit criminel ne contribue en rien à ralentir l’épidémie du VIH ; il éloigne les gens d’un accès à des services efficaces de prévention, de soins, de traitement et de soutien pour le VIH».

«Nous saluons la position exprimée aujourd’hui par des experts médicaux et des scientifiques des quatre coins du Canada et appuyée par l’Association pour la microbiologie médicale et l’infectiologie Canada. Il est temps que le système de justice pénale canadien tienne compte de ce que la science révèle au sujet du VIH et de sa transmission ; ces preuves ne peuvent être légitimement écartées», conclut le réseau.

Medisite.fr

Des chercheurs montrent un lien entre une infection sexuellement transmissible (IST) commune et la vulnérabilité accrue des hommes au cancer de la prostate.

Le cancer de la prostate pourrait être transmis lors des rapports sexuels. C’est ce qu’affirment des chercheurs de l’université de Californie (USA). Ils ont découvert qu’une infection sexuellement transmissible (IST), appelée trichomonase, contribuait à la croissance des cellules cancéreuses de la prostate. La trichomonase est l’IST non virale la plus fréquente. Dans le monde, elle toucherait environ 275 millions de personnes. Le Pr Patricia Johnson, qui a mené l’étude, a montré que le parasite responsable de cette infection, le Trichomonas vaginalis, produisait une protéine qui provoquait une inflammation et une augmentation de la croissance des cellules prostatiques bénignes et cancéreuses. Ces travaux suggèrent que l’IST rendrait les hommes plus vulnérables à développer une tumeur, sans pour autant en apporter la preuve totale. Les recherches n’ont pour le moment porté que sur des cellules tumorales cultivées en laboratoire. Les scientifiques précisent que de nouvelles études sont nécessaires pour confirmer ce lien chez l’homme.

Trichomonase : Définition
La trichomonase est une infection sexuellement transmissible provoquée par un organisme microscopique appelé trichomonas vaginalis. Bien que la maladie touche généralement les jeunes femmes, elle peut survenir à un âge plus avancé et chez les hommes. Il est important de traiter la trichomonase dès les premiers symptômes car l’infection peut conduire à une urétrite. Trichomonas vaginalis est un parasite de l’être humain présent sur les muqueuses génitales. Il nécessite de l’humidité pour se développer. Chez l’homme, il peut apparaître au niveau de l’urètre, de la prostate ou des vésicules séminales. La trichomonase se transmet principalement par des relations sexuelles avec une personne infectée. Elle peut aussi être transmise par l’usage commun d’une serviette ou de sous-vêtements.

Les hommes infectés ressentent des douleurs en urinant, leur orifice urétral rougit. Parfois, on observe un écoulement pénien. La prise d’antibiotiques suffit normalement à traiter la trichomonase. Le médicament le plus fréquent est le métronizadole (Flagyl). Le ou les partenaires sexuels de la personne infectée doivent également suivre le traitement, bien qu’ils ne présentent aucun symptôme. Les rapports sexuels sans protection doivent être évités jusqu’à la fin du traitement et la guérison définitive, tout comme la consommation d’alcool (jusqu’à 48 h après l’issue du traitement).

S’agissant d’une infection sexuellement transmissible (IST), il convient d’effectuer un dépistage des autres IST.

Wikipédia

Édouard II est roi d’Angleterre de 1307 jusqu’à sa déposition, en janvier 1327.

Compris entre les règnes vigoureux de son père Édouard Ier et de son fils Édouard III, celui d’Édouard II est marqué par l’incompétence et la querelle politiques, et par la défaite militaire. Édouard est, sa vie durant, plus enclin aux plaisirs de la cour et aux divertissements qu’à ses devoirs de souverain. Il est incapable de refuser les plus grandes faveurs à ses divers favoris, dont les plus célèbres sont Pierre (Piers) Gaveston, un chevalier d’origine gasconne, puis un jeune seigneur anglais, Hugues le Despenser, provoquant de constants troubles politiques et, probablement, à terme, sa déposition.

Alors que son père Édouard Ier avait conquis tout le Pays de Galles et les basses terres écossaises, qu’il gouvernait d’une main de fer, l’armée d’Édouard II est défaite lors de la bataille de Bannockburn, dont la conséquence est de soustraire l’Écosse au contrôle de son voisin anglais et de permettre aux forces écossaises d’incontrôlables raids à travers le nord de l’Angleterre.

Il faut ajouter à ce règne troublé la fin dramatique du roi, dont la mort mystérieuse au château de Berkeley laisse planer des doutes sur ses causes. Plus positivement, Édouard II s’intéresse de près aux universités d’Oxford et de Cambridge. Le Moyen Âge ne connaît pas le terme homosexualité (qui n’apparaîtra qu’au XIXe siècle), même si bien évidement cette forme de sexualité existait. L’affection entre deux personnes du même sexe, comme de nos jours, n’est condamnée ni par l’Église, ni par la société, pas plus qu’elles ne condamnent l’intimité marquée entre deux hommes ou deux femmes (on se souvient de Philippe Auguste partageant sa couche avec Richard Cœur-de-Lion sans que pour autant les deux souverains fussent soupçonnés de relation à caractère sexuel), même si elle peut donner lieu à des plaisanteries, des moqueries ou des rumeurs.

Les plus violents détracteurs d’Édouard voyaient en lui un roi sodomite ou un roi que son affection démesurée pour ses favoris avait rendu indigne du trône. Presque immédiatement après son mariage avec Édouard, la reine Isabelle écrivait à son père pour se plaindre du comportement de son époux envers Gaveston. Bien que plusieurs remarques de chroniqueurs puissent être interprétées dans le sens de pratiques homosexuelles entre les deux hommes, à l’intérieur d’un comportement par ailleurs bisexuel, beaucoup de ces auteurs sont soit postérieurs à l’époque concernée, soit franchement hostiles au roi et à son ami. Le plus souvent, la nature de la relation est allusive, ou encore citée comme un exemple de la destinée guettant les rois influencés par leurs favoris et devenus étrangers à leurs propres sujets.

SPCA

Saviez-vous que les puces peuvent entraîner différents problèmes de santé comme des parasites intestinaux, des allergies et des infections de la peau chez votre animal de compagnie?

Disponibles en comprimés ou en ampoules topiques, la plupart des produits anti-puces doivent être administrés une fois par mois et peuvent être utilisés tant comme prévention que comme traitement. Beaucoup de ces produits sont prescrits, mais il en existe aussi de très efficaces en vente libre chez les vétérinaires. Il est très important de ne pas utiliser les produits anti-puces pour chiens sur votre chat, car ils peuvent être toxiques pour votre félin.

Vous pouvez vous éviter bien des maux de tête et des problèmes si vous empêchez les puces d’infester votre chien ou votre chat. Un des meilleurs moyens de le faire est d’inspecter régulièrement votre animal de compagnie dès le printemps. Soyez à l’affût des choses suivantes:

Les puces sont de petits insectes (d’une longueur d’un à quatre millimètres) de couleur brun foncé ou brun rougeâtre avec un corps aplati. Bien qu’elles n’aient pas d’ailes, elles sont dotées de pattes arrières si puissantes qu’elles peuvent sauter à des distances allant jusqu’à 200 fois la longueur de leur corps.

Des points de la grosseur du poivre moulu sur la peau près de la queue sur le dos de votre chien ou de votre chat sont des signaux de la présence possible de puces. Si vous remarquez que votre animal est infesté de puces, Santé Canada vous recommande de prendre les mesures suivantes:

On peut enfoncer un peigne à épucer dans une épaisse fourrure pour retirer certaines puces ainsi que leurs déjections et le sang séché. Portez une attention particulière aux endroits préférés des puces, généralement le cou, la queue et le ventre de l’animal.

Consultez un vétérinaire qui vous aidera à déterminer un traitement adéquat. C’est particulièrement important si votre animal est malade, âgé, enceinte, allaite, prend des médicaments ou est exposé à d’autres produits chimiques, car il pourrait être plus sensible au produit.
N’utilisez les produits anti-puces que sur les animaux auxquels ils sont destinés: les produits pour chiens utilisés sur les chiens seulement et les produits destinés aux chats utilisés sur les chats uniquement.

N’appliquez que la quantité indiquée selon la taille et le poids de l’animal traité. Observez de près votre animal de compagnie durant et après le traitement – soyez à l’affût de tout signe d’effet nocif, en particulier lors d’une première utilisation. Consultez un vétérinaire si votre animal présente un effet nocif.

Roger-Luc Chayer

Il y a des moments où, dans la carrière d’un journaliste, le destin fait parfois que l’on rencontre des êtres si connus et possédant une telle renommée, qu’on ne sait plus par où et par quoi commencer…

C’est ce qui s’est produit avant mon entrevue avec le docteur le plus populaire au Québec, Réjean Thomas. Au début, je voulais relater ma conversation en page éditoriale mais voilà, avec sa magie habituelle, son discours facile et toujours innovateur, j’ai vite réalisé que l’espace allait manquer. C’est donc ici que se devait d’être publiée cette entrevue exclusive et inusitée, car avec la permission du Dok, je me suis permis de poser des questions qui sortaient des sentiers battus, confrontant même mes propres préjugés et clichés sur la santé gaie en général.

Réjean Thomas, pour la petite histoire, est le cofondateur de la Clinique l’Actuel de Montréal, premier cabinet de médecins spécialisés en santé gaie (VIH/SIDA) et il est aussi un des médecins les plus connus au monde pour son approche spécifique dans la prévention et le bien-être moral des personnes touchées par le VIH. Au Canada, il est l’un des médecins qui en sait le plus sur la question de la gestion pré et post VIH et il se fait un plaisir de livrer son expertise là et quand il le faut. Il n’a pas peur des avions croyez-moi!

Sur la question d’une «explosion» de cas de VIH, annoncée par l’OMS à la mi-juillet, le docteur Thomas constate plus ou moins ce fait en clinique mais ce qu’il observe, en fait, est une nette remontée, explosive cette fois-ci en effet, des cas de maladies transmises sexuellement comme la Syphilis, l’Hépatite C ou de Lymphogranulome. À noter qu’il observe une nette diminution des cas de VIH chez les toxicomanes, ce qui, selon lui, est un exploit. Quand je lui demande si les médias gais en font assez et de la bonne manière face au VIH, là, son opinion est directe: «Avant, les homosexuels étaient très préoccupés évidemment par le VIH parce qu’on pouvait en mourir alors qu’aujourd’hui, une certaine négation de la maladie existe et les priorités sont le mariage, la famille, les enfants, l’adoption, etc», déclare le Dok, mais «un grave problème de stigmatisation persiste à l’encontre des personnes atteintes du VIH et c’est là que nous devrions collectivement centrer nos efforts». Quand je consulte les personnes que je respecte le plus autour de moi, celles en qui l’opinion a le plus d’importance dans mes stratégies média, le nom de Réjean Thomas revient toujours comme celui qui a véritablement le plus contribué à notre bonne santé, de même qu’à notre émancipation sociale comme gais. En cela, le célèbre Dok des grandes causes méritait notre hommage, et notre couverture!

Roger-Luc Chayer

Je vous invite à lire l’article en page 5 de cette édition portant sur le Docteur Réjean Thomas et l’hommage que nous souhaitons lui rendre avec une couverture à l’image de la Fierté, car non seulement ses propos et ses analyses sont d’actualité, mais il se passe quelque chose avec la santé gaie qu’il faut réaliser.

En effet, pendant l’entrevue, le Dok Thomas m’a confirmé que trop de gais ne souhaitent pas se faire dépister pour le VIH ou ne se contrôlent pas régulièrement. Ceci est d’autant plus grave que 15% des gais seraient séropositifs, ne le savent même pas ou le savent et refusent de se faire traiter. C’est très grave car nous avons aujourd’hui les moyens de contrôler directement le taux de transmission, pas juste avec la prévention abstraite ou l’abstinence, comme on nous le recommandait dans les années ‘80, mais avec des techniques, des médicaments, des outils et des approches efficaces qui pourraient régler la question de la transmission et faire chuter le taux de VIH au Québec à des niveaux très bas et cela, en seulement 5 ans si on s’y mettait.

Il y a deux façons efficaces de s’y mettre: Se traiter avant d’être exposé au virus ou se traiter après y avoir été exposé et être devenu séropositif. Dans les deux cas, les résultats sont spectaculaires sur la durée et la qualité de vie, il faudrait donc passer à l’action, et vite!

Une autre situation au sein de la communauté gaie a été discutée lors de l’entrevue avec le Dok Thomas, c’est la méprise entre le fait d’être séronégatif et le fait d’être indétectable.

Beaucoup et je dis BEAUCOUP d’hommes séropositifs se prétendent de plus en plus le contraire, séronégatifs donc, du fait que leurs analyses sanguines démontrent qu’ils sont maintenant «indétectables». Or, il faut bien le comprendre, parce que la méprise peut coûter cher si on y croit, c’est que l’indétectabilité ne signifie pas que le virus ne soit plus présent, mais seulement qu’il est en moindre quantité dans le sang. La norme à l’ONUSIDA est de considérer qu’une personne est «indétectable» si elle a moins de 40 copies/mll de sang. Même si elle est indétectable, si elle passe un test de dépistage, elle sera toujours séropositive. Conclusion, même si une personne est classée indétectable, elle porte quand même le virus en elle et peut le transmettre même si nous savons qu’à ces niveaux, le risque est faible.

Le Docteur Réjean Thomas est une source infinie de bon sens, c’est clair. Au moment d’écrire ces lignes, il était déjà parti assister à des congrès en Asie, en Australie et ailleurs. Infatigable, ce phénomène unique à notre communauté est perçu comme un des hommes les plus aimés et respectés au Québec. Cool n’est-ce pas?

COMMUNIQUÉ

Participez à la Grande corvée citoyenne qui se tiendra au Village le samedi 9 août prochain dès 13h00, sous le thème En beauté pour la Fierté. Le point de rencontre est à l’Aire Banque Nationale.

L’activité se fait en collaboration avec Projet Village (lien), l’Éco-Quartier St-Jacques de l’ASCCS (lien), l’Éco-Quartier Ste-Marie (lien), Opération Montréal.Net (Ville de Montréal), Fierté Montréal (lien), Spectre de rue (lien) et la SDC du Village (lien). Plusieurs façons de vous impliquer: devant votre résidence ou avec les équipes d’intervention qui seront formées sur place et se déploieront dans tout le Village par la suite.

Pour plus de détail, consultez le site de la corvée au enbeautepourlafierte.org.

Libération

Pourquoidicteur.fr

Le National Centre for Health Statistics, le centre américain qui gère et publie des données de santé, a conduit une étude sur l’état de santé des américains en fonction de leur orientation sexuelle.  34 500 personnes de plus de 18 ans ont donc été interrogées sur leurs préférences en matière de sexualité, ainsi que sur leur hygiène de vie. Parmi eux, 97,7% des répondants se sont identifiés comme hétérosexuels, 1,6% comme homosexuels, et 0,7% comme bi-sexuels.

Pas moins sains

On a tendance à dire que la santé des personnes homosexuelles est moins bonne que celle des hétérosexuels, et que leur espérance de vie est moins longue. Cela est en partie vraie puisqu’il s’agit d’une population particulièrement exposée au virus sida. En Juin, une autre étude avait d’ailleurs montré que 12% des homosexuels suivaient un traitement pour le VIH, contre 2,3% des hétérosexuels.

Mais une fois ces considérations faites, la santé globale ne varie que très peu en fonction de l’orientation sexuelle.

Plus de tabac mais plus de sport

En matière d’hygiène de vie, des différences sont à noter en ce qui concerne le tabagisme. 27,2% des homosexuels sont des fumeurs, contre 19,6% des hétérosexuels. Pour ce qui est de l’alcool, la tendance est relativement similaire, avec 35% des personnes homosexuelles ayant bu cinq verres en une journée, au moins une fois dans l’année écoulée, contre 26% pour les personnes hétérosexuelles.

En revanche, les hommes homosexuels feraient plus de sport, et la proportion d’obèses ne serait «que» d’environ 23%, contre 30% pour le reste de la population. L’effort physique compenserait donc les mauvaises habitudes liées à la cigarette et à l’alcool.

De manière générale, les chercheurs soulignent qu’ils sont incapables de dégager une tendance assez nette pour dire que les homosexuels seraient en moins bonne santé que les hétérosexuels. Certes, des comportements à risque sont observés plus fréquemment, mais en ce qui concerne le nombre de personnes ayant évalué leur santé comme «bonne ou excellente», aucune différence majeure n’a été constatée entre les différents groupes.

Une étude qui remet donc les choses en perspective, à l’aide de nombreux indicateurs de santé, pour mieux évaluer les besoins médicaux en fonction de l’orientation sexuelle.

Métro

WASHINGTON – Le président des États-Unis prévoit signer par décret une loi interdisant la discrimination contre les travailleurs homosexuels ou transgenres dans la fonction publique et les agences avec lesquelles le gouvernement fait affaire.

Ce geste du président Barack Obama survient peu après la récente décision de la Cour suprême ayant permis à certaines entreprises de ne pas couvrir les contraceptifs de leurs employés pour des motifs religieux.

La Maison-Blanche a indiqué que cette décision n’avait aucun impact sur les politiques interdisant la discrimination dans l’embauche au gouvernement et dans les agences.

Barack Obama prévoit amender deux lois, lundi, à la Maison-Blanche. La première, signée par le président Lyndon Johnson en 1965, interdit aux sous-traitants fédéraux de faire de la discrimination en vertu de l’origine ethnique, de la religion, du sexe ou de la nationalité des candidats à un emploi. M. Obama prévoit ajouter l’orientation sexuelle et l’identité de genre à la liste de protections.

La deuxième loi qui sera amendée est celle signée par le président Richard Nixon en 1969 pour interdire la discrimination envers les employés du gouvernement en vertu de leur origine ethnique, leur religion, leur sexe, leur nationalité, leur âge ou leur handicap. Le président Bill Clinton a ajouté l’orientation sexuelle et M. Obama souhaite ajouter l’identité de genre.

Plusieurs chefs religieux et groupes conservateurs ont demandé au président d’inclure une exemption pour les organisations religieuses, une suggestion à laquelle se sont opposés notamment des groupes de défense des droits des homosexuels.

Nouvelobs

L’avocat général de la Cour de justice de l’Union européenne a rendu des conclusions qui pourraient bien contraindre la France à ouvrir le don du sang aux homosexuels et bisexuels masculins. Pour Brigitte Goldberg, présidente de Trans-Europe, c’est une bonne nouvelle, qui viendrait mettre un terme à une grave situation d’injustice.

Leral.net

 

Selon les rapports:

La jeune fille aurait contacté la page Facebook des scandales kenyans et aurait affirmé qu’elle avait quelque chose à avouer.

Après avoir été rassurée que son identité allait être protégée (le Kenya Daily Post a cependant publié une photo de son profil Facebook avec l’article), elle a écrit: « Le 22 septembre 2013 est un jour que je n’oublierai jamais, nous sommes allés faire la fête en ville et étions ivres avec quelques camarades plus âgés, puis nous sommes retournés à l’hôtel pour le deuxième round. »

Elle a ensuite expliqué que quand elle s’est réveillée, le matin d’après, elle a réalisé qu’un garçon appelé Javan avait fait l’amour avec elle alors qu’elle était saoule.

« J’ai juste demandé s’il avait utilisé un préservatif et il a dit oui, cependant quand j’ai pris un bain j’ai remarqué qu’il y avait du sperme en moi, je voulais me suicider, j’avais peur de tomber enceinte ou d’attraper le VIH. »

Quand elle a découvert qu’elle était séropositive, la fille a confronté Javan qui a insisté qu’il était parfaitement en bonne santé.

« J’étais tellement déprimée que j’ai bu de l’alcool pour mourir, j’ai même acheté du poison, la douleur était juste insupportable, j’ai laissé tomber mes parents, j’ai abandonné le monde et je voulais juste en finir avec ma vie. Mon futur avait été ruiné, quelque part quelqu’un devait payer pour ça, » a raconté la fille.

« J’ai accepté mon destin et j’ai juré de faire souffrir tous les hommes que j’allais rencontrer, je sais que je suis attirante et les hommes célibataires et mariés me courent après. »

« J’ai enterré la gentille fille à l’intérieur de moi et je suis devenu la mauvaise fille, mon but était d’en infecter le plus possible, » expliqua-t-elle.

La fille a ensuite confessé avoir déjà infecté 324 hommes, dont 156 sont des étudiants de l’université Kabarak où elle étudie, le reste sont des hommes mariés, des conférenciers, avocats, célébrités et politiciens.

« Pas un jour ne passe sans que je fasse l’amour, avec environ 4 personnes par jour. » dit-elle dans sa confession. « Votre heure approche, vous les hommes qui avez détruit ma vie, je vais vous le faire regretter à vous et vos gens. »

Purebreak.com

Lorsqu’on a près de 9 millions d’abonnés sur Vine, il vaut mieux tourner (au moins) sept fois sa langue dans sa bouche avant de poster une vidéo. Le jeune Nash Grier, utilisateur le plus suivi sur le réseau social, y pensera peut-être dorénavant. Car le garçon fait un badbuzz avec une vidéo pseudo-humoristique où il qualifie le dépistage du VIH de “truc de pédales”. Badbuzz assuré.

afriquinfos.com

« Si le Maroc aspire à devenir un leader régional en matière de droits humains, il devrait prendre l’initiative d’abolir certaines de ses lois qui établissent une discrimination à l’égard de certaines activités entre adultes consentants pour la seule raison qu’ils sont de même sexe ». Par ces mots, Sarah Leah Whitson, directrice de la division Moyen-Orient et Afrique du Nord de Human Rights Watch (HRW) a résumé la position de cette Organisation non gouvernementale (ONG) sur la situation judiciaire et législative au Maroc.

Le Royaume est connu pour être un mauvais élève en termes d’acceptation de l’homosexualité, et de protection des personnes qui la choisissent. A chaque condamnation, les associations et organisations internationales fustigent le pays et dénoncent une situation de discrimination. En effet, l’article 489 du code pénal prévoit que : « Est puni de l’emprisonnement de six mois à trois ans et d’une amende de 200 à 1.000 dirhams, à moins que le fait ne constitue une infraction plus grave, quiconque commet un acte impudique ou contre nature avec un individu de son sexe. »

La dernière affaire remonte au mois d’avril, quand six individus avaient été interpellés et mis en examen pour actes homosexuels, incitation à la prostitution et ivresse publique ou conduite en état d’ivresse. Le 12 mai, le tribunal de première instance de Fqih Ben Salah, petite ville située à 200 km au sud de Rabat, les avait déclaré coupables, les condamnant à des peines allant jusqu’à trois ans de prison. Plusieurs accusés avaient aussi été bannis de leur région, conformément à l’article 504 du code pénal qui prévoit cette disposition en cas de crimes contre « la moralité ».

Le 2 juillet dernier, la cour d’appel a allégé les peines des accusés, qui se sont toujours déclarés innocents : désormais ils ne sont plus bannis, et les peines les plus courtes sont assorties du sursis. Selon les avocats de la défense, le procès ne s’est pas déroulé de manière équitable, car aucun témoin n’a été appelé à la barre. Le verdict a été donné sur la base de révélations faites à la police pendant la garde à vue, révélations sur lesquelles les accusés étaient par la suite revenus, expliquant les avoir inventées sous la contrainte et la menace.

Face à ces dernières condamnations, Human Rights Watch a réagi, publiant notamment un communiqué sur son site internet. L’association rappelle que dans le préambule de la constitution de 2011, le Maroc s’engage à « bannir et combattre toute discrimination à l’encontre de quiconque,  en raison du sexe, de la couleur, des croyances, de la culture, de l’origine sociales ou régionale, de la langue, de l’handicap ou de quelque circonstance personnelle que ce soit ». Elle dénonce ainsi le fait que le Royaume ne respecte pas ses engagements en discriminant de la sorte les homosexuels. C’est pourquoi Sarah Leah Whitson a appelé le pays à réviser sa législation, et abolir les lois discriminantes qui y figurent encore. Elle insiste sur le fait que : « Les autorités marocaines devraient cesser de poursuivre en justice et d’emprisonner des personnes en raison de leur comportement dans l’intimité avec d’autres adultes consentants. Quelle que soit l’orientation sexuelle de ces six accusés, elle ne devrait pas les rendre passibles de sanctions pénales. »

Madmoizelle.com

BFMTV

Une boîte de nuit d’homosexuels, réputée la meilleure de Kiev, a été visitée dimanche soir par une quinzaine d’hommes masqués qui ont lancé une grenade fumigène et causé quelques dommages matériels, mais n’ont pas agressé les clients, a-t-on appris auprès de la police.

La police a été appelée au club Pomada (Rouge à lèvres), en plein centre ville, près du Maïdan et de l’avenue Khrechtchatik, mais lorsqu’elle est arrivée sur place, les agresseurs, qui portaient des tenues de camouflage, étaient déjà partis. Outre l’engin fumigène, ils ont lancé quelques pétards, endommagé la façade de l’immeuble – ornée d’un grand téléphone en plastique en forme de lèvres ouvertes – et les caméras de surveillance, selon la police, qui a recueilli des preuves matérielles de leur passage et ouvert une enquête pour “dégradations intentionnelles”.

La société ukrainienne, sans être violemment homophobe, est considérée comme peu ouverte à la cause des minorités sexuelles. Une “marche de l’égalité” incluant notamment des représentants des communautés LGBT (lesbiennes, gays, bi et trans) a été annulée récemment, la police refusant d’en assurer la sécurité.

Vanityfair.fr

ncroyable : Richard Nixon avait une vision (presque) progressiste sur les homosexuels

RTL.fr

Les enfants de parents homosexuels se sentiraient mieux que les autres. C’est ce qu’ont conclu les chercheurs de l’université de Melbourne en Australie à l’issue d’une étude portant sur 315 familles homosexuelles et 500 enfants de 0 à 17 ans.

Le but des chercheurs étaient de “décrire l’état physique, mental et de bien-être” des enfants de couples homosexuels, et l‘impact de la stigmatisation. “Les enfants australiens de familles homosexuelles obtiennent de meilleurs scores que le reste de la population sur un certain nombre de mesures liées à la santé de l’enfant”, conclu l’étude.

Meilleurs pour la santé et la cohésion familiale

D’après l’étude, ces enfants obtiendraient de meilleurs scores en ce qui concerne la santé en général et la cohésion familiale, jusqu’à six points au-dessus de la moyenne. “Il apparaît que les parents homosexuels s’en sortent très bien et cela a un impact positif sur la santé”, explique à CNBC le Dr Simon Crouch, qui a mené l’étude.

“Nous savons que les parents de familles homosexuelles sont plus enclins à partager équitablement les soins aux enfants et les responsabilités professionnelles que dans les familles hétérosexuelles, en se basant plus sur les capacités que sur les rôles “genrés” (…) Cela a un impact positif sur la santé de l’enfant“, écrit également Simon Crouch.

En revanche, ces enfants obtiennent les même résultats que la moyenne de la population en ce qui concerne le tempérament et l’humeur, la santé mentale et l’estime de soi.

La stigmatisation impacte négativement le bien-être futur

Malgré ces bons résultats, l’étude montre que la stigmatisation des enfants par rapport à l’orientation sexuelle de leurs parents peut avoir un impact très négatif sur leur bien-être psychique et émotionnel dans le futur. “Plus ces familles sont stigmatisées, plus l’impact sur le bien-être de l’enfant est grand”, résume le Dr Simon Crouch.

Selon lui, près de deux tiers des enfants australiens de familles homosexuelles souffrent de stigmatisation.

AFP

Journalmetro.com

Hier, j’étais invitée à l’émission d’Isabelle Maréchal au 98,5 pour parler d’homophobie. J’ignore si j’avais mal compris l’angle au départ ou si c’est le concept même de la ligne ouverte qui fait que le sujet initial peut prendre n’importe quelle tournure, mais finalement, nous avons surtout parlé de l’homosexualité en 2014. Quoiqu’on en dise dans nos cercles d’initiés, je crois qu’il est encore pertinent de parler d’homosexualité en 2014. Mais comme je m’étais préparée plein de contenu sur l’homophobie au Québec, je vais me faire plaisir et vous faire part ici de ce qui je crois constitue les luttes à venir.

1. Une homophobie plus insidieuse

Au Québec, personne – même Jeff Fillion – ne se déclare homophobe. Être «contre les gais», comme s’il était possible d’être contre les chiens ou la tarte aux pommes, ferait l’objet d’une importante sanction sociale. L’homophobie prend au Québec des allures plus insidieuses. On entendra par exemple : «je n’ai rien contre eux, tant que ça reste dans la chambre à coucher», ou «j’ai rien contre ça, mais que le gouvernement nous impose des annonces où des gais s’embrassent devant les enfants à heure de grande écoute avec nos taxes…» On a même demandé à l’auteure de l’émission Unité 9 qu’elle slaque sur les scènes de lesbiennes, «parce que moi j’ai rien contre ça, mais je trouve que c’est inapproprié pour les enfants». (On se rappellera qu’Unité 9 est une émission passablement violente, pas tellement appropriée pour les enfants, et diffusée à 20h pour cette raison.) Ce genre de discours n’est généralement pas conscient de l’hétérosexisme dont il fait preuve : lorsque deux hétéros s’embrassent, on n’en fait pas grand cas, et lorsqu’un directeur d’école exhibe dans son bureau une photo de lui avec sa femme et ses enfants, on ne dit pas qu’il est en train de nous «imposer son orientation sexuelle» ou que quelque chose est «sorti de la chambre à coucher».

2. Homophobie et différences culturelles

Hier, avant d’entrer en ondes, l’un des invités, enseignant à l’école secondaire, mettait l’accent sur l’origine ethnique ou l’appartenance religieuse et l’homophobie, me donnant des exemples d’élèves réfractaires à l’homosexualité pour démontrer que c’était, selon lui, le prochain défi de la communauté LGBT. On m’a accusée de me mettre la tête dans le sable en refusant de reconnaître la corrélation «culture»/«homophobie». Je crois qu’il est important de préciser certaines nuances.

Le Groupe de recherche et d’intervention sociale (GRIS) identifie en effet l’appartenance religieuse ou ethnique comme un facteur d’homophobie chez les jeunes (le GRIS recueille des données sur l’homophobie lors de ses interventions dans les écoles), au même titre que le fait d’être un garçon et le fait d’être jeune (les élèves de 1^ère et 2^e secondaire sont plus susceptibles de démontrer un malaise face à l’homosexualité que les plus vieux), et attribue à l’éducation et aux valeurs familiales cette différence avec les élèves qui ne s’identifient à aucune religion.

Je ne nie pas cette réalité. Mais je me demande en quoi est-ce constructif de stigmatiser ainsi des jeunes – en pleine construction de leur identité – et de les condamner à l’homophobie. En faisant ça, on ne peut que conforter leur croyance selon laquelle ils n’ont rien à voir avec l’homosexualité et qu’il est normal qu’ils ne soient pas favorables à ça parce qu’ils appartiennent à un groupe religieux. On entendra ainsi : «Je ne peux pas accepter l’homosexualité, je suis musulman». Comment peut-on espérer qu’ils adhèrent à d’autres valeurs si nous les condamnons nous-mêmes dans leur homophobie? Non seulement faut-il leur montrer qu’il est possible d’être gai et musulman, témoin de Jehova ou catholique, mais surtout, leur donner des modèles d’imams, de pasteurs, de rabbins, de curés qui sont gais et/ou qui célèbrent la diversité sexuelle. De toute façon, en devenant adulte, ils évolueront dans une société où les lois protègent les homosexuels. Devenus adultes, ils comprendront qu’une attitude homophobe est mal perçue.

Pendant ce temps, des québécois bien pures laines sont convaincus qu’ils n’ont rien à se reprocher, ayant la certitude que le fait d’être de souche et laïc les épargne automatiquement d’avoir un comportement offensant envers la communauté LGBT.

3. Gais vs lesbiennes

Lorsqu’on me demande de parler d’homophobie et des luttes qui demeurent, on me demande presque invariablement de comparer le cas des gais et celui des lesbiennes. «Ça doit quand même être plus facile pour les lesbiennes…», dit-on généralement. Je suis aussi portée à le croire, mais je me demande s’il est vraiment possible de comparer ce que peut vivre un homosexuel et ce que peut vivre une lesbienne. C’est personnel et ça dépend de tellement de facteurs.

Les lesbiennes, comme les femmes en général, sont souvent moins visibles. On en connaît peu (allo Ariane!). Lorsqu’elles le sont, c’est encore trop souvent de manière hypersexualisée (ça passe bien, une lesbienne, dans une série télé : en plus d’être un symbole d’ouverture d’esprit, ça permet de montrer des belles filles qui se frenchent à l’écran). Et contrairement aux gais, elles ne constituent pas une force économique, comme en témoigne le nombre de commerces qui leur sont destinés dans le village gai.

Par contre, les lesbiennes ont définitivement un avantage de taille quand vient le temps de constituer une famille : deux mères, ça va. Chez deux pères, il manque forcément quelque chose, dans l’esprit de bien des gens (Qui va changer les couches? se demande notamment Peter Mackay). Les gais sont ainsi victimes des stéréotypes de genres. Il peut être plus difficile pour un homme gai de s’épanouir pleinement dans un milieu plus macho, comme la construction, les sports (où l’on commence à voir émerger certains modèles). Il s’avère aussi plus difficile pour un homme gai de faire son coming out en milieu scolaire, étant donné le malheureux amalgame que certains parents font entre pédophilie et homosexualité*. D’autres parents estiment aussi que l’école n’est pas une place pour afficher son orientation sexuelle, ne réalisant pas qu’une enseignante partageant avec ses élèves qu’elle est allée à la pêche avec son mari la semaine dernière est aussi en train d’«afficher son orientation sexuelle».

4. Homophobie homosexuelle

Les homosexuels peuvent-ils être homophobes? Oui. Je deviens toujours très embarrassée quand un homosexuel (ou un hétéro, on s’entend) me dit que lui, les tapettes, les grand’folles ou les bears, ça l’écoeure, ou qu’il a honte du défilé de la fierté parce que certaines personnes s’y présentent en chaps ou «avec des plumes dans le cul». J’éprouve la même sensation lorsque j’observe une ségrégation entre butches et femmes – les expressions consacrées – dans la communauté lesbienne. Chacun a le droit d’être mal à l’aise devant n’importe quel phénomène, mais je pense qu’il lui appartient de comprendre son malaise plutôt que de l’ériger en légitimité. Tous ceux qui demandent à ce que leur diversité soit acceptée (ça fait du monde en titi) devraient aussi se faire un devoir d’accepter la diversité… des autres.

5. Hétéronormativité

Quand je parle d’hétéronormativité, il y en a toujours au moins un pour me dire : «regardez-la qui ressort ses grands mots». Définissons, donc : l’hétéronormativité est «un système de normes et de croyances qui renforce l’imposition de l’hétérosexualité comme seule sexualité ou mode de vie légitime».

Ainsi, cette hétéronormativité s’immisce subtilement dans plusieurs sphères de notre quotidien, des publicités où le chum est mou et la blonde est germaine aux contes de fées qui finissent toujours par rencontrer leur prince charmant, en passant par les publications à l’usage des parents. Chaque fois qu’un parent écrit une lettre à «sa fille quand elle sera grande», je souris en constatant que l’enfant est toujours présumé hétéro.

Bonne nouvelle, contrer l’hétérosexisme fait partie du Plan d’action gouvernemental de lutte contre l’homophobie, même si certains pourfendeurs des théories du genre s’y opposent. De petits changements, comme ceux apportés par la CSDM dans ces formulaires, n’enlèvent rien à personne et font que des parents se sentent plus inclus.

6. La comparaison hétéro

Trop souvent j’entends la phrase «comme les hétéros» ou, pire, «comme les personnes normales», pour montrer comment les gais, lesbiennes, bisexuels et trans sont tout à fait «acceptables». Ils élèvent leurs enfants «comme des hétéros», ils s’aiment «comme des hétéros», ils se divisent les tâches «comme un homme et une femme». On dira «je fais le BBQ et mon chum conduit la voiture», comme pour prouver que les deux hommes s’adonnent à des activités «masculines», renforçant encore le fait que ces activités soient genrées. Le modèle hétéronormatif sexuellement stéréotypé est ainsi renforcé en tant que norme, comme s’il s’agissait d’une mesure étalon.

7. La transphobie 

Évidemment, il reste tout un terrain d’acceptation et de compréhension à défricher en ce qui concerne les personnes trans. Plusieurs refusent de reconnaître leur identité, s’obstinant à référer à elles selon leur genre attribué à la naissance. On sème – encore en 2014 – la pagaille lorsqu’on évoque la possibilité d’abolir la ségrégation sexuelle dans les toilettes. Les personnes trans sont encore aujourd’hui victimes de discrimination à l’emploi, plus sujettes à la pauvreté et à être victimes de crimes violents. Les demandes pour que cesse l’attribution sexuelle à la naissance sont ridiculisées par des acteurs pourtant progressistes.

7sur7.be

© Photo publique Facebook.

La photo d’un premier contact peau à peau de deux papas avec leur bébé nés depuis quelques minutes a été posté de nombreuses fois sur les réseaux sociaux. Et largement critiquée par ceux qui ne comprennent pas qu’on laisse deux homosexuels devenir pères.

Les deux heureux parents ont répondu sur la page Facebook de la photographe Lindsay Foster, qui a pris le cliché à la naissance du petit Milo. “Merci à tous ceux qui ont pris le temps d’aimer, de commenter et de partager cette photo. Ce fut un moment incroyable de nos vies qui fut capturé par l’adorable Lindsay Foster.”

“Nous sommes chanceux d’avoir un garçon en bonne santé. Tous les commentaires ci-dessous sont respectables bien que nous ne soyons pas d’accord avec les négatifs. Chacun a le droit d’avoir sa propre opinion. C’est un moment d’amour pur et d’acception. Milo est entouré d’amour inconditionnel et il va grandir en sachant qu’il existe différents types de familles et il accepter tout le monde, y compris les personnes intolérantes.”

“L’amour n’a pas de couleur, de sexe, ni d’orientation sexuelle. L’amour est inconditionnelle. Merci encore du fond de nos coeurs.”

La photographe précise que sur la photo, les deux parents ne sont pas nus mais torse nu. Elle rappelle que le contact peau à peau est bénéfique pour un nouveau-né. “Autre fait réel: le bébé est énormément aimé.”

Slate.fr

Mais elles n’arrivent toujours pas à traiter les homosexuels comme des clients complètement comme les autres.

Aux Etats-Unis, certains petits commerces se battent actuellement pour le droit de refuser de servir des clients homosexuels, comme ce pâtissier du Colorado qui ne voulait pas faire de gâteau pour un mariage entre deux hommes, en arguant de sa «liberté de conscience». Mais de leur côté, les multinationales ont bien compris que les Américains LGBT étaient avant tout des clients potentiels.

Comme les publicités féministes dont nous parlions récemment sur Slate.fr, le marketing «gay friendly» tente de faire vendre avec des messages progressistes contre les stéréotypes.

Dans un sens, c’est une bonne nouvelle: si les compagnies n’ont pas peur de s’afficher en faveur des homosexuels, c’est le signe que la société a évolué vers plus d’ouverture.  D’autre part, ces campagnes de pub habituent les gens à voir des couples d’hommes et des couples de femmes comme quelque chose qui n’a rien d’extraordinaire.

Mais quand tous ces messages de respect et d’amour sont systématiquement utilisés pour vendre des baskets ou des prêts immobiliers, on peut aussi se sentir un peu écoeuré. Surtout quand le mois de juin vient de s’achever.

Aux Etats-Unis, juin est officiellement le mois des fiertés LGBT. C’est évidemment l’occasion de plusieurs «gay pride», avec musique électronique et déguisements colorés. Mais pour les entreprises, c’est aussi le moment idéal pour dérouler des campagnes de marketing ciblées qui regorgent de messages sur le respect et l’amour.

Si vous tiriez des billets dans une banque JP Morgan-Chase le mois dernier, l’écran du distributeur vous disait «Be yourself» (soyez vous-même), avec des lettres arc-en-ciel.

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Plusieurs entreprises, dont de nombreuses banques, ont sponsorisé les marches des fiertés à travers le pays. Selon l’Associated Press, TD Bank donne environ un million de dollars par an pour ces parades. En échange de ces subventions, les entreprises sponsors sont très visibles lors des événements, avec des logos un peu partout sur des bannières, badges et t-shirts. En bref, des défilés autrefois subversifs sont devenus extrêmement «corporate».

En juin également, Heineken a fait une campagne «Like for Love» sur Instagram (likez l’amour) avec des couples LGBT heureux et des cœurs partout.

Nike a sorti une collection de chaussures et t-shirts avec des couleurs arc-en-ciel et le slogan «be true», ce qui fait une multinationale de plus qui nous encourage à être «nous-mêmes».

A San Francisco, un Burger King local a lancé un «Proud Whopper» (le Whopper fier).  Le sandwich est entouré d’un papier arc-en-ciel, mais sinon, c’est exactement le même burger.

Vous voyez le message subtil des publicitaires? Au fond, on est tous les mêmes, malgré nos différences extérieures, et quelle que soit notre orientation (ou identité) sexuelle.

Interviewé par Time magazine, le président du branding de la marque explique:

« Nous pensons que le Proud Whopper peut incarner un message d’égalité, d’expression personnelle, d’authenticité, et encourager les gens à être eux-mêmes.»

Merci Burger King!

Les voitures Chevrolet ont aussi plein de choses modernes à dire sur la société, avec des slogans comme:

«L’amour familial est toujours le même, mais la composition des familles a changé.»

Interviewé par la radio NPR, un porte-parole de GLAAD, une association qui travaille autour de la représentation des LGBT dans les médias, est plutôt content de cette évolution.

Dans les années 1980, les pubs qui ciblaient les homosexuels «étaient surtout faites par des producteurs d’alcool, explique-t-il, c’était beaucoup de mecs torse nu à la plage ou des drag queens, soit une vision assez stéréotypée de cette communauté».

Les publicitaires font maintenant attention à éviter les clichés. Les hôtels Marriott ont fait une campagne photo très familiale avec un couple d’hommes et leurs enfants et le slogan: «Soyez vous-mêmes. Chez nous.»

Le hashtag est #L’AmourVoyage. Peut-être que le prochain pas serait de montrer un famille homoparentale sans petit message additionnel de tolérance et respect? Un couple d’hommes, ou de femmes, tout simplement, sans bons sentiments.

Claire Levenson

gizmodo.fr

fr.ria.ru

Le célèbre musicien britannique Elton John envisage de se rendre en Russie en décembre prochain pour discuter des droits des homosexuels dans le pays avec le président Vladimir Poutine.

“Je suis determiné à lutter pour les droits des homosexuels. Je lutterai pour défendre toute victime de violations des droits de l’homme. J’essaierai de me rendre en Russie en décembre prochain, et j’essaierai de rencontrer le président Poutine et de lui parler à ce sujet. Je ne sais pas quels en seront les résultats, mais il est impossible de résoudre le problème sans dialoguer”, a déclaré M.John dans une interview accordée à la chaîne de télévision Sky News.

En juin 2013, la Douma (chambre basse du parlement russe) a approuvé par une majorité écrasante des voix une loi instaurant des amendes allant jusqu’à un million de roubles pour “propagande des relations sexuelles non-traditionnelles auprès de mineurs“. Le document en question suscité de vives critiques de la part des pays européens et des Etats-Unis.

Le chef du Kremlin Vladimir Poutine a par la suite à plusieurs reprises insisté sur l’absence de toute discrimination des minorités sexuelles en Russie.

Sudouest.fr

Le jeune homme de 21 ans a été retrouvé mort dans un ruisseau de Savoie. Une enquête est ouverte. Peter avait étudié à l’École supérieure de commerce de La Rochelle

D’après les informations de la radio RTL, Peter, un jeune Rochelais de 21 ans, membre de l’association Le Refuge qui apporte son soutien aux jeunes homosexuels rejetés par leur famille, se serait suicidé, jeudi 26 juin, en se jetant d’un pont à Valmorel en Savoie. Toujours selon nos confrères, ses parents voulaient l’exorciser car ils ne supportaient pas son homosexualité.

D’après nos informations, Peter a étudié à l’École supérieure de commerce de La Rochelle (Sup de Co) et vivait encore dans la préfecture de la Charente-Maritime en 2011. Son père est français et sa mère anglaise.

En septembre 2013, Peter avait écrit dans une lettre : “Mes parents deviennent de plus en plus hard dans leurs prières latines contre le diable. De toute façon, rien ne m’étonne après qu’ils aient fait appel à un prêtre exorciste pour me faire changer de bord”, révèle l’association Le Refuge1.

Le site Internet de Metronews publie un autre message :  “Je ne sais pas si je vais revenir [chez eux]. Ça me déchire le cœur […]. Celle qui m’a mis au monde […] m’a demandé de mettre dans une boîte tout ce qui était à moi et de débarrasser mes affaires.”

Le mois dernier, le jeune Rochelais avait passé une semaine dans la structure montpelliéraine de l’association Le Refuge. C’était son second séjour, indique Metronews. À sa sortie, il était toujours très affecté selon les bénévoles contactés par RTL.

Le jeune homme était porté disparu depuis le 13 juin, renseigne France 3 Alpes. Son corps a été retrouvé dans un ruisseau en contrebas du pont précise le parquet d’Albertville. “Pour l’instant, rien ne permet d’affirmer qu’il s’agit d’un suicide“, a indiqué le vice-procureur Guy Bouchet. Evoquant la possibilité d’un “malaise” ou d’une “chute”, il a affirmé que les enquêteurs ne connaissaient pas “les causes ni même la date précise” du décès.

Il semblerait par ailleurs que Peter “portait des vêtements de ville et ne semblait donc pas parti pour une randonnée ou une marche en montagne”. Une enquête a été ouverte par le parquet pour connaître les circonstances du drame. Une autopsie du corps de Peter devrait être pratiquée dans les prochains jours.

L’association Le Refuge a consacré un article en hommage au jeune homme sur son site internet. Diverses personnalités ont également tenu à exprimer leur émotion sur Twitter et Facebook.

Journal de Québec, ONU, Reuters

Letelegramme.fr

Si l’homosexualité n’est plus considérée, depuis 2001, en Chine, comme une maladie, des thérapies par électrochocs y seraient toujours pratiquées pour « soigner les tendances homosexuelles », selon des témoignages recueillis par Courrier International. Soumis à de très fortes pressions sociales et familiales, 10 % des homosexuels chinois – dont on évalue le nombre à quelque 30 millions – envisageraient d’eux-mêmes de suivre ces « thérapies par aversion ».

Wiki

What Ever Happened to Baby Jane? is a 1962 American psychological thriller^[4] film produced and directed by Robert Aldrich, starring Bette Davis and Joan Crawford. The screenplay by Lukas Heller is based on the 1960 novel of the same name by Henry Farrell. The film was nominated for five Academy Awards, winning one for Best Costume Design, Black and White.

In 2003, the character of Baby Jane Hudson was ranked #44 on the American Film Institute‘s list of the 50 Best Villains of American Cinema.

Plot

In 1917, Baby Jane Hudson (Julie Allred) is a vaudevillian child star. She performs to adoring crowds in theaters and inspires the creation of the expensive “Baby Jane” doll, sold in the lobby after her shows. Baby Jane is a spoiled brat whose doting stage-father Ray Hudson (Dave Willock) gives in to her demands while her disapproving mother and jealous, overlooked sister Blanche Hudson (Gina Gillespie) watch from the sidelines.

By 1935, the now grown sisters’ roles have reversed. Both are movie actors, but Blanche has achieved stardom, while Jane’s films have flopped. Unable to establish her talent as an adult actress, Jane has taken to heavy drinking. One night, returning from a party, their car pulls up the driveway to their mansion and one of the sisters steps out to open the gate. The other sister steps on the accelerator, smashing the car into the gate. Blanche is paralyzed from the waist down in the accident.

In 1962, a wheelchair-bound Blanche (Joan Crawford) and a severely aged Jane (Bette Davis) are living together in the mansion. Blanche lives in her bedroom, never leaving the house, watching her old movies on television and reliving her former career. Jane antagonizes her sister constantly, drinks to excess, and wears caked-on makeup in a pathetic effort to appear young. The disabled Blanche depends on her bitter, abusive sister, and has no friends except for her friendly cleaning woman, Elvira Stitt (Maidie Norman). Elvira, concerned for Blanche’s well-being, believes that Jane is exhibiting symptoms of mental illness, but Blanche defends her. Elvira tells Blanche that she has discovered that Jane has been opening her mail and dumping it in the trash. Blanche is reluctant to condemn Jane and shows concern for her sister’s welfare.

Jane, lost in reverie, tries to relive her childhood success by singing and dancing before a mirror. Seeing her reflection, she screams in horror. At that moment Blanche calls for her sister with an annoying, repeated use of a bedside buzzer from her room: She wants to know why she cannot call out on the telephone—was it left off the hook downstairs? Jane is annoyed when Blanche informs her she may be selling the house. Jane fights with her sister, fearing what will become of her, and rips the telephone cord from the wall, further isolating Blanche in her room. When Jane brings Blanche’s lunch afterwards, Blanche finds under the silver serving dish lies her beloved parakeet, dead on a bed of tomato slices.

Jane makes herself up to go out and place an advertisement for a piano player so she can restart her performing career. While she is out, Blanche tries to get the attention of her neighbor, Mrs. Bates (Anna Lee), who is tending her flowers below Blanche’s window. When Blanche cannot get her attention, she writes a note pleading for help and throws it from her window. Unfortunately, Jane returns at that moment and the distraction of the car coming up the driveway prevents Mrs. Bates from seeing the crumpled paper. Jane finds the note, however, and when she brings Blanche’s dinner up, she argues with her sister again, telling her the house is hers and it will never be sold. Jane mocks her sister’s kindly concern and drops the folded note in her lap. Jane leaves the room, and when Blanche goes to her serving tray for dinner, she cannot bring herself to touch it.

The next morning when Elvira arrives, Jane tells her she can have the day off. Jane’s abuse of Blanche continues and they fight again when she brings Blanche her lunch. Blanche has not touched her dinner from the night before and wants to know why her breakfast had not been brought. Jane responds because she had not eaten her dinner and Jane tauntingly eats from the previous night’s plate. As she takes the dinner tray away, she tells her sister they have rats in the basement, and when Blanche goes to eat her lunch, she finds a dead rat on the plate. Blanche screams and Jane laughs evilly at her sister’s despair. Meanwhile, a talented, down-and-out man named Edwin Flagg (Victor Buono) sees Jane’s newspaper advertisement and makes an appointment for that afternoon.

When Edwin shows up at the house, Jane grotesquely performs her signature song from her childhood, “I’ve Written a Letter to Daddy,” with Edwin playing the piano. Edwin tries to conceal his disgust. Jane brags about who she was as a child and shows him a scrapbook of herself. At this time, Blanche uses her buzzer repeatedly to call her sister, wanting to know who the visitor is. Enraged, Jane goes upstairs, confronts Blanche, and rips the buzzer out of the wall and slaps her sister. Back in the living room, Jane and Edwin agree to his salary and they plot their moves. Jane then drives him home. While she’s out, Blanche goes into Jane’s room looking for food (by now, she hasn’t eaten in a couple of days) and discovers that Jane has practiced forging her signature and is writing checks under Blanche’s name. She works her way down the stairs to the telephone. Blanche calls Jane’s doctor and tells him that she needs help and asks if he could come to the house right away.

Jane comes home to find Blanche on the phone, talking to the doctor. Blanche abruptly ends the conversation and tries to make excuses in front of her enraged sister. Jane beats her as she lies on the floor, kicking her in the head and stomach until she is unconscious. Jane then calls the doctor back and, disguising her voice as Blanche, tells him not to come because “Jane” found another doctor. Then Jane drags her sister to her room, ties her by her arms, gags her, and leaves her there.

The next day, Elvira arrives to see Blanche. Jane tells her that her services are no longer needed and dismisses her. Suspicious, Elvira sneaks into the house when Jane leaves for the bank to get money to pay Edwin. She finds Blanche’s room locked and is attempting to remove the door from the hinges when Jane comes home and catches her. Upon Elvira’s demands, Jane gives her the key, and as the maid enters the darkened room to find Blanche bound and gagged, Jane uses a hammer to kill Elvira. Jane sinks deeper into her delusions, saying, “If only they had loved me enough.” Edwin rings the doorbell, but Jane does not answer, “Not now Edwin, not now,” and when he leaves, she sobs in despair. She drags Elvira’s dead body from the house and disposes of it by dropping it some distance away.

A week later, the police call the Hudson house and tell Jane that a cousin of her maid reported her missing. She tells them that she hasn’t seen Elvira in a week. A panicked Jane then prepares to leave with her sister, fearing the police will discover what she’s done. Suddenly, the police show up with a drunken Edwin, there to receive his first payment. While he is there, a weakened Blanche is able to knock over a bedside table in her room. Edwin hears the noise, goes upstairs to investigate, and finds Blanche tied to her bed. He is shocked at her “dying” condition as she begs for his help. Edwin runs from the house to get away. Desperate, Jane puts her sister in the car and drives to the beach.

The next morning, the search is on for the missing Hudson sisters. Elvira’s body was found by the police, and there are bulletins on the radio. Blanche, starved and dehydrated, is lying on the sand with Jane sitting beside her. Blanche tells Jane the truth of what happened years before. It was she, Blanche, who tried to run over her drunken sister. Jane, however, moved out of the way in time and Blanche had slammed into the gate and snapped her spine, but managed to drag herself out of the car and up to the wrecked gate. Because Jane was too drunk to realize what happened, she has long believed that she was responsible for her sister’s condition. Jane sadly asks, “You mean all this time we could have been friends?” With her mental condition completely deteriorated, Jane runs to a beach-side concession booth to get ice cream cones for the two of them. The police arrive and intercept Jane as she is returning with the ice cream cones. As a crowd of beach-goers begin surrounding her, Jane realizes that she again has the attention she’s long craved, and she dances before the onlookers, joyfully happy at last, in her decayed imagination. The police spot a motionless Blanche lying on the sand and break through the crowd to help her as Jane continues to dance and the film ends. Whether Blanche has survived is not revealed.

Cast

• Bette Davis as Jane Hudson – nominated Academy Award for Best Actress
  • Julie Allred as young Jane
  • Debbie Burton as young Jane’s singing voice
• Joan Crawford as Blanche Hudson
  • Gina Gillespie as young Blanche
• Victor Buono as Edwin Flagg – nominated Academy Award for Best Supporting Actor
• Maidie Norman as Elvira Stitt
• Anna Lee as Mrs. Bates
• B.D. Merrill as Liza Bates (Barbara Merrill is Bette Davis’s real-life daughter)
• Marjorie Bennett as Dehlia Flagg
• Dave Willock as Ray Hudson

Production

The house exterior of the Hudson mansion is located at 172 South McCadden Place in the Hancock Park section of Los Angeles. Other residential exteriors show cottages on DeLongpre Ave. near Harvard Ave. in Hollywood without their current gated courtyards. The scene on the beach was shot in Malibu, reportedly the same site where Aldrich filmed the final scene of Kiss Me Deadly (1955).

The neighbor’s daughter was played by Davis’ daughter B.D. Merrill who, following in the footsteps of Crawford’s daughter Christina, later wrote a memoir that depicted her mother in an unfavorable light.

It was an open secret that Davis and Crawford loathed each other, and filming was contentious as their real-life hatred for one another spilled over into the production, and even after filming had wrapped. At Oscar time, Crawford was infuriated when Davis was nominated for an Oscar and she was overlooked. She contacted the Best Actress nominees who were unable to attend the ceremonies and offered to accept the award on their behalf should they win. Davis claimed that Crawford lobbied against her among Academy voters. When Anne Bancroft was declared the winner for The Miracle Worker, she was in New York performing in a play, and had asked Crawford to accept her award if she won. Crawford triumphantly swept onstage to pick up the trophy. Davis later commented, “It would have meant a million more dollars to our film if I had won. Joan was thrilled I hadn’t.”^[5] As both Davis and Crawford had accepted lower salaries in exchange for a share of the film’s profits,^[6] Davis considered it especially foolish of Crawford to have worked against their common interests, especially at a time when roles for actresses of their generation were hard to find.

Legacy

The film’s success led to the birth of the “psycho-biddy” sub-genre of horror/thriller films featuring psychotic older women, among them Aldrich’s Hush… Hush, Sweet Charlotte and What Ever Happened to Aunt Alice?.

The film was remade in 1991 as a television film starring real-life sisters Vanessa and Lynn Redgrave.

Critical reception

The film received positive reviews and elicited mixed responses over the Davis/Crawford combination. In his review in the New York Times, Bosley Crowther observed, “[Davis and Crawford] do get off some amusing and eventually blood-chilling displays of screaming sororal hatred and general monstrousness … The feeble attempts that Mr. Aldrich has made to suggest the irony of two once idolized and wealthy females living in such depravity, and the pathos of their deep-seated envy having brought them to this, wash out very quickly under the flood of sheer grotesquerie.”^[7]

Variety stated, “Although the results heavily favor Davis (and she earns the credit), it should be recognized that the plot, of necessity, allows her to run unfettered through all the stages of oncoming insanity … Crawford gives a quiet, remarkably fine interpretation of the crippled Blanche, held in emotionally by the nature and temperament of the role.”^[8]

TV Guide awarded the film four stars, calling it “Star wars, trenchantly served” and adding, “If it sometimes looks like a poisonous senior citizen show with over-the-top spoiled ham, just try to look away … As in the best Hitchcock movies, suspense, rather than actual mayhem, drives the film.”^[9]

Accolades

The film was nominated for five Academy Awards, winning one for Best Costume Design.^[10]

• Academy Award for Best Actress (Bette Davis, nominee)
• Academy Award for Best Actor in a Supporting Role (Victor Buono, nominee)
• Academy Award for Best Costume Design, Black and White (Norma Koch, winner)
• Academy Award for Best Cinematography, Black and White (nominee)
• Academy Award for Best Sound (Joseph D. Kelly, nominee)

• BAFTA Award for Best Foreign Actress (Crawford, nominee)
• BAFTA Award for Best Foreign Actress (Davis, nominee)

• Golden Globe Award for Best Actress – Motion Picture Drama (Davis, nominee)
• Golden Globe Award for Best Supporting Actor – Motion Picture (Buono, nominee)

• Laurel Award for Golden Laurel for Sleeper of the Year (Winner)

• Golden Palm – 1963 Cannes Film Festival (nominee)^[11]

Box office

The film was a surprise box office hit, grossing $9 million at the worldwide box office and $4,050,000 in theatrical rentals in North America.^[3][12]

In the United Kingdom, the film was originally given an X certificate by the BBFC in 1962, with a few minor cuts. These cuts were waived for a video submission, which was given an 18 certificate in 1988, meaning no-one under 18 years of age could purchase a copy of the film.^[1] However in 2004, the film was re-submitted for a theatrical re-release, and it was given a 12A certificate, now meaning persons under 12 years of age could view it if accompanied by an adult. It remains at this category.^[13]

In popular culture

• One of the Alice Cooper band’s all-time favorite movies was What Ever Happened to Baby Jane? starring Bette Davis. “In the movie, Bette wears disgusting caked makeup smeared on her face and underneath her eyes, with deep, dark, black eyeliner.”
• On an episode of The Andy Williams Show that aired on December 20, 1962, Bette Davis presented host Andy Williams with a “Baby Jane” doll and sang a rock ‘n’ roll version of the song “What Ever Happened to Baby Jane?”
• On Steve Allen‘s Westinghouse-network talk show, he and Louis Nye performed a spoof,“Whatever Happened To Baby Fink?” with Allen as Blanche and Nye as Jane.
• In the 1970s, TV’s Little House on the Prairie aired an episode in which Nellie feigns being crippled for attention. Writes actress Alison Arngrim: “The imagery is unmistakable: the blond curls, the bitchy attitude versus the poor put-upon girl with the long brown hair. But now there’s a twist. . . Blanche has finally put Jane in the wheelchair!”^[14]
• A 1980 SCTV skit features Martin Short as Ed Grimley and John Candy in a parody called ‘What Ever Happened to Baby Ed?’ in which Ed Grimley is the male version of ‘Blanche’ and John Candy is the male version of ‘Jane’.
• The 1990 series of French and Saunders featured a parody called “Whatever Happened to Baby Dawn?”, with Dawn French in the “Jane” role and Jennifer Saunders as Blanche.
• A Batman villain who first appeared in an episode of Batman: The Animated Series is inspired by this film. The villain, Baby Doll, is a former child actor who has since gone insane.
• In an episode of Seinfeld, “The Airport” (1992), George Costanza mimics a line from the movie when taunting an escorted prisoner in shackles: “But you are, Blanche… you are in the shackles.”
• In an episode of “The Nanny“, “Hurricane Fran,” Niles torments C.C. Babcock who is in a wheelchair after slipping and falling. C.C. tells Niles, “You wouldn’t be able to torture me like this if I wasn’t in this chair.” Niles quickly quips back, “But you are Babs, you are.”
• The music video to Shakespear’s Sister‘s 1991 single “Goodbye Cruel World” parodies the film (along with Sunset Boulevard) and features a short dialogue scene at the start with Siobhan Fahey in the Jane role and Marcella Detroit in the Blanche role.
• In 2000, one episode of The WB‘s Popular parodied the rat dinner scene twice; the first time, Sam McPherson portrayed Jane and the second time, Brooke McQueen portrayed Jane.
• In Christina Aguilera‘s music video for “Ain’t No Other Man“, released in 2006 on her album Back to Basics, she plays her alter ego, “Baby Jane”, in reference to the film.
• The film is referenced in The Simpsons episode “Smart and Smarter“, in the scene featuring Lisa‘s nightmare of her pushing a wheelchair-bound Maggie down the stairs; in another episode, Comic Book Guy remarks of Agnes Skinner: “Now I know whatever happened to Baby Jane”.
• The Designing Women episode “The Strange Case of Clarence and Anita” (first aired November 4, 1991), Julia and Mary-Jo are in the play, “Whatever Happened to Baby Jane?” with Julia (Dixie Carter) as Blanche and Mary-Jo (Annie Potts) as Jane.
• In the video game Bioshock, one model of the enemies encountered by the hero is known as the Baby Jane.
• In 2007, Minneapolis-based DJ and music producer, Joel Dickinson remixed Bette Davis’ “I’ve Written a Letter to Daddy” for club play. It has been played by world-famous DJ’s including Junior Vasquez and remains a Halloween club favorite internationally.
• The film, particularly the scene when Jane sings “Daddy” grotesquely as Edwin plays the piano, plays in the background during the movie theater scene of the 2005 horror film House of Wax.
• The Doctor Who spinoff show The Sarah Jane Adventures had an episode titled “Whatever Happened to Sarah Jane?“
• In 2010, a campy remake Baby Jane? was released with drag superstars Matthew Martin as Jane and J. Conrad Frank as Blanche.^[15]
• In 2012 the eighth episode of 666 Park Avenue was titled ‘What Ever Happened to Baby Jane?’ ^[16]

Wiki

Qu’est-il arrivé à Baby Jane ? (What Ever Happened to Baby Jane?) est un film américain de 1962 réalisé par Robert Aldrich.

Synopsis

Jane et Blanche Hudson sont deux sœurs. Jane Hudson est une véritable enfant vedette dans les années 1920, grâce à une chanson reprise par toute l’Amérique. Mais passée l’adolescence, le public l’a complètement oubliée. Et c’est sa sœur, Blanche, qui devient célèbre à son tour, en devenant une actrice de cinéma renommée et appréciée du public. Un terrible accident de voiture met cependant fin à sa carrière, la rendant complètement dépendante de sa sœur déchue. Cette situation sera l’occasion pour Jane de faire payer à sa sœur, dévoilant au fil du temps toute son aigreur, sa jalousie, et son effrayante folie ; avant qu’un coup de théâtre ne brouille les cartes, quant aux responsabilités de la situation qu’Hollywood avait volontairement occultées.

Fiche technique

• Titre : Qu’est-il arrivé à Baby Jane ?
• Titre original : What Ever Happened to Baby Jane?
• Réalisation : Robert Aldrich
• Scénario : Lukas Heller d’après le roman de Henry Farrell
• Superviseur dialogues : Robert Altman
• Production : Robert Aldrich, Kenneth Hyman (production exécutif)
• Société de production : The Associates & Aldrich Company, Seven Arts Pictures, Warner Bros
• Photographie : Ernest Haller
• Montage : Michael Luciano
• Musique : Frank De Vol, Sidney Cutner (non crédité), Ruby Raksin (non crédité)
• Chorégraphe : Alex Romero
• Décors : William Glasgow
• Costumes : Norma Koch
• Pays d’origine : États-Unis
• Langue : anglais
• Genre : Drame
• Durée : 134 minutes
• Format : Noir et Blanc 35 mm – 1:37.1 – Mono
• Date de sortie : 26 octobre 1962 première New York (USA) ; 17 mai 1963 (France).
• Public : Film interdit aux moins de 12 ans en France

Distribution

• Joan Crawford : Blanche Hudson
• Bette Davis (VF : Marie Francey) : Baby Jane Hudson
• Victor Buono : Edwin Flagg
• Wesley Addy : Marty Mc Donald
• Julie Allred : Baby Jane Hudson en 1917
• Anne Barton : Cora Hudson
• Marjorie Bennett : Dehlia Flagg
• Bert Freed : Ben Golden
• Anna Lee : Mme Bates
• Maidie Norman : Elvira Stitt
• Dave Willock : Ray Hudson
• Barbara Merrill : Liza Bates

Autour du film

• Le personnage de Baby Jane Hudson fut souvent rapproché et comparé à celui de Norma Desmond, interprétée par Gloria Swanson dans le film Boulevard du crépuscule. En effet, les deux personnages s’accrochent désespérément à leur ancienne carrière artistique glorieuse, jusqu’à en sombrer dans la folie.
• Joan Crawford et Bette Davis, les deux actrices principales interprétant les deux sœurs rivales, avaient la réputation (fondée ou pas) de se détester également dans la vraie vie.

Distinctions

Récompenses

• Oscar des meilleurs costumes

Nominations

• Oscar de la meilleure actrice pour Bette Davis
• Oscar du meilleur acteur dans un second rôle pour Victor Buono
• Oscar de la meilleure photographie
• Oscar du meilleur son
• Golden Globe de la meilleure actrice pour Bette Davis
• Golden Globe du meilleur acteur dans un second rôle pour Victor Buono
• BAFTA de la meilleure actrice pour Joan Crawford
• BAFTA de la meilleure actrice pour Bette Davis
• Palme d’or au Festival de Cannes 1963

Wiki

Ruth Elizabeth Davis (née le 5 avril 1908 à Lowell, Massachusetts, États-Unis et décédée le 6 octobre 1989 à Neuilly-sur-Seine, France), plus connue sous le nom de Bette Davis, est une actrice américaine de cinéma, renommée pour sa forte personnalité et son talent artistique exprimé au cours d’une carrière longue de six décennies et composée de plus d’une centaine de films.

Biographie

Fondatrice du Hollywood Canteen et l’une des actrices de cinéma les plus appréciées de l’âge d’or du cinéma, Bette Davis est connue comme un symbole de ténacité féminine, à cause de rôles de femmes impitoyables, caractérielles et hystériques, mais aussi de sa turbulente vie privée, ponctuée d’orageux mariages et de conflits médiatiques avec certaines figures du cinéma.

Alternativement appelée « reine d’Hollywood », « reine des Studios Warner » et « Première Dame du grand écran américain », Bette Davis a longtemps détenu le record du plus grand nombre de nominations aux Oscars en tant que meilleure actrice (10 fois), avant d’être détrônée par Katharine Hepburn (12 fois) puis par Meryl Streep (13 fois).

Elle a obtenu deux Oscars : en 1935 pour L’Intruse de Alfred E. Green et en 1938 pour L’Insoumise de William Wyler mais n’a jamais réussi, malgré ses fréquentes nominations, à en décrocher un troisième, ni pour ce qui est considéré comme le rôle le plus abouti et le plus talentueux de sa carrière : Ève de Joseph L. Mankiewicz, ni pour sa dernière grande interprétation marquante, dans Qu’est-il arrivé à Baby Jane ? de Robert Aldrich. De nombreux ouvrages lui ont été consacrés, dont un seul en français (Isabelle Champion, Lherminier, 1986).

Du théâtre au cinéma

Ruth Elizabeth Davis grandit dans la banlieue de Boston, élevée avec sa sœur Barbara par leur mère, Ruth, photographe, qui se séparera de son mari en 1915. On dit que les deux prénoms de Ruth Elizabeth Davis ont été remplacés par celui de Bette, en référence au roman « la Cousine Bette » de Balzac1. Après le départ de leur père, la vie des Davis oscille entre le Massachusetts, le New Jersey et New York.

Bette fait ses débuts sur les planches dans le personnage d’une fée, pour Le Songe d’une nuit d’été, pendant ses études à la Cushing Academy d’Ashburnham (Massachusetts). Elle prend ensuite des cours de danse avec Martha Graham et suit pendant trois ans les cours de la John Murray Anderson’s Acting Dramatic School à New York.

En 1928, elle fait partie d’une troupe théâtrale dirigée par George Cukor et, sous sa mise en scène, elle monte sur scène dans la pièce « Broadway » à Rochester. Suivront d’autres pièces avec Cukor avant de se produire en 1929 à New York, avec un grand succès, dans « The Earth Between » puis, elle débute enfin officiellement à Broadway dans « Broken Dishes ».

Remarquée au théâtre par un dénicheur de talents d’Universal Pictures, studio de cinéma hollywoodien, elle y tourne son premier film, The Bad Sister (1931). Carl Laemmle, directeur de la firme Universal, s’écria en voyant ce film interprété par Bette Davis : « Comment peut-on tourner un film dans lequel un homme en voit de toutes les couleurs et le terminer en cadrant sur un tel visage ? »2. Bette ne tournera plus que deux films à Universal qui ne renouvelle pas son contrat.

Après quelques rôles insignifiants dans d’autres studios (RKO, Columbia…), elle décide de rentrer à New York pour revenir au Théâtre. C’est alors qu’elle reçoit un coup de téléphone de George Arliss, grand acteur populaire de la Warner à l’époque. Il lui propose un premier rôle, auprès de lui, dans le film L’Homme qui jouait à être Dieu (1932), elle accepte. Arliss écrira dans son autobiographie « Je ne m’attendais qu’à une modeste prestation, mais ce petit rôle se transforma en une création vivante, profonde… comme une lueur illuminant un texte banal et lui communiquant émotion et passion. C’était un talent qui ne pouvait rester longtemps dans l’ombre »2. Elle épouse en 1932, Harmon O. Nelson, rencontré lors de ses études, et dont elle divorcera six ans plus tard.

La reine de la Warner

À la suite de ce film, les frères Warner, de la Warner Bros. Pictures, lui font signer un contrat de sept ans. Une période qui durera 16 ans et où l’actrice devra lutter quotidiennement pour obtenir de bons rôles dans une firme spécialisée dans les films de gangsters et qui privilégie essentiellement les personnages masculins.

Pourtant, Bette Davis n’arrête plus de tourner, on la voit dans vingt-cinq films en quatre ans, notamment avec Spencer Tracy dans Vingt mille ans sous les verrous (1933) et avec James Cagney dans Jimmy the Gent (1935), deux films de Michael Curtiz. En 1934, Bette Davis harcèle, pendant des mois, Jack Warner, un des patrons de la Warner, pour obtenir le rôle de Mildred Rogers dans L’Emprise. Il finit par céder et la « prête » à la RKO. Elle racontera : « Mes employeurs considéraient que le fait de me confier le rôle d’une héroïne aussi détestable équivaudrait à un suicide artistique… Ils m’identifaient, je suppose, au personnage, et retenaient que nous étions bien digne l’une de l’autre »3. Bette obtint un grand succès critique mais le film fut un échec commercial.

Elle fait ensuite une autre composition remarquée de garce dans Ville frontière (1935), avant d’être consacrée dans L’Intruse (1936) pour lequel elle décroche son premier Oscar de la meilleure actrice. Les frères Warner lui refusent pourtant deux rôles auxquels elle tenait : la reine Élisabeth Ire aux côtés de Katharine Hepburn dans Mary Stuart et Alice dans Alice au pays des merveilles. Mais ils lui confient un bon personnage dans La Forêt pétrifiée pour ensuite la reléguer dans deux films médiocres.

Commenceront alors les conflits avec ses producteurs. Insatisfaite de ses scénarios et après avoir refusé de tourner un film, Bette claque la porte de la Warner et quitte Hollywood pour Londres où on lui propose deux films. Un procès s’engage alors entre elle et la Warner. Elle le perd mais Jack Warner, magnanime, lui pardonne et paie les frais du procès. Olivia de Havilland aura plus de succès, elle aussi intentera un procès en 1943 contre la Warner et, le gagnera en 1945. Mais Bette Davis n’est pas complètement perdante car, malgré cette action en justice, la Warner lui confiera des scénarios de meilleure qualité.

Son retour à Hollywood se fera dans l’excellent film Femmes marquées (1937) aux côtés d’Humphrey Bogart qui lui permet de prouver à nouveau ses qualités dramatiques. Elle entame ainsi un nouveau départ à la Warner qui lui propose une série de films dont les scénarios sont écrits tout spécialement pour elle. Suivront Le Dernier combat avec Edward G. Robinson et Humphrey Bogart, Une certaine femme avec Henry Fonda, L’Aventure de minuit avec Leslie Howard et Olivia de Havilland.

Après lui avoir soumis le rôle de Scarlett O’Hara d’Autant en emporte le vent, elle le refuse, ne voulant pas se retrouver aux côtés d’Errol Flynn (condition de la Warner pour « prêter » Bette Davis à David O. Selznick) qu’elle juge trop médiocre pour le rôle de Rhett Butler.

Jack Warner lui propose alors L’Insoumise (1938), film qui ressemble étrangement à Autant en emporte le vent. Avec un personnage taillé sur mesure, la star va faire une composition des plus remarquables dans ce somptueux mélodrame dirigé de façon magistrale par le perfectionniste William Wyler. Le film connaît un énorme succès. Elle reçoit un deuxième Oscar et là commence la grande carrière de Bette Davis. Une longue série de nominations aux Oscars va également se succéder.

La suite est des plus glorieuses, vient l’ère des grands mélodrames où l’actrice va donner le meilleur d’elle-même.

Le ton est donné avec le bouleversant drame Victoire sur la nuit (1939), elle est nommée pour la troisième fois aux Oscars. Viennent ensuite deux films historiques en 1939, Juarez et La vie privée d’Elizabeth d’Angleterre, et d’autres mélos comme La Vieille Fille (1939), L’Étrangère (1940), Le Grand Mensonge (1941) qui lui donnent la place enviée de l’une des dix vedettes d’Hollywood en tête du box-office…

Le sommet de cette période est sa collaboration avec William Wyler qui sera des plus réussies. Après L’Insoumise, elle s’illustre dans les rôles de garces : dans La Lettre (1940), elle incarne une meurtrière et dans La Vipère (1941) elle interprète une femme monstrueuse, cupide et manipulatrice (elle aura une nomination aux Oscars pour chacun de ces deux films), ce qui la consacre actrice populaire et reine de la Warner. Malheureusement des conflits éclatent entre le réalisateur et l’actrice et William Wyler, malgré ces chefs-d’œuvre tournés ensemble, ne tournera plus avec Bette Davis.

Un film parachèvera cette période, modèle du genre, Une femme cherche son destin (1942) qui lui vaudra sa sixième nomination.

Elle aura encore une septième nomination pour Femme aimée est toujours jolie (1944). En 1942, elle fonde et dirige Hollywood Canteen, un organisme d’aide aux combattants de la seconde guerre mondiale et paraîtra dans le film du même nom.

Elle crée également sa propre maison de production la « B.D. Incorpored » en 1946. La Voleuse (A Stolen Life) avec Glenn Ford est le seul film produit par la firme de Bette Davis.

Après quelques films mineurs, Bette Davis tourne son dernier film à la Warner La Garce (1949) de King Vidor. Le tournage se passe mal avec le réalisateur, au point qu’elle demande un compromis à Jack Warner : elle finira le film à condition qu’il la libère de son contrat avec la Warner Bros. Lassé de ses exigences, le patron de la Warner finit par accepter.

Un renouveau

Libérée de toute contrainte, la star se remet au travail et pendant le tournage de L’Ambitieuse en 1949 (film qui sortira bien après), on lui propose un rôle magnifique : celui de Margo Channing dans Ève (1950) de Joseph L. Mankiewicz. Muni d’un scénario cynique et subtil reconstituant l’univers des théâtres et la concurrence effrénée entre les artistes, le film est un chef-d’œuvre porté par des dialogues caustiques et savoureux, la justesse de ses notations psychologiques, la remarquable interprétation de tous ses acteurs (d’ailleurs 5 sur 14 des nominations aux Oscars pour le film iront à ses interprètes) puis l’élégante mise en scène d’un cinéaste en état de grâce, véritable cheville ouvrière du projet. Ève est sans doute le plus parfait des films de Bette Davis qui y donne une prestation inoubliable unanimement saluée par la critique et couronnée par une pluie de récompenses dont le Prix d’interprétation féminine à Cannes. Après son immense succès en salles, Ève reçoit quatorze nominations aux Oscars en 1950. Il remporte 6 statuettes dont celles du meilleur film, du meilleur réalisateur et du meilleur scénario. Pour sa huitième nomination, Bette Davis se retrouve en compétition avec sa partenaire à l’écran : Anne Baxter. Mais toutes deux seront battues par Judy Holliday pour son interprétation dans Born yesterday.

Malgré un tel sommet, la carrière de Bette s’effrite au fil des ans et hormis La Star pour qui elle aura sa neuvième nomination, il lui faudra attendre les années soixante pour connaître un renouveau.

Entre-temps elle a épousé Arthur Farnsworth en 1940 (il meurt en 1943) et William Grant Sherry en 1945 (naissance de son premier enfant Barbara en 1947, et divorce en 1949), elle se remarie en 1950, une quatrième et dernière fois, avec son partenaire d’Eve, Gary Merrill, avec qui elle adoptera deux enfants Margot (1952) et Michael (1953). Elle divorcera en 1960.

En 1961, deux films viendront redorer son blason. Frank Capra, tout d’abord, lui offre Milliardaire pour un jour où elle est drôle, émouvante, grandiose en vieille clocharde au temps de la prohibition et surtout Qu’est-il arrivé à Baby Jane ? de Robert Aldrich où elle compose, aux côtés d’un autre monstre sacré de la grande époque Joan Crawford, un personnage grand-guignolesque qui lui vaudra un immense succès dans le monde entier. Elle est nommée une dixième et dernière fois aux Oscars.

« Mère de trois enfants âgés de 10, 11 et 15 ans, divorcée, de nationalité américaine, 30 ans d’expérience dans le domaine cinématographique, encore alerte et plus aimable que ne le prétend la rumeur publique, cherche emploi stable à Hollywood. Connaît Broadway. Bette Davis. Références à l’appui. » C’est cette annonce que l’actrice fait paraître, par manque de travail, dans un hebdomadaire en septembre 1962. À la suite de ce message, Jack Warner la contacte pour tourner La mort frappe trois fois (1964) avec son ami Paul Henreid, qui fut un de ses partenaires à l’écran, comme réalisateur. Elle fera un deuxième film avec Aldrich Chut… chut, chère Charlotte (1964) dans la même veine du précédent mais sans Joan Crawford qui déclare forfait et sera remplacée sur les conseils de Bette Davis, par son amie et complice de toujours, Olivia de Havilland. Elle sera encore admirable dans L’Argent de la vieille (1972) de Luigi Comencini et dans Les Baleines du mois d’août (1987) aux côtés d’une gloire du muet, Lillian Gish.

La fin de sa carrière sera moins brillante. Elle tourne dans beaucoup de films mineurs mais fait de nombreuses incursions au théâtre et à la télévision. Bette Davis décède le 6 octobre 1989 à l’hôpital américain de Neuilly-sur-Seine, à l’âge de 81 ans ; elle repose au cimetière du Forest Lawn Memorial Park des collines d’Hollywood à Los Angeles en Californie.

Citations

• Selon Gena Rowlands qui est passionnée par Bette Davis : « Elle était dure, elle adorait les conflits, ils lui donnaient son énergie. »

• Bette Davis à propos de William Wyler : « Mon histoire favorite sur la direction d’acteurs concerne Monsieur Wyler. Il ne disait jamais rien. Ça me rendait folle. L’acteur a besoin de savoir s’il plaît à son metteur en scène. Au bout d’une semaine de tournage, je suis allée le voir et je lui ai dit : « Monsieur Wyler, j’aimerais vraiment savoir si je joue comme vous le désirez. » « Ah je vois ! » a-t-il répondu. Et le lendemain, après chaque prise, il applaudissait frénétiquement en criant : « c’est merveilleux, c’est merveilleux ! » Je lui ai demandé ensuite de revenir à sa « première manière », car celle-là ne me convenait pas du tout ! (rires) Il ne donnait aucune indication de jeu. »1

Hommages

• Elle fut nommée en 1999 par l’American Film Institute seconde meilleure actrice de légende du cinéma américain ;
• Une chanson de Kim Carnes, Bette Davis Eyes, lui fait référence.

Anecdotes

• Son rôle préférée fut celui de Judith Traherne, dans Victoire sur la nuit.
• Elle fut la rivale de Miriam Hopkins qui lui en voulut pour avoir repris le rôle de Julie Marsden au cinéma alors qu’elle l’interprétait au théâtre. Elles ont néanmoins jouées toutes deux dans deux films.
• Elle pensait obtenir un Oscar pour le rôle de Baby Jane mais fut battue par Anne Bancroft. Elle insinua d’ailleurs que ce fut de la faute de Joan Crawford si elle n’avait pas gagné la statuette car cette-dernière, jalouse, aurait suppliée les organisateurs de l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences de ne pas lui attribuer le prix.
• Elle essaya de gagner un troisième oscar mais n’y parvint pas.

Filmographie

Actrice

Cinéma

• 1931 : The Bad Sister de Hobart Henley
• 1931 : Seed de John M. Stahl
• 1931 : Le Pont de Waterloo (Waterloo Bridge) de James Whale
• 1931 : Way Back Home de William A. Seiter
• 1932 : The Menace de Roy William Neill
• 1932 : Prisons d’enfants (Hell’s House) d’Howard Higgin
• 1932 : L’Homme qui jouait à être Dieu (The Man who played God) de John G. Adolfi avec George Arliss
• 1932 : Mon grand (So big) de William A. Wellman avec Barbara Stanwyck
• 1932 : The Rich Are Always with Us d’Alfred E. Green
• 1932 : The Dark Horse d’Alfred E. Green
• 1932 : Ombres vers le sud (Cabin in the cotton) de Michael Curtiz
• 1932 : Une allumette pour trois (Three on a Match) de Mervyn LeRoy
• 1933 : Vingt mille ans sous les verrous (20 000 Years in Sing Sing) de Michael Curtiz avec Spencer Tracy
• 1933 : Just Around the Corner – court métrage
• 1933 : Le Parachutiste (Parachute Jumper) d’Alfred E. Green
• 1933 : Le Roi de la chaussure (The Working Man) de John G. Adolfi
• 1933 : Ex-Lady de Robert Florey
• 1933 : Bureau des personnes disparues (Bureau of Missing Persons) de Roy Del Ruth
• 1934 : The Big Shakedown de John Francis Dillon
• 1934 : Les Pirates de la mode (Fashions of 1934) de William Dieterle avec William Powell
• 1934 : Jimmy the Gent de Michael Curtiz avec James Cagney
• 1934 : Fog Over Frisco de William Dieterle
• 1934 : L’Emprise (Of Human Bondage) de John Cromwell avec Leslie Howard
• 1934 : Femme d’intérieur (Housewife) d’Alfred E. Green
• 1935 : Ville frontière (Bordertown) d’Archie Mayo avec Paul Muni
• 1935 : Une femme dans la rue (The Girl from 10th avenue) d’Alfred E. Green
• 1935 : Sixième édition (Front page woman) de Michael Curtiz
• 1935 : Agent spécial (Special agent) de William Keighley
• 1935 : L’Intruse (Dangerous) d’ Alfred E. Green (son premier Oscar) avec Franchot Tone
• 1936 : La Forêt pétrifiée (The Petrified Forest) d’ Archie Mayo avec Leslie Howard et Humphrey Bogart
• 1936 : La Flèche d’or (The Golden arrow) d’ Alfred E. Green
• 1936 : Satan Met a Lady de William Dieterle
• 1937 : Femmes marquées (Marked Woman) de Lloyd Bacon avec Humphrey Bogart
• 1937 : Le Dernier combat (Kid Galahad) de Michael Curtiz avec Edward G. Robinson et Humphrey Bogart
• 1937 : Une certaine femme (That certain woman) d’Edmund Goulding avec Henry Fonda
• 1937 : L’Aventure de minuit (It’s love I am after) d’Archie Mayo avec Leslie Howard et Olivia de Havilland
• 1938 : L’Insoumise (Jezebel) de William Wyler (son deuxième Oscar) avec Henry Fonda
• 1938 : Nuits de bal (The Sisters) d’Anatole Litvak avec Errol Flynn
• 1939 : Victoire sur la nuit (Dark Victory) d’ Edmund Goulding
• 1939 : Juarez de William Dieterle avec Paul Muni
• 1939 : La Vieille Fille (The Old maid) d’Edmund Goulding avec Miriam Hopkins
• 1939 : La Vie privée d’Élisabeth d’Angleterre (The Private Lives of Elizabeth and Essex) de Michael Curtiz avec Errol Flynn
• 1940 : If I Forget You – court métrage
• 1940 : L’Étrangère (All this and heaven too) d’Anatole Litvak avec Charles Boyer
• 1940 : La Lettre (The Letter) de William Wyler
• 1941 : Le Grand Mensonge (The Great lie) d’Edmund Goulding
• 1941 : Shining Victory d’Irving Rapper
• 1941 : Fiancée contre remboursement (The Bride Came C.O.D.) de William Keighley avec James Cagney
• 1941 : La Vipère (The Little Foxes) de William Wyler
• 1942 : L’Homme qui vint dîner (The man who came to dinner) de William Keighley
• 1942 : In this our life de John Huston avec Olivia de Havilland
• 1942 : Une femme cherche son destin (Now Voyager) d’Irving Rapper avec Paul Henreid et Claude Rains
• 1943 : Veille sur le Rhin (Watch on the Rhine) de Herman Shumlin
• 1943 : Remerciez votre bonne étoile (Thank your lucky stars) de David Butler
• 1943 : L’Impossible Amour (Old Acquaintance) de Vincent Sherman avec Miriam Hopkins
• 1944 : Femme aimée est toujours jolie (Mr. Skeffington) de Vincent Sherman avec Claude Rains
• 1944 : Hollywood Canteen (Hollywood Canteen) de Delmer Daves
• 1945 : Le blé est vert (The Corn is green) d’Irving Rapper
• 1946 : La Voleuse (A Stolen Life) de Curtis Bernhardt avec Glenn Ford
• 1946 : Jalousie (Déception) d’Irving Rapper avec Paul Henreid et Claude Rains
• 1948 : Rencontre d’hiver (Winter meeting) de Bretaigne Windust
• 1948 : La Mariée du dimanche (June bride) de Bretaigne Windust
• 1949 : La Garce (Beyond the Forest) de King Vidor (son dernier film aux Studios Warner) avec Joseph Cotten
• 1950 : Ève (All about Eve) de Joseph L. Mankiewicz avec Anne Baxter
• 1951 : L’Ambitieuse (Payment on demand) de Curtis Bernhardt
• 1951 : Jezebel (Another Man’s Poison) d’Irving Rapper
• 1952 : Appel d’un inconnu (Phone call from a stranger) de Jean Negulesco avec Shelley Winters
• 1952 : La Star (The Star) de Stuart Heisler
• 1955 : Le Seigneur de l’aventure (The Virgin Queen) de Henry Koster avec Joan Collins
• 1956 : Le Repas de noces (The Catered affair) de Richard Brooks
• 1956 : Au cœur de la tempête (Storm center) de Daniel Taradash
• 1959 : John Paul Jones, maître des mers (John Paul Jones) de John Farrow avec Robert Stack
• 1959 : Le Bouc émissaire (The Scapegoat) de Robert Hamer avec Alec Guinness
• 1961 : Milliardaire pour un jour (Pocketful of Miracles) de Frank Capra avec Glenn Ford
• 1962 : Qu’est-il arrivé à Baby Jane ? (What Ever Happened to Baby Jane?) de Robert Aldrich avec Joan Crawford
• 1963 : L’Ennui et sa diversion, l’érotisme (La noia) de Damiano Damiani avec Horst Buchholz
• 1964 : La mort frappe trois fois (Dead Ringer) de Paul Henreid
• 1964 : Rivalités (When love has gone) d’ Edward Dmytryk avec Susan Hayward
• 1964 : Chut… chut, chère Charlotte (Hush… Hush, Sweet Charlotte) de Robert Aldrich avec Olivia de Havilland
• 1965 : Confession à un cadavre (The Nanny) de Seth Holt
• 1968 : The Anniversary de Roy W. Baker
• 1970 : Chambres communicantes (Connecting rooms) de Franklin Gollings
• 1971 : Bunny O’Hare de Gerd Oswald
• 1972 : Madame Sin de David Greene
• 1972 : L’Argent de la vieille (Lo Scopone Scientifico) de Luigi Comencini avec Alberto Sordi et Silvana Mangano
• 1976 : Trauma (Burnt Offerings) de Dan Curtis
• 1978 : Les Visiteurs d’un autre monde (Return from Witch Mountain) de John Hough
• 1978 : Mort sur le Nil (Death on the Nile) de John Guillermin avec Peter Ustinov
• 1978 : The Children of Sanchez d’Hall Bartlett (non créditée)
• 1980 : Les Yeux de la forêt (Watcher in the woods) de John Hough
• 1982 : Un piano pour Madame Cimino (A Piano for Mrs. Cimino) de George Schaefer (TV)
• 1984 : La Foire des ténèbres de Jack Clayton
• 1987 : Les Baleines du mois d’août (The Whales of August) de Lindsay Anderson avec Lillian Gish
• 1989 : Ma belle-mère est une sorcière (Wicked Stepmother) de Larry Cohen

Télévision

• 1957 : The 20th Century-Fox Hour (série TV)
• 1957 : Schlitz Playhouse of Stars (série TV)
• 1957 : The Ford Television Theatre (série TV)
• 1957 : Telephone Time d’Arthur Hiller (série TV)
• 1957 : General Electric Theater (série TV) 2 épisodes (1957-1958)
• 1958 : Studio 57 (série TV)
• 1958 : Suspicion (série TV)
• 1959 : Alfred Hitchcock présente (The Alfred Hitchcock Hour) (série TV)
• 1959 : The DuPont Show with June Allyson (série TV)
• 1959 : La Grande Caravane (Wagon Train) (série TV) 3 épisodes (1959-1961)
• 1962 : Le Virginien (The Virginian) (série TV)
• 1963 : Perry Mason (série TV)
• 1966 : Gunsmoke (série TV)
• 1968 : Opération vol (It takes a thief) (série TV)
• 1972 : Un juge pas comme les autres (The Judge and Jake Wyler) de David Lowell Rich (téléfilm)
• 1973 : Scream, Pretty Peggy de Gordon Hessler (téléfilm)
• 1974 : Hello Mother, Goodbye! (téléfilm)
• 1976 : The Disappearance of Aimee de Anthony Harvey (téléfilm)
• 1977 : Laugh-In (série TV)
• 1978 : The Dark Secret of Harvest Home de Leo Penn (feuilleton TV)
• 1979 : Strangers: The Story of a Mother and Daughter de Milton Katselas (téléfilm)
• 1980 : White Mama de Jackie Cooper (téléfilm)
• 1980 : Skyward de Ron Howard (téléfilm)
• 1982 : Family Reunion de Fielder Cook (téléfilm)
• 1982 : Un piano pour Madame Cimino (A Piano for Mrs. Cimino) de George Schaefer (téléfilm)
• 1982 : Little Gloria… Happy at Last de Waris Hussein (téléfilm)
• 1983 : Hôtel (Hotel) de Jerry London (téléfilm)
• 1983 : Hôtel (Hotel) (série TV)
• 1983 : Right of Way de George Schaefer (téléfilm)
• 1985 : Jeux de glaces (Murder with Mirrors) de Dick Lowry (téléfilm)
• 1986 : Les Derniers beaux jours (As summers die) de Jean-Claude Tramont (téléfilm)

En tant que productrice

« B.D. Incorporated »

• 1946 : La Voleuse (A Stolen Life) de Curtis Bernhardt

Distinctions

• 1935 : Nomination Meilleure actrice pour L’Emprise
• 1936 : Lauréate de l’Oscar de la meilleure actrice pour L’Intruse
• 1939 : Lauréate de l’Oscar de la meilleure actrice pour L’Insoumise
• 1939 : Lauréate de la Volpi Cup de la meilleure actrice au Venice Film Festival pour Le Dernier Round
• 1939 : Lauréate de la Volpi Cup de la meilleure actrice au Venice Film Festival pour Femmes marquées
• 1939 : Nomination du prix de la meilleure actrice lors du New York Film Critics Circle Awards pour Victoire sur la nuit
• 1940 : Nomination Meilleure actrice pour Victoire sur la nuit
• 1941 : Nomination Meilleure actrice pour La Lettre
• 1941 : Lauréate du Golden Apple de la meilleure actrice lors du Film Society of Lincoln Center
• 1942 : Nomination Meilleure actrice pour La Vipère
• 1943 : Nomination Meilleure actrice pour Une femme cherche son destin
• 1945 : Nomination Meilleure actrice pour Femme aimée est toujours jolie
• 1950 : Lauréate du Prix de la meilleure actrice lors du New York Film Critics Circle Awards pour Ève
• 1951 : Lauréate du Prix d’interprétation féminine pour Ève
• 1951 : Nomination au prix de la meilleure actrice lors des Golden Globe pour Ève
• 1951 : Nomination Meilleure actrice pour Ève
• 1952 : Lauréate du prix Silver Ribbon de la meilleure actrice étrangère lors de l’Italian National Syndicate of Film Journalists pour Ève
• 1953 : Nomination Meilleure actrice pour The Star
• 1962 : Nomination au prix de la Meilleure actrice au Golden Globe pour Milliardaire d’un jour
• 1962 : Lauréate du prix de la Star Féminine la plus populaire lors des Photoplay Awards
• 1963 : Nomination Meilleure actrice pour Qu’est-il arrivé à Baby Jane ?
• 1963 : Nomination au prix de la Meilleure actrice au Golden Globe pour Qu’est-il arrivé à Baby Jane ?
• 1963 : Lauréate du Golden Apple de la meilleure actrice lors du Film Society of Lincoln Center
• 1963 : Nomination au prix de la meilleure actrice étrangère lors du BAFTA pour Qu’est-il arrivé à Baby Jane ?
• 1963 : Lauréate du prix Cecil B. DeMille Award lors des Golden Globe
• 1964 : Nomination au prix de la meilleure actrice au Laurel Awards pour Qu’est-il arrivé à Baby Jane ?
• 1965 : Nomination au prix Golden Laurel de la meilleure actrice au Laurel Awards
• 1965 : Lauréate du prix de la meilleure actrice au Laurel Awards pour Chut, chut, chère Charlotte
• 1977 : Lauréate du Golden Scroll de la meilleur actrice dans un second rôle lors des Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films pour Trauma
• 1977 : Lauréate du prix pour l’ensemble de sa carrière lors des American Film Institute
• 1979 : Lauréate du prix de la meilleure actrice dans une série limitée au Primetime Emmy Awards pour Strangers: The Story of a Mother and Daughter (1979) (TV)
• 1980 : Nomination au prix de la meilleure actrice dans une série limitée au Primetime Emmy Awards pour White Mama (1980) (TV)
• 1983 : Nomination au prix de la meilleure actrice dans une série limitée au Primetime Emmy Awards pour Little Gloria… Happy at Last (1982) (TV)
• 1983 : Lauréate du prix Golden Nymph lors des Festival Monte-Carlo TV pour Un piano pour Mrs. Cimino
• 1984 : Nomination prix de la meilleure actrice dans un drame au CableACE Awards pour Right of Way
• 1983 : Lauréate du prix César d’honneur lors des César
• 1986 : Lauréate du Crystal Award lors des Women in Film Crystal Awards
• 1987 : Nomination au prix de la meilleure actrice dans un film où une mini-série lors des CableACE Awards pour Les derniers beaux jours (1986) (TV)
• 1989 : Lauréate du Gala Tribute lors des Film Society of Lincoln Center
• 1989 : Lauréate du prix Donostia pour l’ensemble de sa carrière au Festival international du film de Saint-Sébastien

Doublage français

• Marie Francey dans :
  • Ève
  • Le Seigneur de l’aventure
  • Le Bouc émissaire
  • Milliardaire pour un jour
  • Qu’est-il arrivé à Baby Jane ?
  • La mort frappe trois fois
  • Les Visiteurs d’un autre monde
  • Les Yeux de la forêt

• Lita Recio dans :
  • La Vie privée d’Élisabeth d’Angleterre
  • La Vipère
  • Appel d’un inconnu
  • Rivalités
  • Mort sur le Nil
  • Mamie Blanche (téléfilm)
  • Jeux de glaces (téléfilm)

et aussi :

• Jacqueline Porel dans Un été 42
• Nathalie Nerval dans L’Argent de la vieille
• Paule Emanuele dans Madame Sin
• Denise Bosc dans La Lettre

Ruth Elizabeth “Bette” Davis (April 5, 1908 – October 6, 1989) was an American actress of film, television and theater. Regarded as one of the greatest actresses in cinema history, she was noted for her willingness to play unsympathetic, sardonic characters and was reputed for her performances in a range of film genres, from contemporary crime melodramas to historical and period films and occasional comedies, although her greatest successes were her roles in romantic dramas.[1]

After appearing in Broadway plays, Davis moved to Hollywood in 1930, but her early films for Universal Studios (and as loanout to other studios) were unsuccessful. She joined Warner Bros. in 1932 and established her career with several critically acclaimed performances. In 1937, she attempted to free herself from her contract and although she lost a well-publicized legal case, it marked the beginning of the most successful period of her career. Until the late 1940s, she was one of American cinema’s most celebrated leading ladies, known for her forceful and intense style. Davis gained a reputation as a perfectionist who could be highly combative, and confrontations with studio executives, film directors and costars were often reported. Her forthright manner, clipped vocal style and ubiquitous cigarette contributed to a public persona which has often been imitated and satirized.

Davis was the co-founder of the Hollywood Canteen, and was the first female president of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences. She won the Academy Award for Best Actress twice, was the first person to accrue 10 Academy Award nominations for acting, and was the first woman to receive a Lifetime Achievement Award from the American Film Institute. Her career went through several periods of eclipse, and she admitted that her success had often been at the expense of her personal relationships. Married four times, she was once widowed and thrice divorced, and raised her children as a single parent. Her final years were marred by a long period of ill health, but she continued acting until shortly before her death from breast cancer, with more than 100 films, television and theater roles to her credit. In 1999, Davis was placed second on the American Film Institute’s list of the greatest female stars of all time.

Life and career

Background and early acting career (1908–1929)

Ruth Elizabeth Davis, known from early childhood as “Betty,” was born in Lowell, Massachusetts, at 55 Cedar Street,[2] the daughter of Ruth Augusta “Ruthie” (née Favor), born in Tyngsboro, Massachusetts,[2] and Harlow Morrell Davis, a law student born in Augusta, Maine.[2] Her sister, Barbara Harriet “Bobby”, was born October 25, 1909 at 55 Ward Street in Somerville, Massachusetts, their father is now a patent attorney/lawyer.[3] The family was Protestant, of English, French, and Welsh ancestry. In 1915, Davis’s parents separated and Betty and Bobby attended a Spartan boarding school called Crestalban in Lanesborough, which is located in the Berkshires.[4] In 1921, Ruth Davis moved to New York City with her daughters, where she worked as a portrait photographer. Betty was inspired to become an actress after seeing Rudolph Valentino in The Four Horsemen of the Apocalypse (1921) and Mary Pickford in Little Lord Fauntleroy (1921),[5] and changed the spelling of her name to “Bette” after Honoré de Balzac‘s La Cousine Bette.[6] She received encouragement from her mother, who had aspired to become an actress.

She attended Cushing Academy, a boarding school in Ashburnham, Massachusetts, where she met her future husband, Harmon O. Nelson, known as “Ham.” In 1926, she saw a production of Henrik Ibsen‘s The Wild Duck with Blanche Yurka and Peg Entwistle. Davis later recalled that it inspired her full commitment to her chosen career, and said, “Before that Entwistle.”[7] She auditioned for admission to Eva LeGallienne‘s Manhattan Civic Repertory, but was rejected by LeGallienne who described her attitude as “insincere” and “frivolous.”[8] She was accepted by the John Murray Anderson School of Theatre, and studied dance with Martha Graham.

She auditioned for George Cukor‘s stock theater company, and although he was not very impressed, he gave Davis her first paid acting assignment anyway—a one-week stint playing the part of a chorus girl in the play Broadway. She was later chosen to play Hedwig, the character she had seen Entwistle play, in The Wild Duck. After performing in Philadelphia, Washington and Boston, she made her Broadway debut in 1929 in Broken Dishes, and followed it with Solid South. A Universal Studios talent scout saw her perform and invited her to Hollywood for a screen test.

Early years in Hollywood (1930–1936)

Accompanied by her mother, Davis traveled by train to Hollywood, arriving on December 13, 1930. She later recounted her surprise that nobody from the studio was there to meet her; a studio employee had waited for her, but left because he saw nobody who “looked like an actress.” She failed her first screen test but was used in several screen tests for other actors. In a 1971 interview with Dick Cavett, she related the experience with the observation, “I was the most Yankee-est, most modest virgin who ever walked the earth. They laid me on a couch, and I tested fifteen men … They all had to lie on top of me and give me a passionate kiss. Oh, I thought I would die. Just thought I would die.”[9] A second test was arranged for Davis, for the film A House Divided (1931). Hastily dressed in an ill-fitting costume with a low neckline, she was rebuffed by the director William Wyler, who loudly commented to the assembled crew, “What do you think of these dames who show their chests and think they can get jobs?”[10]

Carl Laemmle, the head of Universal Studios, considered terminating Davis’s employment, but cinematographer Karl Freund told him she had “lovely eyes” and would be suitable for The Bad Sister (1931), in which she subsequently made her film debut.[11] Her nervousness was compounded when she overheard the Chief of Production, Carl Laemmle, Jr., comment to another executive that she had “about as much sex appeal as Slim Summerville,” one of the film’s co-stars.[12] The film was not a success, and her next role in Seed (1931) was too brief to attract attention.

Universal Studios renewed her contract for three months, and she appeared in a small role in Waterloo Bridge (1931) before being lent to Columbia Pictures for The Menace and to Capital Films for Hell’s House (all 1932). After nine months, and six unsuccessful films, Laemmle elected not to renew her contract.

Davis was preparing to return to New York when actor George Arliss chose Davis for the lead female role in the Warner Brothers picture The Man Who Played God (1932), and for the rest of her life, Davis credited him with helping her achieve her “break” in Hollywood. The Saturday Evening Post wrote, “she is not only beautiful, but she bubbles with charm,” and compared her to Constance Bennett and Olive Borden.[13] Warner Bros. signed her to a five-year contract, and she remained with the studio for the next eighteen years, garnering great acclaim for herself as well as making a fortune for her employers.

In 1932, she married Harmon “Ham” Nelson, who was scrutinized by the press; his $100 a week earnings compared unfavorably with Davis’s reported $1,000 a week income. Davis addressed the issue in an interview, pointing out that many Hollywood wives earned more than their husbands, but the situation proved difficult for Nelson, who refused to allow Davis to purchase a house until he could afford to pay for it himself.[14] Davis had several abortions during the marriage.[15]

After more than 20 film roles, the role of the vicious and slatternly Mildred Rogers in the RKO Radio production of Of Human Bondage (1934), a film adaptation of W. Somerset Maugham‘s novel, earned Davis her first major critical acclaim. Many actresses feared playing unsympathetic characters and several had refused the role, but Davis viewed it as an opportunity to show the range of her acting skills. Her co-star, Leslie Howard, was initially dismissive of her, but as filming progressed his attitude changed and he subsequently spoke highly of her abilities. The director, John Cromwell, allowed her relative freedom, and commented, “I let Bette have her head. I trusted her instincts.” She insisted that she be portrayed realistically in her death scene, and said, “the last stages of consumption, poverty and neglect are not pretty and I intended to be convincing-looking.”[16]

The film was a success, and Davis’s confronting characterization won praise from critics, with Life magazine writing that she gave “probably the best performance ever recorded on the screen by a U.S. actress.”[17] Davis anticipated that her reception would encourage Warner Bros. to cast her in more important roles, and was disappointed when Jack Warner refused to lend her to Columbia Studios to appear in It Happened One Night, and instead cast her in the melodrama Housewife.[18] When Davis was not nominated for an Academy Award for Of Human Bondage, The Hollywood Citizen News questioned the omission and Norma Shearer, herself a nominee, joined a campaign to have Davis nominated. This prompted an announcement from the Academy president, Howard Estabrook, who said that under the circumstances “any voter … may write on the ballot his or her personal choice for the winners,” thus allowing, for the only time in the Academy’s history, the consideration of a candidate not officially nominated for an award.[19] Claudette Colbert won the award for It Happened One Night but the uproar led to a change in Academy voting procedures the following year, whereby nominations were determined by votes from all eligible members of a particular branch, rather than by a smaller committee,[20] with results independently tabulated by the accounting firm Price Waterhouse.[21]

Davis appeared in Dangerous (1935) as a troubled actress and received very good reviews. E. Arnot Robertson wrote in Picture Post, “I think Bette Davis would probably have been burned as a witch if she had lived two or three hundred years ago. She gives the curious feeling of being charged with power which can find no ordinary outlet.” The New York Times hailed her as “becoming one of the most interesting of our screen actresses.”[22] She won the Academy Award for Best Actress for the role, but commented it was belated recognition for Of Human Bondage, calling the award a “consolation prize.”[23] For the rest of her life, Davis maintained that she gave the statue its familiar name of “Oscar” because its posterior resembled that of her husband, whose middle name was Oscar,[24][25] although her claim has been disputed by the Academy of Motion Picture Arts and Sciences, among others.

In her next film, The Petrified Forest (1936), Davis co-starred with Leslie Howard and Humphrey Bogart, but Bogart, in his first important role, received most of the critics’ praise. Davis appeared in several films over the next two years but most were poorly received.

Legal case

Convinced that her career was being damaged by a succession of mediocre films, Davis accepted an offer in 1936 to appear in two films in Britain. Knowing that she was breaching her contract with Warner Bros., she fled to Canada to avoid legal papers being served upon her. Eventually, Davis brought her case to court in Britain, hoping to get out of her contract with Warner Bros.[26] She later recalled the opening statement of the barrister, Sir Patrick Hastings, who represented Warner Bros. Hastings urged the court to “come to the conclusion that this is rather a naughty young lady and that what she wants is more money.” He mocked Davis’s description of her contract as “slavery” by stating, incorrectly, that she was being paid $1,350 per week. He remarked, “if anybody wants to put me into perpetual servitude on the basis of that remuneration, I shall prepare to consider it.” The British press offered little support to Davis, and portrayed her as overpaid and ungrateful.[27]

Davis explained her viewpoint to a journalist, saying “I knew that, if I continued to appear in any more mediocre pictures, I would have no career left worth fighting for.”[28] Davis’s counsel presented her complaints—that she could be suspended without pay for refusing a part, with the period of suspension added to her contract, that she could be called upon to play any part within her abilities regardless of her personal beliefs, that she could be required to support a political party against her beliefs, and that her image and likeness could be displayed in any manner deemed applicable by the studio. Jack Warner testified, and was asked, “Whatever part you choose to call upon her to play, if she thinks she can play it, whether it is distasteful and cheap, she has to play it?” Warner replied, “Yes, she must play it.”[29] The case, decided by Branson J. in the English High Court, was reported as Warner Bros. Studios Incorporated v. Nelson in [1937] 1 KB 209. Davis lost the case and returned to Hollywood, in debt and without income, to resume her career. Olivia de Havilland mounted a similar case in 1943 and won.

Success with Warner Bros. (1937–1941)

Davis began work on Marked Woman (1937), as a prostitute in a contemporary gangster drama inspired by the case of Lucky Luciano. For her performance in the film she was awarded the Volpi Cup at the 1937 Venice Film Festival.[30] Her next picture was Jezebel (1938), and during production Davis entered a relationship with director William Wyler. She later described him as the “love of my life,” and said that making the film with him was “the time in my life of my most perfect happiness.”[31] The film was a success, and Davis’ performance as a spoiled Southern belle earned her a second Academy Award, which led to speculation in the press that she would be chosen to play a similar character, Scarlett O’Hara, in Gone with the Wind. Davis expressed her desire to play Scarlett, and while David O. Selznick was conducting a search for the actress to play the role, a radio poll named her as the audience favorite. Warners offered her services to Selznick as part of a deal that also included Errol Flynn and Olivia de Havilland, but Selznick did not consider Davis as suitable, and rejected the offer,[32] while Davis did not want Flynn cast as Rhett Butler.

Jezebel marked the beginning of the most successful phase of Davis’ career, and over the next few years she was listed in the annual “Quigley Poll of the Top Ten Money Making Stars,” which was compiled from the votes of movie exhibitors throughout the U.S. for the stars that had generated the most revenue in their theaters over the previous year.[33] In contrast to Davis’ success, her husband, Ham Nelson, had failed to establish a career for himself, and their relationship faltered. In 1938, Nelson obtained evidence that Davis was engaged in a sexual relationship with Howard Hughes and subsequently filed for divorce citing Davis’ “cruel and inhuman manner.”[34]

She was emotional during the making of her next film, Dark Victory (1939), and considered abandoning it until the producer Hal B. Wallis convinced her to channel her despair into her acting. The film became one of the highest grossing films of the year, and the role of Judith Traherne brought her an Academy Award nomination. In later years, Davis cited this performance as her personal favorite.[35] She appeared in three other box office hits in 1939, The Old Maid with Miriam Hopkins, Juarez with Paul Muni and The Private Lives of Elizabeth and Essex with Errol Flynn. The latter was her first color film and her only color film made during the height of her career. To play the elderly Elizabeth I of England, Davis shaved her hairline and eyebrows. During filming she was visited on the set by the actor Charles Laughton. She commented that she had a “nerve” playing a woman in her sixties, to which Laughton replied, “Never not dare to hang yourself. That’s the only way you grow in your profession. You must continually attempt things that you think are beyond you, or you get into a complete rut.” Recalling the episode many years later, Davis remarked that Laughton’s advice had influenced her throughout her career.[36]

By this time, Davis was Warner Bros.’ most profitable star, and she was given the most important of their female leading roles. Her image was considered with more care; although she continued to play character roles, she was often filmed in close-ups that emphasized her distinctive eyes. All This and Heaven Too (1940) was the most financially successful film of Davis’ career to that point, while The Letter (1940) was considered “one of the best pictures of the year” by The Hollywood Reporter, and Davis won admiration for her portrayal of an adulterous killer, a role originated by famed actress Katharine Cornell.[37] During this time, she was in a relationship with her former costar George Brent, who proposed marriage. Davis refused, as she had met Arthur Farnsworth, a New England innkeeper. Davis and Farnsworth were married at Home Ranch, in Lake Montezuma, Arizona, in December 1940.

In January 1941, Davis became the first female president of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences but antagonized the committee members with her brash manner and radical proposals. Faced with the disapproval and resistance of the committee, Davis resigned, and was succeeded by her predecessor Walter Wanger. Davis starred in three movies in 1941, the first being The Great Lie, opposite George Brent. It was a refreshingly different role for Davis, as she played a kind, sympathetic character. Brent tickled Davis during many of the film’s scenes, which allowed the audience, used to Davis’ strong-willed character, a rare glimpse of her succumbing to giggles and squirms.

William Wyler directed Davis for the third time in Lillian Hellman‘s The Little Foxes (RKO, 1941), but they clashed over the character of Regina Giddens. Taking a role originally played on stage by Tallulah Bankhead, Davis felt Bankhead’s original interpretation was appropriate and followed Hellman’s intent, but Wyler wanted her to soften the character. Davis refused to compromise. She received another Academy Award nomination for her performance, and never worked with Wyler again.

War effort and personal tragedy (1942–1944)

Following the attack on Pearl Harbor, Davis spent the early months of 1942 selling war bonds. After Jack Warner criticized her tendency to cajole crowds into buying, she reminded him that her audiences responded most strongly to her “bitch” performances. She sold two million dollars worth of bonds in two days, as well as a picture of herself in Jezebel for $250,000. She also performed for black regiments as the only white member of an acting troupe formed by Hattie McDaniel, which included Lena Horne and Ethel Waters.[38]

At John Garfield‘s suggestion of opening a servicemen’s club in Hollywood, Davis—with the aid of Warner, Cary Grant and Jule Styne—transformed an old nightclub into the Hollywood Canteen, which opened on October 3, 1942. Hollywood’s most important stars volunteered to entertain servicemen. Davis ensured that every night there would be a few important “names” for the visiting soldiers to meet.[39] She appeared as herself in the film Hollywood Canteen (1944), which used the canteen as the setting for a fictional story. Davis later commented, “There are few accomplishments in my life that I am sincerely proud of. The Hollywood Canteen is one of them.” In 1980, she was awarded the Distinguished Civilian Service Medal, the United States Department of Defense‘s highest civilian award, for her work with the Hollywood Canteen.[40]

Davis showed little interest in the film Now, Voyager (1942) until Hal Wallis advised her that female audiences needed romantic dramas to distract them from the reality of their lives. It became one of the best known of her “women’s pictures.” In one of the film’s most imitated scenes, Paul Henreid lights two cigarettes as he stares into Davis’ eyes and passes one to her. Film reviewers complimented Davis on her performance, the National Board of Review commenting that she gave the film “a dignity not fully warranted by the script.”[41]

During the early 1940s, several of Davis’ film choices were influenced by the war, such as Watch on the Rhine (1943), by Lillian Hellman, and Thank Your Lucky Stars (1943), a lighthearted all-star musical cavalcade, with each of the featured stars donating their fee to the Hollywood Canteen. Davis performed a novelty song, “They’re Either Too Young or Too Old,” which became a hit record after the film’s release. Old Acquaintance (1943) reunited her with Miriam Hopkins in a story of two old friends who deal with the tensions created when one of them becomes a successful novelist. Davis felt that Hopkins tried to upstage her throughout the film. Director Vincent Sherman recalled the intense competitiveness and animosity between the two actresses, and Davis often joked that she held back nothing in a scene in which she was required to shake Hopkins in a fit of anger.[42]

In August 1943, Davis’ husband, Arthur Farnsworth, collapsed while walking along a Hollywood street and died two days later. An autopsy revealed that his fall had been caused by a skull fracture he had suffered two weeks earlier. Davis testified before an inquest that she knew of no event that might have caused the injury. A finding of accidental death was reached. Highly distraught, Davis attempted to withdraw from her next film Mr. Skeffington (1944); but Jack Warner, who had halted production following Farnsworth’s death, convinced her to continue. Although she had gained a reputation for being forthright and demanding, her behavior during filming of Mr. Skeffington was erratic and out of character. She alienated Vincent Sherman by refusing to film certain scenes and insisting that some sets be rebuilt. She improvised dialogue, causing confusion among other actors, and infuriated the writer, Julius Epstein, who was called upon to rewrite scenes at her whim. Davis later explained her actions with the observation, “when I was most unhappy I lashed out rather than whined.” Some reviewers criticized Davis for the excess of her performance; James Agee wrote that she “demonstrates the horrors of egocentricity on a marathonic scale;”[43] but despite the mixed reviews, she received another Academy Award nomination.

Professional setbacks (1945–1949)

In 1945, Davis married artist William Grant Sherry, who also, when necessary, worked as a masseur. She had been drawn to him because he claimed he had never heard of her and was, therefore, not intimidated by her.[44] The same year, Davis refused the title role in Mildred Pierce (1945),[45] a role for which Joan Crawford won an Academy Award, and instead made The Corn Is Green (1945) based on a play by Emlyn Williams. Davis played Miss Moffat, an English teacher who saves a young Welsh miner (John Dall) from a life in the coal pits, by offering him education. The part had been played in the theatre by Ethel Barrymore, but Warner Bros. felt that the film version should depict the character as a younger woman. Davis disagreed and insisted on playing the part as written and wore a gray wig and padding under her clothes, to create a dowdy appearance.[46] The film was well received by critics and made a profit of $2.2 million.[47] The critic E. Arnot Robertson observed that “only Bette Davis . . . could have combated so successfully the obvious intention of the adaptors of the play to make frustrated sex the mainspring of the chief character’s interest in the young miner.” She concluded that “the subtle interpretation she insisted on giving” kept the focus on the teacher’s “sheer joy in imparting knowledge.”[48]

Her next film, A Stolen Life (1946), was the first and only film that Davis made with her own production company, BD Productions.[49] Davis played dual roles, as twins. The film received poor reviews and was described by Bosley Crowther as “a distressingly empty piece;”[50] but, with a profit of $2.5 million, it was one of her biggest box-office successes.[51] In 1947, the U.S. Treasury named Davis as the highest paid woman in the country,[52] with her share of the film’s profit accounting for most of her earnings. Her next film was Deception (1946), the first of her films to lose money.[53]

Possessed (1947) had been tailor-made for Davis[54] and was to have been her next project after Deception. However, she was pregnant and went on maternity leave. Joan Crawford played her role in Possessed and was nominated for an Academy Award as Best Actress. In 1947, at the age of 39, Davis gave birth to a daughter, Barbara Davis Sherry (known as B.D.) and later wrote in her memoir that she became absorbed in motherhood and considered ending her career. However, her relationship with Sherry began to deteriorate and she continued making films, but her popularity with audiences was steadily declining.[55]

Among the film roles offered to Davis following her return to film making was Rose Sayer in The African Queen (1951). When informed that the film was to be shot in Africa, Davis refused the part, telling Jack Warner, “If you can’t shoot the picture in a boat on the back lot, then I’m not interested.” Katharine Hepburn played the role and was nominated for an Academy Award as Best Actress.[56] Davis was also offered a role in a film version of the Virginia Kellogg prison drama Women Without Men. Originally intended to pair Davis with Joan Crawford, Davis made it clear that she would not appear in any “dyke movie.” It was filmed as Caged (1950), and the lead roles were played by Eleanor Parker (who was nominated for an Academy Award as Best Actress) and Agnes Moorehead.[57] She lobbied Jack Warner to make two films, Ethan Frome and a biography of Mary Todd Lincoln; however, Warner vetoed each proposal.

In 1948, Davis was cast in the melodrama Winter Meeting; and, although she was initially enthusiastic, she soon learned that Warner had arranged for “softer” lighting to be used to disguise her age. She recalled that she had seen the same lighting technique “on the sets of Ruth Chatterton and Kay Francis, and I knew what they meant.”[58] She began to regret accepting the role; and, to add to her disappointment, she was not confident in the abilities of her leading man, James Davis in his first major screen role. She disagreed with amendments made to the script because of censorship restrictions and found that many of the aspects of the role that had initially appealed to her had been cut. The film was later described by Bosley Crowther as “interminable;” and he noted that “of all the miserable dilemmas in which Miss Davis has been involved … this one is probably the worst”. It failed at the box office, and the studio lost nearly one million dollars.[59]

While making June Bride (1948), Davis clashed with co-star Robert Montgomery, later describing him as “a male Miriam Hopkins… an excellent actor, but addicted to scene-stealing.”[60] The film marked her first comedy in several years and earned her some positive reviews; but it was not particularly popular with audiences and returned only a small profit. Despite the lackluster box office receipts from her more recent films, in 1949, she negotiated a four-film contract with Warner Bros., which paid $10,285 per week and made her the highest-paid woman in the United States.[61] Jack Warner refused to allow her script approval, however, and cast her in Beyond the Forest (1949). Davis reportedly loathed the script and begged Warner to recast the role, but he refused. After the film was completed, Warner released Davis from her contract, at her request. The reviews that followed were scathing; Dorothy Manners writing for the Los Angeles Examiner described the film as “an unfortunate finale to her brilliant career.” [62] Hedda Hopper wrote, “If Bette had deliberately set out to wreck her career, she could not have picked a more appropriate vehicle.”[63] The film contained the line, “What a dump!,” which became closely associated with Davis after it was referenced in Edward Albee‘s Who’s Afraid of Virginia Woolf?, and impersonators began to use it in their acts. In later years, Davis often used it as her opening line at speaking engagements.

Starting a freelance career (1949–1960)

By 1949, Davis and Sherry were estranged and Hollywood columnists were writing that Davis’ career was at an end. She filmed The Story of a Divorce (released by RKO Radio Pictures in 1951 as Payment on Demand) but had received no other offers. Shortly before filming was completed, the producer Darryl F. Zanuck offered her the role of the aging theatrical actress Margo Channing in All About Eve (1950). Claudette Colbert, for whom the part had been written, had severely injured her back, and she was unable to continue. Davis read the script, described it as the best she had ever read, and accepted the role. Within days she joined the cast in San Francisco to begin filming. During production, she established what would become a lifelong friendship with her co-star, Anne Baxter, and a romantic relationship with her leading man, Gary Merrill, which led to marriage. The film’s director Joseph L. Mankiewicz later remarked, “Bette was letter perfect. She was syllable-perfect. The director’s dream: the prepared actress.”[64]

Critics responded positively to Davis’ performance and several of her lines became well-known, particularly, “Fasten your seatbelts, it’s going to be a bumpy night.” She was again nominated for an Academy Award and critics such as Gene Ringgold described her Margo as her “all-time best performance.”[65] Pauline Kael wrote that much of Mankiewicz’ vision of “the theater” was “nonsense” but commended Davis, writing “[the film is] saved by one performance that is the real thing: Bette Davis is at her most instinctive and assured. Her actress—vain, scared, a woman who goes too far in her reactions and emotions—makes the whole thing come alive.”[66] Davis won a Best Actress award from the Cannes Film Festival, and the New York Film Critics Circle Award. She also received the San Francisco Film Critics Circle Award as “Best Actress”, having been named by them as the “Worst Actress” of 1949 for Beyond the Forest. During this time she was invited to leave her handprints in the forecourt of Grauman’s Chinese Theatre.

On July 3, 1950 Davis’ divorce from William Sherry was finalized, and on July 28 she married Gary Merrill. With Sherry’s consent, Merrill adopted B.D., Davis’ daughter with Sherry, and in 1950, Davis and Merrill adopted a baby girl they named Margot. The family traveled to England, where Davis and Merrill starred in a murder-mystery film, Another Man’s Poison (1951). When it received lukewarm reviews and failed at the box office, Hollywood columnists wrote that Davis’ comeback had petered out, and an Academy Award nomination for The Star (1952) did not halt her decline.

Davis and Merrill adopted a baby boy, Michael, in 1952, and Davis appeared in a Broadway revue, Two’s Company directed by Jules Dassin. She was uncomfortable working outside of her area of expertise; she had never been a musical performer and her limited theater experience had been more than 20 years earlier. She was also severely ill and was operated on for osteomyelitis of the jaw. Margot was diagnosed as severely brain damaged due to an injury sustained during or shortly after her birth, and was eventually placed in an institution. Davis and Merrill began arguing frequently, with B.D. later recalling episodes of alcohol abuse and domestic violence.[67]

Few of Davis’ films of the 1950s were successful and many of her performances were condemned by critics. The Hollywood Reporter wrote of mannerisms “that you’d expect to find in a nightclub impersonation of [Davis],” while the London critic, Richard Winninger, wrote, “Miss Davis, with more say than most stars as to what films she makes, seems to have lapsed into egoism. The criterion for her choice of film would appear to be that nothing must compete with the full display of each facet of the Davis art. Only bad films are good enough for her.”[68] Her films of this period included The Virgin Queen (1955), Storm Center (1956), and The Catered Affair (1956). As her career declined, her marriage continued to deteriorate until she filed for divorce in 1960. The following year, her mother died. During the same time, she tried television, appearing in three episodes of the popular NBC western Wagon Train as three different characters in 1959 and 1961; her first appearance on TV had been 25 February 1956, on General Electric Theatre.[69]

Renewed success (1961–1970)

In 1961, Davis opened in the Broadway production The Night of the Iguana to mostly mediocre reviews, and left the production after four months due to “chronic illness.” She then joined Glenn Ford and Ann-Margret for the Frank Capra film A Pocketful of Miracles (1961) (a remake of Capra’s 1933 film, Lady for a Day), based on a story by Damon Runyon. She accepted her next role, in the Grand Guignol horror film What Ever Happened to Baby Jane? (1962) after reading the script and believing it could appeal to the same audience that had recently made Alfred Hitchcock‘s Psycho (1960) a success. She negotiated a deal that would pay her 10 percent of the worldwide gross profits, in addition to her salary. The film became one of the year’s biggest successes.[70]

Davis and Joan Crawford played two aging sisters, former actresses forced by circumstance to share a decaying Hollywood mansion. The director, Robert Aldrich, explained that Davis and Crawford were each aware of how important the film was to their respective careers and commented, “It’s proper to say that they really detested each other, but they behaved absolutely perfectly.”[71] After filming was completed, their public comments against each other allowed the tension to develop into a lifelong feud. When Davis was nominated for an Academy Award, Crawford contacted the other Best Actress nominees (who were unable to attend the ceremonies) and offered to accept the award on their behalf should they win. Davis also received her only BAFTA Award nomination for this performance. Daughter Barbara (credited as B. D. Merrill) played a small role in the film and when she and Davis visited the Cannes Film Festival to promote it, she met Jeremy Hyman, an executive for Seven Arts Productions. After a short courtship, she married Hyman at the age of 16, with Davis’ permission.

In early 1963 while Raymond Burr was recovering from surgery, Davis guest starred in the first of four episodes of Perry Mason, with Burr doing only cameo roles. She portrayed a recently widowed attorney who defended Cal Leonard accused of murdering his cousin in “The Case of Constant Doyle.” In court she exposed her personal secretary, Miss Givney, played by Frances Reid, as the murderer. Davis portrayed the title character in that episode.

In September 1962, Davis placed an advertisement in Variety under the heading of “Situations wanted—women artists,” which read, “Mother of three—10, 11 & 15—divorcee. American. Thirty years experience as an actress in Motion Pictures. Mobile still and more affable than rumor would have it. Wants steady employment in Hollywood. (Has had Broadway).”[72] Davis said that she intended it as a joke, and she sustained her comeback over the course of several years. Dead Ringer (1964) was a crime drama in which she played twin sisters and Where Love Has Gone (1964) was a romantic drama based on a Harold Robbins novel. Davis played the mother of Susan Hayward but filming was hampered by heated arguments between Davis and Hayward.[73] Hush… Hush, Sweet Charlotte (1964) was Robert Aldrich’s follow-up to What Ever Happened to Baby Jane?, in which he planned to reunite Davis and Crawford, but when Crawford withdrew allegedly due to illness soon after filming began, she was replaced by Olivia de Havilland. The film was a considerable success and brought renewed attention to its veteran cast, which also included Joseph Cotten, Mary Astor and Agnes Moorehead. The following year, Davis was cast as the lead in an Aaron Spelling sitcom, The Decorator.[74] A pilot episode was filmed, but was not shown, and the project was terminated. By the end of the decade, Davis had appeared in the British films The Nanny (1965), The Anniversary (1968), and Connecting Rooms (1970), but her career again stalled.

Late career (1971–1983)

In the early 1970s, Davis was invited to appear in New York, in a stage presentation, Great Ladies of the American Cinema. Over five successive nights, a different female star discussed her career and answered questions from the audience; Myrna Loy, Rosalind Russell, Lana Turner, Sylvia Sidney, and Joan Crawford were the other participants. Davis was well received and was invited to tour Australia with the similarly themed, Bette Davis in Person and on Film, and its success allowed her to take the production to the United Kingdom.[75]

In 1972, she played the lead role in two television films that were each intended as pilots for upcoming series for NBC, Madame Sin with Robert Wagner, and The Judge and Jake Wyler, with Joan Van Ark, but in each case, NBC decided against producing a series. She appeared in the stage production, Miss Moffat, a musical adaptation of her film The Corn is Green, but after the show was panned by the Philadelphia critics during its pre-Broadway run, she cited a back injury and abandoned the show, which closed immediately. She played supporting roles in Burnt Offerings (1976) and The Disappearance of Aimee (1976), but clashed with Karen Black and Faye Dunaway, the stars of the two respective productions, because she felt that neither extended her an appropriate degree of respect, and that their behavior on the film sets was unprofessional.[76]

In 1977, Davis became the first woman to receive the American Film Institute‘s Lifetime Achievement Award. The televised event included comments from several of Davis’s colleagues including William Wyler who joked that given the chance Davis would still like to refilm a scene from The Letter to which Davis nodded. Jane Fonda, Henry Fonda, Natalie Wood and Olivia de Havilland were among the performers who paid tribute, with de Havilland commenting that Davis “got the roles I always wanted”.[77] Following the telecast she found herself in demand again, often having to choose between several offers. She accepted roles in the television miniseries The Dark Secret of Harvest Home (1978) and the theatrical film Death on the Nile (1978), an Agatha Christie murder mystery. The bulk of her remaining work was for television. She won an Emmy Award for Strangers: The Story of a Mother and Daughter (1979) with Gena Rowlands, and was nominated for her performances in White Mama (1980) and Little Gloria… Happy at Last (1982). She also played supporting roles in two Disney films, Return from Witch Mountain (1978) and The Watcher in the Woods (1980).

Davis’ name became well-known to a younger audience when Kim Carnes‘ song “Bette Davis Eyes” (written by Jackie DeShannon) became a worldwide hit and the best-selling record of 1981 in the U.S., where it stayed at number one on the music charts for more than two months. Davis’s grandson was impressed that she was the subject of a hit song and Davis considered it a compliment, writing to both Carnes and the songwriters, and accepting the gift of gold and platinum records from Carnes, and hanging them on her wall.[78][79] She continued acting for television, appearing in Family Reunion (1981) opposite her grandson J. Ashley Hyman, A Piano for Mrs. Cimino (1982) and Right of Way (1983) with James Stewart. In 1983, she was awarded the Women in Film Crystal Award.[80]

Illness, conflict and death (1983–1989)

In 1983, after filming the pilot episode for the television series Hotel, Davis was diagnosed with breast cancer and underwent a mastectomy. Within two weeks of her surgery she suffered four strokes which caused paralysis in the left side of her face and in her left arm, and left her with slurred speech. She commenced a lengthy period of physical therapy and, aided by her personal assistant, Kathryn Sermak, gained partial recovery from the paralysis.

During this time, her relationship with her daughter, B. D. Hyman, deteriorated when Hyman became a born-again Christian and attempted to persuade Davis to follow suit. With her health stable, she traveled to England to film the Agatha Christie mystery Murder with Mirrors (1985). Upon her return, she learned that Hyman had published a memoir, My Mother’s Keeper, in which she chronicled a difficult mother-daughter relationship and depicted scenes of Davis’ overbearing and drunken behavior. Several of Davis’ friends commented that Hyman’s depictions of events were not accurate; one said, “so much of the book is out of context.” Mike Wallace rebroadcast a 60 Minutes interview he had filmed with Hyman a few years earlier in which she commended Davis on her skills as a mother, and said that she had adopted many of Davis’ principles in raising her own children. Critics of Hyman noted that Davis had financially supported the Hyman family for several years and had recently saved them from losing their house. Despite the acrimony of their divorce years earlier, Gary Merrill also defended Davis. Interviewed by CNN, Merrill said that Hyman was motivated by “cruelty and greed.” Davis’ adopted son, Michael Merrill, ended contact with Hyman and refused to speak to her again, as did Davis, who also disinherited her.[81]

In her second memoir, This ‘N That (1987), Davis wrote, “I am still recovering from the fact that a child of mine would write about me behind my back, to say nothing about the kind of book it is. I will never recover as completely from B.D.’s book as I have from the stroke. Both were shattering experiences.” Her memoir concluded with a letter to her daughter, in which she addressed her several times as “Hyman,” and described her actions as “a glaring lack of loyalty and thanks for the very privileged life I feel you have been given”. She concluded with a reference to the title of Hyman’s book, “If it refers to money, if my memory serves me right, I’ve been your keeper all these many years. I am continuing to do so, as my name has made your book about me a success.”[82]

Davis appeared in the television film As Summers Die (1986) and Lindsay Anderson‘s film The Whales of August (1987), in which she played the blind sister of Lillian Gish. The film earned good reviews, with one critic writing, “Bette crawls across the screen like a testy old hornet on a windowpane, snarling, staggering, twitching—a symphony of misfired synapses.”[83] Her last performance was the title role in Larry Cohen‘s Wicked Stepmother (1989). By this time her health was failing, and after disagreements with Cohen she walked off the set. The script was rewritten to place more emphasis on Barbara Carrera‘s character, and the reworked version was released after Davis’ death.

After abandoning Wicked Stepmother and with no further film offers (though she was keen to play the centenarian in Craig Calman’s The Turn Of The Century and worked with him on adapting the stage play to a feature length screenplay), Davis appeared on several talk shows and was interviewed by Johnny Carson, Joan Rivers, Larry King and David Letterman, discussing her career but refusing to discuss her daughter. Her appearances were popular; Lindsay Anderson observed that the public enjoyed seeing her behaving “so bitchy.” He commented, “I always disliked that because she was encouraged to behave badly. And I’d always hear her described by that awful word, feisty.”[84]

During 1988 and 1989, Davis was fêted for her career achievements, receiving the Kennedy Center Honor, the Legion of Honor from France, the Campione d’Italia from Italy and the Film Society of Lincoln Center Lifetime Achievement Award. She collapsed during the American Cinema Awards in 1989 and later discovered that her cancer had returned. She recovered sufficiently to travel to Spain where she was honored at the Donostia-San Sebastián International Film Festival, but during her visit her health rapidly deteriorated. Too weak to make the long journey back to the U.S., she traveled to France where she died on October 6, 1989, at 11:20 pm, at the American Hospital in Neuilly-sur-Seine. Davis was 81 years old. She was interred in Forest Lawn—Hollywood Hills Cemetery in Los Angeles, alongside her mother, Ruthie, and sister, Bobby, with her name in larger type size. On her tombstone is written: “She did it the hard way,” an epitaph that she mentioned in her memoir Mother Goddam as having been suggested to her by Joseph L. Mankiewicz shortly after they had filmed All About Eve.[85]

Reception and legacy

As early as 1936, Graham Greene summed Davis up: “Even the most inconsiderable film … seemed temporarily better than they were because of that precise, nervy voice, the pale ash-blond hair, the popping, neurotic eyes, a kind of corrupt and phosphorescent prettiness …. I would rather watch Miss Davis than any number of competent pictures.”

In 1964, Jack Warner spoke of the “magic quality that transformed this sometimes bland and not beautiful little girl into a great artist,”[85] and in a 1988 interview, Davis remarked that, unlike many of her contemporaries, she had forged a career without the benefit of beauty.[86] She admitted she was terrified during the making of her earliest films and that she became tough by necessity. “Until you’re known in my profession as a monster, you are not a star,” she said, “[but] I’ve never fought for anything in a treacherous way. I’ve never fought for anything but the good of the film.”[87] During the making of All About Eve, (1950) Joseph L. Mankiewicz told her of the perception in Hollywood that she was difficult, and she explained that when the audience saw her on screen, they did not consider that her appearance was the result of numerous people working behind the scenes. If she was presented as “a horse’s ass … forty feet wide, and thirty feet high,” that is all the audience “would see or care about.”[88]

While lauded for her achievements, Davis and her films were sometimes derided; Pauline Kael described Now, Voyager (1942) as a “shlock classic,”[89] and by the mid-1940s her sometimes mannered and histrionic performances had become the subject of caricature. Edwin Schallert for the Los Angeles Times praised Davis’s performance in Mr. Skeffington (1944), while observing, “the mimics will have more fun than a box of monkeys imitating Miss Davis,” and Dorothy Manners at the Los Angeles Examiner said of her performance in the poorly received Beyond the Forest (1949), “no night club caricaturist has ever turned in such a cruel imitation of the Davis mannerisms as Bette turns on herself in this one.” Time magazine noted that Davis was compulsively watchable even while criticizing her acting technique, summarizing her performance in Dead Ringer (1964) with the observation, “her acting, as always, isn’t really acting: it’s shameless showing off. But just try to look away!”[90]

She attracted a following in the gay subculture[91] and was frequently imitated by female impersonators such as Tracey Lee and Charles Pierce.[92] Attempting to explain her popularity with gay audiences, the journalist Jim Emerson wrote, “Was she just a camp figurehead because her brittle, melodramatic style of acting hadn’t aged well? Or was it that she was ‘Larger Than Life,’ a tough broad who had survived? Probably some of both.”[86]

Davis’s film choices were often unconventional; she sought roles as manipulators and killers in an era when actresses usually preferred to play sympathetic characters, and she excelled in them. She favored authenticity over glamour and was willing to change her own appearance if it suited the character. Claudette Colbert commented that Davis was the first actress to play roles older than herself, and therefore did not have to make the difficult transition to character parts as she aged.[87]

As she entered old age, Davis was acknowledged for her achievements. John Springer, who had arranged her speaking tours of the early 1970s, wrote that despite the accomplishments of many of her contemporaries, Davis was “the star of the thirties and into the forties,” achieving notability for the variety of her characterizations and her ability to assert herself, even when her material was mediocre.[93] Individual performances continued to receive praise; in 1987, Bill Collins analyzed The Letter (1940), and described her performance as “a brilliant, subtle achievement,” and wrote, “Bette Davis makes Leslie Crosbie one of the most extraordinary females in movies.”[94] In a 2000 review for All About Eve, (1950) Roger Ebert noted, “Davis was a character, an icon with a grand style, so even her excesses are realistic.”[95] In 2006, Premiere magazine ranked her portrayal of Margo Channing in the film as fifth on their list of “100 Greatest Performances of All Time,” commenting, “There is something deliciously audacious about her gleeful willingness to play such unattractive emotions as jealousy, bitterness, and neediness.”[96] While reviewing What Ever Happened to Baby Jane? (1962) in 2008, Ebert asserted that “no one who has seen the film will ever forget her.”[97]

A few months before her death in 1989, Davis was one of several actors featured on the cover of Life magazine. In a film retrospective that celebrated the films and stars of 1939, Life concluded that Davis was the most significant actress of her era, and highlighted Dark Victory (1939) as one of the most-important films of the year.[98] Her death made front-page news throughout the world as the “close of yet another chapter of the Golden Age of Hollywood.” Angela Lansbury summed up the feeling of those of the Hollywood community who attended her memorial service, commenting after a sample from Davis’s films were screened, that they had witnessed “an extraordinary legacy of acting in the twentieth century by a real master of the craft,” that should provide “encouragement and illustration to future generations of aspiring actors.”[99]

In 1977, Davis became the first woman to be honored with the AFI Life Achievement Award.[100] In 1999, the American Film Institute published its list of the “AFI’s 100 Years… 100 Stars,” which was the result of a film-industry poll to determine the “50 Greatest American Screen Legends” in order to raise public awareness and appreciation of classic film. Of the 25 actresses listed, Davis was ranked at number two, behind Katharine Hepburn.[101]

The United States Postal Service honored Davis with a commemorative postage stamp in 2008, marking the 100th anniversary of her birth.[102] The stamp features an image of her in the role of Margo Channing in All About Eve (1950). The First Day of Issue celebration took place September 18, 2008, at Boston University, which houses an extensive Bette Davis archive. Featured speakers included her son Michael Merrill and Lauren Bacall.

In 1997, the executors of her estate, Michael Merrill, her son, and Kathryn Sermak, her former assistant, established “The Bette Davis Foundation” which awards college scholarships to promising actors and actresses.[40]

Davis told Johnny Carson in a 1983 interview on The Tonight Show that as an actress, she wanted to be remembered as being a “good worker.”

Academy Awards milestones

In 1962 Bette Davis became the first person to secure ten Academy Award nominations for acting. Since then only four people have equalled or surpassed this figure, Meryl Streep (with eighteen nominations and three wins), Katharine Hepburn (twelve nominations and four wins), Jack Nicholson (twelve nominations and three wins) and Laurence Olivier (ten nominations and one win).[103]

Steven Spielberg purchased Davis’s Oscars for Dangerous (1935) and Jezebel (1938) when they were offered for auction for $207,500 and $578,000, respectively, and returned them to the Academy of Motion Picture Arts and Sciences.[104][105]

• 1934: Davis’s performance in Of Human Bondage (1934) was widely acclaimed and when she was not nominated for an Academy Award, several influential people mounted a campaign to have her name included. The Academy relaxed its rules for that year only to allow for the consideration of any performer nominated in a write-in vote; therefore, any performance of the year was technically eligible for consideration. Given the well-publicized hoopla, some sources still consider this as a nomination for Davis; however, the Academy does not officially record this as a nomination.[19]
• 1935: Won for Dangerous
• 1938: Won for Jezebel
• 1939: Nominated for Dark Victory
• 1940: Nominated for The Letter
• 1941: Nominated for The Little Foxes
• 1942: Nominated for Now, Voyager
• 1944: Nominated for Mr. Skeffington
• 1950: Nominated for All About Eve
• 1952: Nominated for The Star
• 1962: Nominated for What Ever Happened to Baby Jane?

Selected filmography

Wiki

Joan Crawford, de son vrai nom Lucille Fay LeSueur, est une actrice et une productrice américaine née le 23 mars 19051 à San Antonio au Texas, morte le 10 mai 1977 à New York.

Joan Crawford est l’une des stars les plus symboliques de l’âge d’or d’Hollywood. Sa carrière couvre, sur plus de quarante ans, les différentes époques des grands studios américains. Elle joua les filles délurées (les « flappers ») des années folles, les jeunes femmes arrivistes dans les années 1930, les femmes victimes dans des mélodrames des années 1940 et 1950.

Elle obtient un Oscar en 1945 pour Le Roman de Mildred Pierce.

Elle a été l’une des actrices américaines dont l’étoile a brillé le plus longtemps et l’une des rares vedettes du muet qui soit demeurée encore une grande star au cours des années 19602.

Biographie

Les débuts

D’origine modeste et de parents séparés avant sa naissance, Lucille Fay LeSueur se passionne pour la scène et le spectacle dès son plus jeune âge (son beau-père, qui quitte également sa mère, est propriétaire d’un théâtre à Lawton en Oklahoma). Elle adopte, en même temps que le pseudonyme de son beau-père, un nom de scène : Billie Cassin.

Âgée d’à peine douze ans, elle effectue divers travaux ménagers, elle travaille dans une blanchisserie puis comme vendeuse et comme serveuse de restaurant. Battue par ses proches et humiliée dans sa vie quotidienne, la jeune femme ravale sa fierté et n’a qu’une idée en tête: sortir de la misère. Elle cultive sa passion, la danse, et continue à prendre des cours et passer des castings.

Elle finit par devenir girl dans une troupe de théâtre et reprend son nom de Lucille LeSueur. Elle se produit successivement dans un hôtel de Kansas City en 1921, dans la revue d’Ernie Young à Chicago en 1923, à Détroit puis à Broadway en 1924 où elle devient spécialiste des danses à la mode (le charleston et le black bottom). Après un an de mariage, elle divorce de son premier mari, James Welton en 1924. C’est en gagnant un concours de danse qu’elle se fait remarquer par un responsable de la Metro-Goldwyn-Mayer, Harry Rapf, qui lui propose de tenter sa chance au cinéma en lui faisant passer un test3.

Les années MGM

Elle commence à 17 dollars la semaine pour la MGM, double Norma Shearer4 qui deviendra sa rivale attitrée et multiplie les figurations. Elle tourne en 1925 dans Pretty Ladies et obtient son premier rôle important dans Vieux Habits, Vieux Amis.

Mais son nom ne convient pas : un concours national est lancé pour lui trouver un pseudonyme et la voilà rebaptisée Joan Crawford3. La transformation peut commencer.

Elle tourne dans plus de vingt films muets en quatre ans dont Plein les bottes avec Harry Langdon, L’Inconnu de Tod Browning avec Lon Chaney, Un soir à Singapour avec Ramon Novarro. Ambitieuse et impatiente de réussir, elle veut progresser. Elle assiste à d’autres tournages, elle fréquente leurs réalisateurs et les stars de l’époque, mais ça n’avance pas assez vite à son goût. « Comment décrocher un bon rôle quand Norma Shearer couche avec le patron ? » dira Joan. Norma Shearer était en effet mariée à Irving Thalberg, le grand producteur de la MGM.

Elle trouve enfin le succès et la consécration en danseuse de night-club dans Les Nouvelles Vierges d’Harry Beaumont, rôle qu’elle « chipe » à Clara Bow. Film symbolique sur l’ère du jazz qui bat alors son plein, elle y incarne une jeune fille « moderne », cheveux courts, buvant sec et changeant de partenaires masculins avec désinvolture. Elle y gagne ses galons de star !

Dès lors Louis B. Mayer, le directeur de la MGM, la bichonne et lui achète une maison et une voiture de luxe. La transformation continue, on la coule dans un moule et on lui crée une image de toutes pièces. Les esthéticiennes des studios se mettent au travail. « …Elle copie l’allure de Gloria Swanson et se fait la bouche de Mae Murray. Elle accentue le relief de ses pommettes, épile et arque ses sourcils. Elle subit des interventions chirurgicales à la mâchoire pour redresser ses dents. Elle se soumet à des régimes stricts et à un entraînement physique sévère. »3 Elle est confiée aux bons soins du brillant costumier Adrian, qui se charge, en 1929, de créer le style « Crawford » : glamour et sexy. Jusqu’en 1943, il dessina toutes ses toilettes à l’écran et presque toutes celles qu’elle porta à la ville3. Il dira d’elle : « Joan est quelqu’un de très hardi et de très déterminé. C’est pourquoi elle est copiée. Il n’y a rien de négatif chez elle. Alors des milliers de femmes sont forcées de l’imiter, non seulement parce qu’elles sont persuadées qu’elles peuvent lui ressembler mais aussi parce qu’elles espèrent pouvoir acquérir ce tempérament positif qui contribue à son rayonnement. » 5 Un jour, enfin, elle se « trouve » : lèvres charnues soulignées d’un rouge à lèvres agressif, œil et cils maquillés de façon à approfondir le regard, sourcils épais. Elle sera transformée en une des plus grandes légendes de l’écran noir et blanc par la grâce de la machine à fabriquer les stars qu’est la MGM.

En 1929, elle passe avec succès « l’examen » du parlant avec Indomptée de Jack Conway. À cette époque, Joan est l’épouse de Douglas Fairbanks Jr., relation qui fait les choux gras de la presse du cœur. Grâce à lui, elle pénètre dans les milieux les plus fermés de la haute société hollywoodienne. Bien que les célèbres parents de son mari, Mary Pickford et Douglas Fairbanks, n’approuvent pas leur mariage, on voit souvent Joan à Pickfair, le domaine des Fairbanks, haut lieu du « beau monde » cinématographique4.

Des rôles tels que ceux de Greta Garbo et Norma Shearer l’attirent : aussi quand cette dernière, enceinte, doit s’arrêter6, Joan prend sa place dans Paid en 1930. Joan gagne alors autant d’argent que ses deux stars rivales de la MGM. Garbo fut d’ailleurs troublée par cette jeune star risquant de l’éclipser7, dans le film d’Edmund Goulding de 1932, Grand Hotel, réunissant quelques-unes des plus grandes stars de la MGM et où Joan Crawford prouve que son jeu peut rivaliser avec celui de Garbo.

Au moment de la « Grande Dépression » des années 1930, Joan incarne dans une série de films des personnages « au quotidien » auxquels les spectateurs peuvent s’identifier, contrairement aux inaccessibles stars du muet. Ce sont des rôles de jeunes vendeuses ou d’employées faisant leur chemin dans la vie malgré les difficultés, et qui atteignent un niveau social élevé tout en vivant dans le regret et le remords d’avoir renié leurs origines modestes, dans des films comme : Fascination (Possessed, 1931) de Clarence Brown avec Clark Gable, Le Tourbillon de la danse (1933) de Robert Z. Leonard avec de nouveau Clark Gable, Vivre et aimer (1934) de Clarence Brown et surtout le magnifique Mannequin (1937) de Frank Borzage avec Spencer Tracy (avec qui elle aura une liaison brève et torride) 8. Dans ce rôle, Joan Crawford donne une de ses meilleures interprétations.

Pendant cette période, elle forme avec Clark Gable le couple idéal et explosif de la MGM. « […] M. Mayer avait flairé dans le courant qui passait entre Clark et moi la possibilité de réaliser un gros boom financier […] Les films que nous tournions faisaient tous recette… »9 Ils jouèrent ensemble dans huit films, de genres variés : des mélodrames comme La Pente, leur premier film ensemble, La Pécheresse, Fascination (Possessed) ; un drame sentimental La Passagère ; un film musical Le Tourbillon de la danse ; des comédies légères Souvent femme varie, Loufoque et Cie et même un film d’aventure carcérale Le Cargo maudit. L’actrice évoquera également une liaison avec l’acteur9.

Ayant divorcé de Douglas Fairbanks Jr. en 1933, elle épouse l’acteur Franchot Tone en 1935, qu’elle impose dans plusieurs de ses films.

Mais la magnifique mécanique s’enraye4 et à la fin des années 1930 le succès n’est plus au rendez-vous4. Trop cantonnée dans des rôles de jeune fille pauvre et ambitieuse, dans les mélodrames typiques de la « Grande dépression »11, l’actrice a du mal à se renouveler. Malgré quelques essais, elle est mal à l’aise dans la screwball comedy et trop moderne pour les films à costumes11. On la qualifie de « calamité pour le box-office »3. La MGM qui a reconduit son contrat à 300 000 dollars par an3 (pour cinq années) s’inquiète.

Femmes de George Cukor, en 1939, lui rend pour un moment la confiance de son public. Avec son casting exclusivement féminin, le film la confronte, pour la dernière fois, à sa grande rivale Norma Shearer. On peut citer dans cette fin de règne à la MGM : Le Cargo maudit de Frank Borzage où Joan Crawford retrouve pour la dernière fois son partenaire favori, Clark Gable, et deux films de George Cukor Il était une fois et Suzanne et ses idées. Les films suivants sont des échecs et sa carrière à la MGM s’effondre.

En 43, elle quitte par « la petite porte »4 la compagnie après 18 ans de bons et loyaux services.

Les années Warner Bros

Après avoir fait le siège de la Warner, la compagnie lui ouvre ses portes avec l’idée surprenante d’en faire la rivale de la grande star maison, Bette Davis4, un choix sans doute prescrit pour calmer les revendications de cette exigeante actrice qui avait eu bien des conflits avec Jack Warner, le patron de la compagnie, et peut-être même pour lui succéder12.

Joan Crawford va prendre son temps et examiner les projets qu’on lui propose pour réussir son retour. C’est sur un scénario rejeté par Bette Davis et Barbara Stanwyck qu’elle va faire son choix12. Et bien qu’elle soit au creux de la vague, Crawford va réaliser un come-back retentissant avec Le Roman de Mildred Pierce. Ce film, un mélange de mélodrame et de film noir, est l’histoire d’une mère désenchantée, il est réalisé de façon magistrale par Michael Curtiz et rarement Crawford avait été aussi émouvante. C’est le succès critique et public, avec une recette de cinq millions de dollars13. Elle reçoit la consécration avec l’Oscar de la meilleure actrice et sa carrière redémarre. La Warner lui signe un contrat pour 7 ans à deux cent mille dollars par film.

Pour la petite histoire, Joan Crawford prétexte, le soir de la cérémonie des Oscars, une pneumonie, et c’est alitée, parfaitement pomponnée, qu’elle reçoit la précieuse statuette.

Son film suivant, Humoresque, confirme la résurrection de la star et dès lors, toutes ses apparitions se soldent par un succès commercial : Femme ou maîtresse d’Otto Preminger, La Possédée, Boulevard des passions de Michael Curtiz, L’Esclave du gang, Le Masque arraché…

En 1952, Crawford quitte la Warner et devient indépendante.

Le chant du cygne

Elle revient triomphale à la MGM en 1953, après 10 années d’absence, pour tourner un film musical La Madone gitane. Mais surtout, elle tourne Johnny Guitare en 1954, western baroque et flamboyant, un chef-d’œuvre de Nicholas Ray qui lui offre un de ses plus beaux rôles, celui de la farouche Vienna. Le film est adulé par les critiques et les cinéphiles.

Elle continue de tourner dans des mélodrames, ces « films de femmes » qui sont maintenant rivées devant le petit écran et le préfèrent au grand4. De plus, avec l’âge, les rôles se font de plus en plus rares.

Joan tourne son chant du cygne en 1962 avec Robert Aldrich dans Qu’est-il arrivé à Baby Jane ?. Elle est confrontée pour la première fois à son ancienne rivale de la Warner, Bette Davis. La rencontre des deux monstres sacrés est terrible et vire à un véritable affrontement. Mais le film est un succès et redonne aux deux stars une renommée internationale. C’est un tel triomphe qu’une suite est entreprise en 1965, Chut… Chut, chère Charlotte, mais Joan Crawford tombe malade et déclare forfait. C’est Olivia de Havilland qui la remplace auprès de Bette Davis.

Elle joue par la suite dans des films d’horreur sans grand intérêt et travaille beaucoup pour la télévision. Elle est dirigée en 1969 par Steven Spielberg dans l’épisode The eyes. Il s’agit d’un des trois épisodes pilotes de Night Gallery. Après un dernier film en Grande-Bretagne en 1970, Trog, elle met un terme à sa carrière.

Après un troisième mariage avec l’acteur Phillip Terry (1942 – 1946), elle épouse le PDG de Pepsi-Cola, Alfred N. Steele en 1955. Il lui lègue la société à sa mort en 59 et elle s’installe au comité de direction de la multinationale pendant quinze ans.

Joan Crawford meurt à New York le 10 mai 1977 rongée par un cancer.

Ne pouvant pas avoir d’enfants, l’actrice avait adopté trois filles : Christina, Kathy et Cindy (les deux dernières étaient jumelles), ainsi qu’un garçon : Christopher.

Christina, déshéritée comme son frère Christopher, de toute part d’héritage, elle publie en 1979, après la mort de sa mère, une biographie « Maman très chère », très critique sur sa manière d’éduquer ses enfants, qui fera l’objet d’une adaptation avec Faye Dunaway dans le rôle de Joan Crawford, qui sera dépeinte comme une mère violente et cruelle envers ses deux ainés : Christina et Christopher.

Sexualité et relations

Joan Crawford est bisexuelle14. Comme nombre d’autres acteurs de Hollywood allosexuels, Joan Crawford doit cacher son orientation sexuelle de peur de perdre en popularité15. Elle aurait par ailleurs eu une relation avec Marilyn Monroe16.

Citations

• « …Elle était et est encore une grande personnalité du cinéma. Vous pouvez la photographier de n’importe quel angle, de n’importe quel côté, n’importe où, dans n’importe quelle condition. Elle est toujours magnifique. Mais son vrai talent, c’est la manière qu’elle a de marcher. Si tout ce qu’elle a à faire, c’est de marcher d’un bout à l’autre de cette pièce, vous observez que quelque chose de très spécial se produit. Sa démarche, la manière dont elle déplace ses bras, la position de la tête… eh bien, elle attire votre attention simplement en se déplaçant et elle vous accroche immédiatement. Elle n’a pas à ouvrir la bouche, elle a à marcher, juste marcher. Et elle sera superbe… » George Cukor 17
• Bette Davis :
  • « Pourquoi est-ce que je joue si bien les garces ? Je pense que c’est parce que je n’en suis pas une. C’est d’ailleurs peut-être pour cela que madame Crawford joue toujours des grandes dames… »
  • « On ne devrait jamais dire du mal des morts, on devrait toujours en dire du bien… Joan Crawford est morte, bien ! »
  • « Joan Crawford a couché avec tous les acteurs connus de MGM, sauf peut-être Lassie »18.[réf. à confirmer]

Anecdotes

• Elle fut nommée par l’American Film Institute dixième meilleure actrice de légende du cinéma.

• Le groupe Blue Öyster Cult lui a consacré une chanson à son nom, sur l’album Fire Of Unknown Origin en 1981. (la piste 8)

• Elle fut une joueuse de bridge de niveau mondial, mais choisit de développer au cinéma son jeu réaliste et original.

• L’émail si blanc de ses dents était le résultat de longues et douloureuses opérations.

• Walt Disney Pictures s’est inspiré d’elle pour dessiner la Reine-Sorcière de Blanche-Neige et les Sept Nains.

• Joan Crawford et Myrna Loy furent de grandes amies. Elles s’étaient rencontrées sur le tournage de Pretty Ladies. La première était frivole tandis que la seconde était plutôt discrète. Ce qui ne les empêcha pas d’avoir eu, chacune, une liaison avec Spencer Tracy et de garder le silence ensuite19. Joan Crawford, durant sa liaison avec lui pendant le tournage de Mannequin était incommodée par l’alcoolisme de l’acteur20, gênant leur relation21.

• Marcel Pagnol a, pendant un moment, pensé à l’engager pour le rôle d’Aurélie dans La Femme du boulanger, et a contacté son agent ; comme elle ne parlait pas le français, il a réduit ses répliques au minimum, avant de confier finalement le rôle à Ginette Leclerc22.

Filmographie partielle

en tant qu’actrice

• 1925 : Pretty Ladies de Monta Bell : Bobby (sous le nom de Lucille Le Sueur)
• 1925 : A Slave of Fashion d’Hobart Henley : Mannequin (non créditée)
• 1925 : La Veuve joyeuse (The Merry Widow) de Erich von Stroheim – Non créditée
• 1925 : The Circle de Frank Borzage : Lady Catherine
• 1925 : Vieux Habits, Vieux Amis (Old Clothes) de Edward F. Cline : Mary Riley
• 1925 : Poupées de théâtre (Sally, Irene and Mary) de Edmund Goulding : Irene
• 1926 : Plein les bottes (Tramp, Tramp, Tramp) d’Harry Edwards : Betty Burton
• 1926 : Le Balourd (The Boob) de William A. Wellman : Jane
• 1926 : Paris de Edmund Goulding : Une fille
• 1927 : Les Écumeurs du Sud (Winners of the Wilderness) de W.S. Van Dyke : René Contrecoeur
• 1927 : Taxi-girl (The Taxi Dancer) de Harry F. Millarde : Joslyn Poe
• 1927 : The Understanding Heart de Jack Conway : Monica Dale
• 1927 : L’Inconnu (The Unknown) de Tod Browning : Estellita or Nanon, la fille de Zanzi
• 1927 : Le Bateau ivre (Twelve Miles Out) de Jack Conway : Jane
• 1927 : Le Temps des cerises (Spring Fever) de Edward Sedgwick : Allie Monte
• 1927 : L’Irrésistible (West Point) de Edward Sedgwick : Betty Channing
• 1927 : La Mauvaise Route (The Law of the Range) de William Nigh : Betty Dallas
• 1928 : Rose-Marie de Lucien Hubbard : Rose-Marie
• 1928 : Un soir à Singapour (Across to Singapore) de William Nigh : Priscilla Crowninshield
• 1928 : La Prison du cœur (Four Walls) de William Nigh : Frieda
• 1928 : Les Nouvelles Vierges (Our dancing daugthers), de Harry Beaumont : Diana ‘Di’ Medford
• 1928 : Cœur de tzigane (Dream of Love) de Fred Niblo : Adrienne Lecouvreur
• 1929 : Hollywood chante et danse (The Hollywood Revue of 1929) de Charles Reisner : Elle-même
• 1929 : La Tournée du grand duc (The Duke Steps Out) de James Cruze : Susie
• 1929 : Jeunes filles modernes (Our Modern Maidens) de Jack Conway : Billie Brown
• 1929 : Indomptée (Untamed) de Jack Conway : Alice ‘Bingo’ Dowling
• 1930 : Great Day de Harry Beaumont
• 1930 : Montana Moon de Malcolm St. Clair : Joan ‘Montana’ Prescott
• 1930 : Cœurs impatients (Our Blushing Brides), de Harry Beaumont : Geraldine ‘Gerry’ March
• 1930 : Paid de Sam Wood : Mary Turner
• 1931 : La Pente (Dance fools, danse) d’Harry Beaumont : Bonnie
• 1931 : Les Bijoux volés (The Slippery Pearls) de William C. McGann : Caméo
• 1931 : La Pécheresse (Laughing sinners) d’Harry Beaumont : Ivy Stevens
• 1931 : This Modern Age de Nick Grinde : Valentine ‘Val’ Winters
• 1931 : Fascination (Possessed) de Clarence Brown : Marian Martin
• 1932 : Grand Hotel d’Edmund Goulding : Flaemmchen
• 1932 : Captive (Letty Lynton) de Clarence Brown : Letty Lynton
• 1932 : Pluie (Rain) de Lewis Milestone : Sadie Thompson
• 1933 : Après nous le déluge (Today we live) d’Howard Hawks : Diana ‘Ann’ Boyce-Smith
• 1933 : Le Tourbillon de la danse (Dancing Lady) de Robert Z. Leonard : Janie ‘Duchess’ Barlow
• 1934 : Vivre et aimer (Sadie McKee) de Clarence Brown : Sadie McKee
• 1934 : La Passagère (Chained) de Clarence Brown : Diane Lovering
• 1934 : Souvent femme varie (Forsaking all others) de W.S. Van Dyke : Mary Clay
• 1935 : La Femme de sa vie (No more ladies) de George Cukor et Edward H. Griffith : Marcia Townsend
• 1935 : Vivre sa vie (I Live My Life) de W.S. Van Dyke : Kay Bentley/Ann Morrison
• 1936 : L’Enchanteresse (The Gorgeous Hussy) de Clarence Brown : Margaret ‘Peggy’ O’Neal Eaton
• 1936 : Loufoque et Cie (Love on the Run) de W.S. Van Dyke : Sally Parker
• 1937 : La Fin de Mme Cheyney (The Last of Mrs Cheyney) de Richard Boleslawski : Fay Cheyney
• 1937 : L’Inconnue du palace (The Bride Wore Red) de Dorothy Arzner : Anni Pavlovitch
• 1937 : Mannequin (Mannequin) de Frank Borzage : Jessie Cassidy
• 1938 : L’Ensorceleuse (The Shining Hour) de Frank Borzage : Olivia ‘Maggie’ Riley Linden
• 1939 : La Féerie de la glace (Ice Follies of 1939) de Reinhold Schünzel : Mary McKay
• 1939 : Femmes (The Women) de George Cukor : Crystal Allen
• 1940 : Le Cargo maudit (Strange cargo) de Frank Borzage : Julie
• 1940 : Suzanne et ses idées (Susan and God) de George Cukor : Susan Trexel
• 1941 : Il était une fois (A woman’s face) de George Cukor : Anna Holm
• 1941 : Duel de femmes (When Ladies meet) de Robert Z. Leonard : Mary ‘Minnie’ Howard
• 1942 : Embrassons la mariée (They All Kissed the Bride) de Alexander Hall : Margaret J. ‘M.J.’ Drew
• 1942 : Quelque part en France (Reunion in France) de Jules Dassin : Michelle ‘Mike’ de la Becque
• 1943 : Un espion a disparu (Above suspicion) de Richard Thorpe : Frances Myles
• 1945 : Le Roman de Mildred Pierce (Mildred Pierce) de Michael Curtiz : Mildred Pierce Beragon
• 1946 : Humoresque de Jean Negulesco : Helen Wright
• 1947 : Femme ou maîtresse (Daisy Kenyon) d’Otto Preminger : Daisy Kenyon
• 1947 : La Possédée (Possessed) de Curtis Bernhardt : Louise Howell Graham
• 1949 : Boulevard des passions (Flamingo Road) de Michael Curtiz : Lane Bellamy
• 1949 : Les Travailleurs du chapeau (It’s a great feeling) de David Butler : Elle-même
• 1950 : L’Esclave du gang (The damned don’t gry) de Vincent Sherman : Ethel Whitehead/Lorna Hansen
• 1950 : La Perfide (Harriet Craig) de Vincent Sherman : Harriet Craig
• 1951 : La Flamme du passé (Good bye my fancy) de Vincent Sherman : Agatha Reed
• 1952 : La Reine du hold-up (This Woman Is Dangerous) de Felix E. Feist : Elizabeth ‘Beth’ Austin
• 1952 : Le Masque arraché (Sudden fear) de David Miller : Myra Hudson
• 1953 : La Madone gitane (Torch Song) de Charles Walters : Jenny Stewart
• 1954 : Johnny Guitare (Johnny Guitar) de Nicholas Ray : Vienna
• 1955 : La Maison sur la plage (Female on the beach) de Joseph Pevney : Lynn Markham
• 1955 : Une femme diabolique (Queen bee) de Ranald MacDougall : Eva Phillips
• 1956 : Feuilles d’automne (Autumn leaves) de Robert Aldrich : Millicent Wetherby
• 1957 : Le Scandale Costello (The Story of Esther Costello) de David Miller : Margaret Landi
• 1959 : Rien n’est trop beau (The Best of everything) de Jean Negulesco : Amanda Farrow
• 1962 : Qu’est-il arrivé à Baby Jane ? (What Ever Happened to Baby Jane?) de Robert Aldrich : Blanche Hudson
• 1963 : La Cage aux femmes (The Caretakers) de Hall Bartlett : Lucretia Terry
• 1964 : Della de Robert Gist : Della Chappell
• 1964 : La Meurtrière diabolique (Strait jacket) de William Castle : Lucy Harbin
• 1964 : Chut… Chut, chère Charlotte (Hush… Hush, Sweet Charlotte) de Robert Aldrich : Miriam (non créditée)
• 1965 : Tuer n’est pas jouer (I saw what you did) de William Castle : Amy Nelson
• 1967 : Tueurs au karaté (The Karate Killers) de Barry Shear : Amanda True (images d’archives)
• 1968 : Le Cercle de sang (Berserk) de Jim O’Connolly : Monica Rivers
• 1970 : Trog de Freddie Francis : Dr. Brockton
• 1971 : Journey to Murder de John Gibson et Gerry O’Hara : Hôtesse

Télévision et documentaires

• 1953 : The Revlon Mirror Theater – Série TV (1 épisode) : Margaret Hughes
• 1954 : General Electric Theater – Série TV (3 épisodess) : Mary (1954), Ruth Marshall (1958), Ann Howard (1959)
• 1959 : Woman on the Run – Film TV : Susan Conrad
• 1959 – 1961 : Zane Grey Theater – Série TV (2 épisodes) : Stella Faring – Sarah/Melanie Davidson Hobbes
• 1961 : Zane Grey Theater – Série TV (1 épisode) : Invitée mystère
• 1961 : The Foxes – Film TV : Millicent Fox
• 1962 : Your First Impression – Série TV (1 épisode) : Invitée mystère
• 1962 : Lykke og krone – Film documentaire : elle-même
• 1963 : Route 66 – Série TV (1 épisode) : Morgan Harper
• 1964 : The Big Parade of Comedy – Film documentaire
• 1967 : Des agents très spéciaux (The Man from U.N.C.L.E.) – Série TV (1 épisode) : Amanda True
• 1968 : The Secret Storm – Série TV (5 épisodes) : Joan Borman Kane
• 1969 : Journey to the Unknown – Film TV : Hôtesse
• 1969 : Night Gallery – Film TV : Claudia Menlo
• 1970 : Le Virginien – Série TV (1 épisode) : Stephanie White
• 1971 : Les Règles du jeu (The Name of the Game) – Série TV (1 épisode) : L’administratrice
• 1972 : Beyond the Water’s Edge – Film TV : Allison Hayes
• 1972 : Le Sixième Sens – Série TV (1 épisode) : Joan Fairchild
• 1972 : Hollywood: The Dream Factory – Documentaire TV
• 1974 : Il était une fois Hollywood (That’s Entertainement Part I) – Film documentaire de Jack Haley Jr
• 1976 : Hollywood, Hollywood (That’s Entertainment, Part II) – Film documentaire de Gene Kelly
• 1977 : That’s Action – Film documentaire : elle-même
• 1984 : Terreur dans la salle – documentaire (Terror in the Aisles) – Extrait Qu’est-il arrivé à Baby Jane? : Blanche Hudson
• 1985 : That’s Dancing ! – Film documentaire
• 1988 : Going Hollywood: The War Years – Film documentaire – Non créditée
• 1995 : Legends of Entertainment Video – Documentaire TV : elle-même
• 1995 : The Casting Couch – Documentaire TV
• 1997 : Judy Garland’s Hollywood – Documentaire TV
• 1998 : Warner Bros. 75th Anniversary: No Guts, No Glory – Documentaire TV – Non créditée

en tant que productrice

• 1952 : Le Masque arraché (Sudden Fear) – Non créditée – Producteur exécutif

Distinctions

• 1945 : Lauréate du Prix Golden Apple lors du Golden Apple Awards
• 1945 : Lauréate au Prix de la meilleure actrice lors des National Board of Review pour Le Roman de Mildred Pierce
• 1946 : Nomination au Prix de la meilleure actrice lors des New York Film Critics Circle Awards pour Le Roman de Mildred Pierce
• 1946 : Lauréate du Prix Golden Apple lors du Golden Apple Awards
• 1946 : Lauréate du Prix de la meilleure actrice à l’Oscar pour Le Roman de Mildred Pierce
• 1948 : Nomination du Prix de la meilleure actrice à l’Oscar pour La Possédée
• 1953 : Nomination du Prix de la meilleure actrice à l’Oscar pour Le Masque arraché
• 1953 : Nomination au Prix de la meilleure actrice étrangère lors des Golden Globe pour Le masque arraché
• 1953 : Lauréate au Prix Golden Laurel de la meilleure actrice lors des Laurel Awards pour Le masque arraché
• 1954 : Lauréate au Prix Golden Laurel de la meilleure actrice lors des Laurel Awards pour La madone gitane (1953)
• 1955 : Nomination au Prix Cecil B. DeMille Award lors du Golden Globe
• 1964 : Nomination au Prix de la meilleure actrice étrangère lors des BAFTA pour Qu’est-il arrivé à Baby Jane ?
• 1966 : Nomination au Prix Golden Laurel lors des Laurel Awards
• 1970 : Lauréate du Prix Cecil B. DeMille Award lors du Golden Globe

Bibliographie

• Joan Crawford a publié deux livres de souvenirs :
  • A portrait of Joan (1962)
  • My way of life (1971)

Joan Crawford (March 23, 1904[1] – May 10, 1977), born Lucille Fay LeSueur, was an American dancer and stage chorine, who later became a noted, Oscar-winning film and television actress.

Starting as a dancer in traveling theatrical companies before debuting as a chorine (a chorus girl) on Broadway, Crawford signed a motion picture contract with Metro-Goldwyn-Mayer in 1925. Initially frustrated by the size and quality of her parts, Crawford began a campaign of self-publicity and became nationally known as a flapper by the end of the 1920s. In the 1930s, Crawford’s fame rivaled, and later outlasted, MGM colleagues Norma Shearer and Greta Garbo. Crawford often played hardworking young women who find romance and success. These “rags-to-riches” stories were well received by Depression-era audiences and were popular with women. Crawford became one of Hollywood’s most prominent movie stars and one of the highest paid women in the United States, but her films began losing money and by the end of the 1930s she was labeled “Box Office Poison“. But her career gradually improved in the early 1940s, and she made a major comeback in 1945 by starring in Mildred Pierce, for which she won the Academy Award for Best Actress.

In 1955, she became involved with the Pepsi-Cola Company through her marriage to company Chairman Alfred Steele. After his death in 1959, Crawford was elected to fill his vacancy on the board of directors but was forcibly retired in 1973. She continued acting in film and television regularly through the 1960s, when her performances became fewer; after the release of the British horror film Trog in 1970, Crawford retired from the screen. Following a public appearance in 1974, after which unflattering photographs were published, Crawford withdrew from public life and became increasingly reclusive until her death in 1977.

Crawford married four times. Her first three marriages ended in divorce; the last ended with the death of husband Alfred Steele. She adopted five children, one of whom was reclaimed by his birth mother. Crawford’s relationships with her two older children, Christina and Christopher, were acrimonious. Crawford disinherited the two and, after Crawford’s death, Christina wrote a “tell-all” memoir, Mommie Dearest, in which she alleged a lifelong pattern of physical and emotional abuse perpetrated by Crawford.

Joan Crawford was voted the tenth greatest female star in the history of American cinema by the American Film Institute.

Early life

Crawford was born Lucille Fay LeSueur in San Antonio, Texas, the third child of Thomas E. LeSueur (January 21, 1868 – January 1, 1938), a laundry laborer of English and French Huguenot ancestry and Anna Bell Johnson (November 29, 1884 ?? – August 15, 1958), Texas-born, of Swedish and Irish descent. Her elder siblings were Daisy (ƒ 1902), who died before Lucille’s birth, and Hal. Thomas LeSueur abandoned the family a few months before Crawford’s birth but reappeared in Abilene, Texas in 1930 as a 62-year-old construction laborer on the George R. Davis House, built in Prairie School architecture.[2] Crawford’s mother subsequently married Henry J. Cassin (born c. 1867 – died October 25, 1922; this marriage is listed in census records as Crawford’s mother’s first marriage, calling into question whether Thomas LeSueur and Anna Bell Johnson were ever legally wed.)[3] The family lived in Lawton, Oklahoma, where Cassin, a minor impresario, ran the Ramsey Opera House. Despite his own relatively minor status as an impresario, Cassin had managed to get such diverse and noted performers as Anna Pavlova and Eva Tanguay during his career. Young Lucille was reportedly unaware that Cassin, whom she called “Daddy”, was not her biological father until her brother Hal told her.[4] Lucille preferred the nickname “Billie” as a child and she loved watching vaudeville acts perform on the stage of her stepfather’s theatre. The instability of her family life affected her education and her schooling never formally progressed beyond elementary school.[5]

Her ambition was to be a dancer. However, one day, in an attempt to escape piano lessons to play with friends, she leaped from the front porch of her home and cut her foot deeply on a broken milk bottle. She had three operations and was unable to attend elementary school for 18 months. She eventually fully recovered and returned to dancing. Cassin was accused of embezzlement and although acquitted in court, was blacklisted in Lawton, and the family moved to Kansas City, Missouri around 1916.[3] Cassin was first listed in the City Directory in 1917, living at 403 East Ninth Street. A Catholic, Cassin placed Crawford at St. Agnes Academy in Kansas City. Later, after her mother and stepfather broke up, she stayed on at St. Agnes as a work student. She then went to Rockingham Academy, also as a work student. She later claimed the headmaster’s wife there beat her and forged her grades to hide the fact that young Lucille spent far more time working, primarily cooking and cleaning, rather than being able to study academically. While attending Rockingham she began dating and had her first serious relationship, with a trumpet player named Ray Sterling, who reportedly inspired her to begin challenging herself academically.[6] In 1922, she registered at Stephens College in Columbia, Missouri, giving her year of birth as 1906. She attended Stephens for only four months before withdrawing after she realized she was not prepared for college.

Career

Early career

Under the name Lucille LeSueur, Crawford began dancing in the choruses of traveling revues and was spotted dancing in Detroit by producer Jacob J. Shubert.[5][7] Shubert put her in the chorus line for his 1924 show, Innocent Eyes, at the Winter Garden Theatre on Broadway in New York City. While appearing in Innocent Eyes Crawford met a saxophone player named James Welton. The two were allegedly married in 1924 and lived together for several months, although this supposed marriage was never mentioned in later life by Crawford.[8] She wanted additional work and approached Loews Theaters publicist Nils Granlund. Granlund secured a position for her with producer Harry Richmond’s act and arranged for her to do a screen test which he sent to producer Harry Rapf in Hollywood.[9] Stories have persisted that Crawford further supplemented her income by appearing in one or more stag, or soft-core pornographic, films,[8] although this has been disputed.[10] Rapf notified Granlund on December 24, 1924 that Metro-Goldwyn-Mayer had offered Crawford a contract at $75 a week. Granlund immediately wired LeSueur – who had returned to her mother’s home in Kansas City – with the news; she borrowed $400 for travel expenses.[11] She departed Kansas City on December 26 and arrived in Culver City, California on January 1, 1925.

As Lucille LeSueur, her first film was The Circle in 1925, followed by Pretty Ladies, starring ZaSu Pitts. That same year, she appeared in small roles in the films The Only Thing and Old Clothes. MGM publicity head Pete Smith recognized her ability but felt that her name sounded fake; he told studio head Louis B. Mayer that it sounded like “Le Sewer”. Smith organized a contest in conjunction with the fan magazine Movie Weekly to allow readers to select her new name. Initially, the name “Joan Arden” was selected but, when another actress was found to have prior claim to that name, the alternate name “Crawford” became the choice.[12] Crawford initially wanted her new first name to be pronounced “Jo-anne”. She hated the name Crawford, saying it sounded like “crawfish”. Her friend, actor William Haines, quipped, “They might have called you ‘Cranberry’ and served you every Thanksgiving with the turkey!”[13] Crawford continued to dislike the name throughout her life but, she said, she “liked the security that went with it”.[14]

Self-promotion and early successes

Growing increasingly frustrated over the size and quality of the parts she was given, Crawford embarked on a campaign of self-promotion. As MGM screenwriter Frederica Sagor Maas recalled, “No one decided to make Joan Crawford a star. Joan Crawford became a star because Joan Crawford decided to become a star.”[15] She began attending dances in the afternoons and evenings at hotels around Hollywood, where she often won dance competitions with her performances of the Charleston and the Black Bottom.[16]

Her strategy worked, and MGM cast her in the film where she first made an impression on audiences, Edmund Goulding‘s Sally, Irene and Mary (1925). She played Irene, a struggling chorus girl. In the same year, Crawford worked on Lady of the Night, starring Norma Shearer. Crawford was made up and used as a double for Shearer and her face is briefly seen. Crawford coveted the roles that Shearer played but knew that Shearer’s husband, producer Irving Thalberg, guaranteed Shearer first choice of roles in any MGM property. “How can I compete with Norma?” Crawford was quoted as saying. “She sleeps with the boss.”[17]

The following year, Crawford was named one of the WAMPAS Baby Stars, along with Mary Astor, Mary Brian, Dolores Costello, Dolores del Río, Janet Gaynor, and Fay Wray, among others. In 1926, she made Paris. She became the romantic interest for some of MGM’s leading male stars, among them Ramón Novarro, William Haines, John Gilbert and Tim McCoy. Crawford appeared in The Unknown (1927), starring Lon Chaney, Sr. who played a carnival knife thrower with no arms. Crawford played the skimpily clad young carnival assistant whom he hopes to marry. She stated that she learned more about acting from watching Chaney work than from anything else in her career. “It was then”, she said, “I became aware for the first time of the difference between standing in front of a camera, and acting.”.[18] Also in 1927, she appeared alongside her good friend, William Haines in Spring Fever, which was the first of three films in which they worked together.

In 1928, Crawford starred opposite Ramón Novarro in Across to Singapore, but it was her role as Diana Medford in Our Dancing Daughters (1928) that catapulted her to stardom. The role established her as a symbol of modern 1920s-style femininity which rivaled Clara Bow, the original “It” girl, then Hollywood’s foremost flapper. A stream of hits followed Our Dancing Daughters, including two more flapper-themed movies, in which Crawford embodied for her legion of fans (many of whom were women) an idealized vision of the free-spirited, all-American girl. F. Scott Fitzgerald wrote of Crawford:[19]

Joan Crawford is doubtless the best example of the flapper, the girl you see in smart night clubs, gowned to the apex of sophistication, toying iced glasses with a remote, faintly bitter expression, dancing deliciously, laughing a great deal, with wide, hurt eyes. Young things with a talent for living.

On June 3, 1929, Crawford married Douglas Fairbanks, Jr. at Saint Malachy’s Roman Catholic Church (known as “The Actors’ Chapel” due to its proximity to Broadway theatres) in Manhattan, although neither was Catholic.[20] Fairbanks was the son of Douglas Fairbanks and the stepson of Mary Pickford, who were considered Hollywood royalty. Fairbanks Sr. and Pickford were opposed to the marriage and did not invite the couple to their home, Pickfair, for eight months after the marriage. The relationship between Crawford and Fairbanks, Sr. eventually warmed; she called him “Uncle Doug” and he called her “Billie”, her old childhood nickname.[21] Following that first invitation, Crawford and Fairbanks, Jr. became more frequent guests, which was hard on Crawford. While the Fairbanks men played golf together, Crawford was left either with Pickford or alone.[22]

To rid herself of her Southwestern accent, Crawford tirelessly practiced diction and elocution. She said:[23]

If I were to speak lines, it would be a good idea, I thought, to read aloud to myself, listen carefully to my voice quality and enunciation, and try to learn in that manner. I would lock myself in my room and read newspapers, magazines and books aloud. At my elbow I kept a dictionary. When I came to a word I did not know how to pronounce, I looked it up and repeated it correctly fifteen times.

That same year, she made her final silent film, Our Modern Maidens, and starred in her first talkie, Untamed (1929), opposite Robert Montgomery, which was a box office success. Crawford made an effective transition to sound movies. One critic wrote, “Miss Crawford sings appealingly and dances thrillingly as usual; her voice is alluring and her dramatic efforts in the difficult role she portrays are at all times convincing.”

From Queen of the Movies to “Box Office Poison”

With the early sound film, Montana Moon (1930), opposite Johnny Mack Brown, Crawford proved to be a highly successful film star of the new era of talking films. She followed this with the equally successful Our Blushing Brides (1930) with Robert Montgomery. These films were an attempt by MGM to place Crawford in more sophisticated-type movie roles, rather than continuing to promote her flapper girl persona of the silent era.[24]

In 1931, she starred opposite Clark Gable in Possessed. Crawford and Gable began an affair during the production, resulting in an ultimatum from studio chief Louis B. Mayer to Gable that the affair end. Upon release, the film was an enormous hit. The studio then cast her in Grand Hotel, which is noted for being the first all-star film ever produced, that teamed her with Greta Garbo, John Barrymore, and Wallace Beery among many others. The film became MGM’s most prestigious movie of 1932. That same year, the newly founded “Top Ten Moneymaking Stars Poll” by the Motion Picture Herald placed her third in popularity, behind only Marie Dressler and Janet Gaynor, both early Oscar winners.

Crawford later achieved continued success with Letty Lynton (1932). Soon after its release, a plagiarism suit forced MGM to withdraw it. It has never been shown on television or made available on home video, and is therefore considered the “lost” Crawford film. The film is remembered by many aficionados largely for the “Letty Lynton dress”, designed by Adrian: a white cotton organdy gown with large ruffled sleeves, puffed at the shoulder. Macy’s copied the dress in 1932, and it sold over 500,000 replicas in the United States. Crawford next starred in Rain (1932), a film adaptation of the play written by John Colton. Crawford’s portrayal of a hard-bitten but vulnerable prostitute, previously played by such actresses as Jeanne Eagles (onstage) and Gloria Swanson (silent film), drew negative reviews and the film was a box office failure.[25]

In May 1933, Crawford divorced Fairbanks. Crawford cited “grievous mental cruelty”, claiming Fairbanks had “a jealous and suspicious attitude” toward her friends and that they had “loud arguments about the most trivial subjects” lasting “far into the night”.[26] Following her divorce, she was again teamed with Clark Gable and Franchot Tone and a pre-fame Fred Astaire in the hit Dancing Lady (1933), in which she received top billing. She next played the title role in Sadie McKee (1934) opposite Gene Raymond and Franchot Tone. Crawford was paired with Gable for the fifth time in Chained (1934) and for the sixth time in Forsaking All Others (1934). Crawford’s films of this era were some of the most-popular and highest-grossing films of the mid-1930s.

In 1935, Crawford married Franchot Tone, a stage actor from New York who planned to use his film salary to finance his theatre group. Tone and Crawford appeared together in Today We Live (1933) and were immediately drawn to each other, although Crawford was hesitant about entering into another romance so soon after her split from Fairbanks.[27] The couple built a small theatre at Crawford’s Brentwood home and put on productions of classic plays for select groups of friends.[28] Before and during their marriage, Crawford worked to promote Tone’s Hollywood career, but Tone was ultimately not interested in being a movie star and Crawford eventually wearied of the effort.[29] Tone began drinking and physically abusing Crawford; she filed for divorce, which was granted in 1939.[30] Crawford and Tone eventually reconciled their friendship and Tone even proposed in 1964 that they remarry. When Tone died in 1968, Crawford arranged for him to be cremated and his ashes scattered at Muskoka Lakes, Canada.[31]

In 1936, she starred as Margaret O’Neill Eaton in The Gorgeous Hussy with Robert Taylor and then-husband Franchot Tone. While the film was a moderate box office success, it was not the hit MGM had hoped for. She was teamed with Gable and Tone again in Love on the Run that same year. While Crawford’s films continued to earn a profit at the box office, her popularity was slowly beginning to fade. Crawford was proclaimed the first “Queen of the Movies” in 1937 by Life magazine, however, her public popularity continued to decline.[32] By the summer of 1937, she had unexpectedly slipped from seventh to fortieth place at the box office.[32] Her following film, The Bride Wore Red (1937), was one of MGM’s biggest failures that year. In May 1938, the Independent Film Journal placed Crawford — along with Greta Garbo, Katharine Hepburn, Fred Astaire, Norma Shearer, Marlene Dietrich and others — on a list called “Box Office Poison“.[33]

She made a comeback with her role as home-wrecker Crystal Allen in The Women in 1939. A year later, she broke from formula, playing the unglamorous role of Julie in Strange Cargo (1940), her eighth and final film with Clark Gable. She later starred as a facially disfigured blackmailer in A Woman’s Face (1941), a remake of a European film which had starred Ingrid Bergman in the lead role three years earlier. While the film was only a moderate box office success, her performance was hailed by many critics.

Crawford adopted her first child, a daughter, in 1940. Because she was single, California law prevented her from adopting within the state so she arranged the adoption through an agency in Las Vegas. The child was temporarily called Joan until Crawford changed her name to Christina. She married actor Phillip Terry on July 21, 1942 after a six-month courtship.[34] Together the couple adopted a son whom they named Christopher, but his birth mother reclaimed the child. They adopted another boy, whom they named Phillip Terry, Jr.

After the marriage ended in 1946, Crawford changed the child’s name to Christopher Crawford. After 18 years, Crawford’s contract with MGM was terminated by mutual consent on June 29, 1943. In lieu of the last film remaining under her contract, MGM bought her out for $100,000. During World War II she was a member of American Women’s Voluntary Services.[35]

Move to Warner Brothers

For $500,000, Crawford signed with Warner Brothers for a three movie deal and was placed on the payroll on July 1, 1943. Her first film for the studio was Hollywood Canteen (1944), an all-star morale-booster film that teamed her with several other top movie stars at the time. Crawford said one of the main reasons she signed with Warner Brothers was because she wanted to play the character “Mattie” in a proposed 1944 film version of Edith Wharton‘s novel Ethan Frome (1911).

She wanted to play the title role in Mildred Pierce (1945), but Bette Davis was the studio’s first choice. However, Davis turned the role down. Director Michael Curtiz did not want Crawford to play the part, claiming Davis could be replaced with Barbara Stanwyck, Olivia de Havilland, or Joan Fontaine. However, Warner Brothers went against Curtiz’s wishes and cast Crawford in the film. Throughout the entire production of the movie, Curtiz criticized Crawford. He has been quoted as having told Jack Warner, “She comes over here with her high-hat airs and her goddamn shoulder pads… why should I waste my time directing a has-been?”[36] Curtiz demanded Crawford prove her suitability by taking a screen test. After the test, Curtiz agreed to Crawford’s casting. Mildred Pierce was a resounding critical and commercial success. It epitomized the lush visual style and the hard-boiled film noir sensibility that defined Warner Bros. movies of the later 1940s, earning Crawford the Academy Award for Best Actress in a Leading Role.

The success of Mildred Pierce revived Crawford’s movie career. For several years, she reigned as one of the most respected and most successful actresses in Hollywood. In 1946, she starred opposite John Garfield in Humoresque, a romantic drama of a love affair between an older woman and a younger man. She starred alongside Van Heflin in Possessed (1947), for which she received a second Academy Award nomination, although she did not win. In Daisy Kenyon (1947), she appeared opposite Dana Andrews and Henry Fonda, and in Flamingo Road (1949) she played a carnival dancer opposite Zachary Scott and David Brian. She made a cameo appearance in It’s a Great Feeling (1949), poking fun at her own screen image. In 1950, she starred in the film noir, The Damned Don’t Cry!, and starred in Harriet Craig.

After the completion of This Woman Is Dangerous (1952), a film Crawford called her “worst”, she asked to be released from her Warner Brothers contract. By this time she felt Warners was losing interest in her and she decided it was time to move on. Later that same year, she received her third and final Academy Award nomination for Sudden Fear for RKO Radio Pictures. In 1953, she appeared in her final film for MGM, Torch Song. The movie received favorable reviews and moderate success at the box office.

Crawford adopted two more children in 1947, identical twins whom she named Cindy and Cathy.[37]

Radio and television

Crawford worked in the radio series The Screen Guild Theater on January 8, 1939; Good News; Baby, broadcast March 2, 1940 on Arch Oboler‘s Lights Out; The Word on Everyman’s Theater (1941); Chained on the Lux Radio Theater and Norman Corwin‘s Document A/777 (1948). She appeared in episodes of anthology television series in the 1950s and, in 1959, made a pilot for her series, The Joan Crawford Show.

Al Steele and Pepsi Cola Company

Crawford married her final husband, Alfred Steele, at the Flamingo Hotel in Las Vegas on May 10, 1955.[38] Crawford and Steele met at a party in 1950 when Steele was an executive at PepsiCo. They renewed their acquaintance at a New Year’s Eve party in 1954. Steele by that time had become President of Pepsi Cola.[39] Alfred Steele would later be named Chairman of the Board and Chief Executive Officer of Pepsi Cola. She traveled extensively on behalf of Pepsi following the marriage. She estimated that she traveled over 100,000 miles for the company.[40]

Steele died of a heart attack in April 1959. Crawford was initially advised that her services were no longer required. After she told the story to Louella Parsons, Pepsi reversed its position and Crawford was elected to fill the vacant seat on the board of directors.[41]

Crawford received the sixth annual “Pally Award”, which was in the shape of a bronze Pepsi bottle. It was awarded to the employee making the most significant contribution to company sales. In 1973, Crawford was forced to retire from the company at the behest of company executive Don Kendall, whom Crawford had referred to for years as “Fang”.[42]

Later career

After her Academy Award nominated performance in 1952’s Sudden Fear, Crawford continued to work steadily throughout the rest of the decade. In 1954, she starred in Johnny Guitar, a camp western film, co-starring Sterling Hayden and Mercedes McCambridge. She also starred in Female on the Beach (1955) with Jeff Chandler, and in Queen Bee (1955) alongside John Ireland. The following year, she starred opposite a young Cliff Robertson in Autumn Leaves (1956) and filmed a leading role in The Story of Esther Costello (1957), co-starring Rossano Brazzi. Crawford, who had been left near-penniless following Alfred Steele’s death[43] accepted a small role in The Best of Everything (1959). Although she was not the star of the film, she received positive reviews. Crawford would later name the role as being one of her personal favorites. However, by the early 1960s, Crawford’s status in motion pictures had declined considerably.

Crawford starred as Blanche Hudson, an old, wheelchair-bound former A-list movie star in conflict with her psychotic sister, in the highly successful psychological thriller What Ever Happened to Baby Jane? (1962). Despite the actresses’ earlier tensions, Crawford reportedly suggested Bette Davis for the role of Jane. The two stars maintained publicly that there was no feud between them. The director, Robert Aldrich, explained that Davis and Crawford were each aware of how important the film was to their respective careers and commented, “It’s proper to say that they really detested each other, but they behaved absolutely perfectly.”[44] After filming was completed, their public comments against each other propelled their animosity into a lifelong feud. The film was a huge success, recouping its costs within 11 days of its nationwide release, and temporarily revived Crawford’s career. Davis was nominated for an Academy Award for her performance as Jane Hudson. Crawford secretly contacted each of the other Oscar nominees in the category (Katharine Hepburn, Geraldine Page and Anne Bancroft, all East Coast-based actresses), to let them know that if they could not attend the ceremony, she would be happy to accept the Oscar on their behalf; all agreed. Both Davis and Crawford were backstage when the absent Anne Bancroft was announced as the winner, and Crawford accepted the award on her behalf. Davis claimed for the rest of her life that Crawford had campaigned against her, a charge Crawford denied.

That same year, Crawford starred as Lucy Harbin in William Castle‘s horror mystery Strait-Jacket (1964). Robert Aldrich cast Crawford and Davis in Hush… Hush, Sweet Charlotte (1964). After a purported campaign of harassment by Davis on location in Louisiana, Crawford returned to Hollywood and entered a hospital. After a prolonged absence, during which Crawford was accused of feigning illness, Aldrich was forced to replace her with Olivia de Havilland. Crawford claimed to be devastated, saying “I heard the news of my replacement over the radio, lying in my hospital bed” … I cried for 9 hours.” [45] Crawford nursed grudges against Davis and Aldrich for the rest of her life, saying of Aldrich, “He is a man who loves evil, horrendous, vile things”, to which Aldrich replied, “If the shoe fits, wear it, and I am very fond of Miss Crawford.”[46]

In 1965 she played Amy Nelson in I Saw What You Did (1965), another William Castle vehicle. She starred as Monica Rivers in Herman Cohen‘s horror thriller film Berserk! (1967). After the film’s release, Crawford guest-starred as herself on The Lucy Show. The episode, “Lucy and the Lost Star”, first aired on February 26, 1968. Crawford struggled during rehearsals and drank heavily on-set, leading series star Lucille Ball to suggest replacing her with Gloria Swanson. However, Crawford was letter-perfect the day of the show, which included dancing the Charleston, and received two standing ovations from the studio audience.[47]

In October 1968, Crawford’s 29-year-old daughter, Christina (who was then acting in New York on the CBS soap opera The Secret Storm), needed immediate medical attention for a ruptured ovarian tumor. Until Christina was well enough to return, Crawford offered to play her role, to which producer Gloria Monty readily agreed. Although Crawford did well in rehearsal, she lost her composure while taping and the director and producer were left to struggle to piece together the necessary footage.[48]

Crawford’s appearance in the 1969 television film Night Gallery (which served as pilot to the series that followed), marked one of Steven Spielberg‘s earliest directing jobs. She made a cameo appearance as herself in the first episode of the situation comedy The Tim Conway Show, which aired on January 30, 1970.[49] She starred on the big screen one final time, playing Dr. Brockton in Herman Cohen’s science fiction horror film Trog (1970), rounding out a career spanning 45 years and more than eighty motion pictures. Crawford made three more television appearances, as Stephanie White in a 1970 episode (“The Nightmare”) of The Virginian[50] and as Joan Fairchild (her final performance) in a 1972 episode (“Dear Joan: We’re Going to Scare You to Death”) of The Sixth Sense.[51]

Final years

In 1970, Crawford was presented with the Cecil B. DeMille Award by John Wayne at the Golden Globes, which was telecast from the Coconut Grove at The Ambassador Hotel in Los Angeles. She spoke at her Stephens College, which she had only attended for four months.

Crawford published her autobiography, A Portrait of Joan, co-written with Jane Kesner Ardmore, in 1962 through Doubleday. Crawford’s next book, My Way of Life, was published in 1971 by Simon and Schuster. Those expecting a racy tell-all were disappointed, although Crawford’s meticulous ways were revealed in her advice on grooming, wardrobe, exercise, and even food storage. Upon her death there was found in her apartment photographs of John F. Kennedy, for whom she had reportedly voted in the 1960 presidential election.[52]

In September 1973, Crawford moved from apartment 22-G next door to a smaller apartment, 22-H, at the Imperial House. Her last public appearance was September 23, 1974, at a party honoring her old friend Rosalind Russell at New York’s Rainbow Room. Russell was suffering from breast cancer and arthritis at the time. When Crawford saw the unflattering photos that appeared in the papers the next day, she said, “If that’s how I look, then they won’t see me anymore.”[53] Crawford cancelled all public appearances, began declining interviews and left her apartment less and less.

Dental-related issues, including surgery which left her needing round-the-clock nursing care, plagued her from 1972 until mid-1975. While on antibiotics for this problem in October 1974, her drinking caused her to black out, slip and strike her face. The incident scared her enough to give up drinking and smoking, although she insisted it was because of her return to Christian Science. The incident is recorded in a series of letters sent to her insurance company held in the stack files on the 3rd floor of the New York Public Library for the Performing Arts, as well as documented by Carl Johnnes in his biography of the actress, Joan Crawford: The Last Years.[54]

Death and legacy

On May 8, 1977, Crawford gave away her beloved Shih Tzu “Princess Lotus Blossom”, for which she was too weak to care.[55] She died two days later at her New York apartment from a heart attack, while also reportedly ill with pancreatic cancer.[40] A funeral was held at Campbell Funeral Home, New York, on May 13, 1977. In her will, which was signed October 28, 1976, Crawford bequeathed to her two youngest children, Cindy and Cathy, $77,500 each from her $2,000,000 estate. She explicitly disinherited the two eldest, Christina and Christopher, writing “It is my intention to make no provision herein for my son Christopher or my daughter Christina for reasons which are well known to them.” The disposition of the remainder of the estate was not disclosed.[56]

A memorial service was held for Crawford at All Souls’ Unitarian Church on Lexington Avenue in New York on May 16, 1977, and was attended by, among others, her old Hollywood friend Myrna Loy. Another memorial service, organized by George Cukor, was held on June 24 in the Samuel Goldwyn Theater at the Academy of Motion Picture Arts and Sciences in Beverly Hills. Crawford was cremated and her ashes were placed in a crypt with her last husband, Alfred Steele, in Ferncliff Cemetery, Hartsdale, New York.[57]

Joan Crawford’s hand and footprints are immortalized in the forecourt of Grauman’s Chinese Theater on Hollywood Boulevard in Hollywood. She has a star on the Hollywood Walk of Fame at 1750 Vine Street. Playboy listed Crawford as #84 of the “100 Sexiest Women of the 20th century” in 1999.

Mommie Dearest

In November 1978, Christina Crawford published Mommie Dearest, which contained allegations that her late adoptive mother was emotionally and physically abusive to Christina and her brother Christopher. Many of Crawford’s friends and co-workers, including Van Johnson, Ann Blyth, Marlene Dietrich, Myrna Loy, Katharine Hepburn, Cesar Romero, Gary Gray, Betty Barker (Joan’s secretary for nearly fifty years), Douglas Fairbanks Jr. (Crawford’s first husband), and Crawford’s other daughters — Cathy and Cindy — denounced the book, categorically denying any abuse.[58] But others, including Betty Hutton, Helen Hayes,[59] James MacArthur (Hayes’ son),[60][61] June Allyson,[62] Liz Smith,[60] Rex Reed,[60] and Vincent Sherman[63] stated that they had witnessed abuse. Joan Crawford’s secretary, Jeri Binder Smith, confirmed Christina’s account.[64]

Mommie Dearest became a bestseller and was made into the 1981 film Mommie Dearest, starring Faye Dunaway as Crawford.